Todo Mundo Mente - Ano 03

O Último Mestre do Ar

2012-01-23T06:01:00.003-02:00

(The Last Airbender, 2007)

Diretor: M. Night Shyamalan

Elenco: Noah Ringer, Jackson Rathbone, Nicola Peltz, Dev Patel.

Algumas obras são compostas de maneira tão sólida, sem pontas soltas, que parecem à prova de possíveis erros. Parecia certo que a produção cinematográfica de Avatar, o desenho produzido pela Nickelodeon, seria um sucesso, mesmo que fosse difícil atingir a excelência do original.

A notícia de que M. Night Shyamalan dirigiria a adaptação foi recebida com reprovação. Shyamalan, embora um diretor talentoso, amargava fracasso após fracasso, vítima de sua própria formula: o suspense com revelação no final. Após ter seus projetos negados por diversos estúdios, adaptar uma história alheia manteria o pouco do nome que lhe restava, sem arriscar outra produção fracassada.

Baseado no roteiro escrito pelo diretor, O Último Mestre do Ar concentra-se na primeira parte da história, divididas no desenho em três livros. É possível que houvesse um plano concreto de adaptar toda a trama para uma série de filmes. Porém, uma adaptação bem feita de Avatar custaria caro e demandaria tempo. Seria necessário, ao menos, dois longas metragens para cada livro. Projeto de difícil aceitação e que, provavelmente, não acrescentaria nada ao desenho.

A base da história de Avatar está presente. Quatro tribos, divididas pelo elemento que manipulam, estão em desequilíbrio e aguardam com pouca esperança a chegada do Avatar, único capaz de controlar os quatro elementos e trazer paz para as nações.

O primeiro incômodo na versão cinematográfica está na desnecessárias mudanças de nacionalidades das personagens. Ainda que a história seja apresentada em outra era, supostamente em um lugar diferente da Terra que conhecemos, as semelhanças são notáveis. A tribo da Água do Sul são próximos de indianos. A tribo do Fogo e da Terra são orientais, embora um seja japonês e outro, provavelmente, chinês. Conceito que não por acaso foi arquitetado para que a realidade e ficção tivessem semelhanças.

A direção de Shymalan não é comprometedora e pouco marca seu estilo na trama, preferindo diluir aquilo que o consagrou. O roteiro acelera demais a história original, provocando cortes evidentes e inserindo na mesma cena elementos que apareceram de maneira distinta no desenho.

A apresentação de diversos personagens conhecidos parece composta para agradar o público, fetichista de vê-los em carne e osso. O excesso é desnecessário para uma história que se apresenta em alta velocidade para cobrir todo o espaço da primeira temporada da série.

As cenas de ação são inconstantes e provam que Shymalan não está preparado para o estilo. A preocupação em mantê-las semelhante ao original é notável. Porém, não perceberam que tornaram-se assim mais artificiais. Se há um fator positivo é quanto aos efeitos que produzem as dobras de cada tribo, apresentados de uma maneira realista.

A versão dublada não conta com os mesmos dubladores do desenho. Infelizmente estúdios não compreenderam que o público gosta das vozes consagradas, muitas vezes para identificar as personagens. Não bastando isso, até pronuncias foram alteradas. Demonstrando que não há uma pesquisa necessária entre desenho e adaptação cinematográfica.

Uma história tão rica como Avatar tornou-se uma adaptação pobre que não é capaz de entreter quem desconhece a trama e muito menos agradar quem esperava uma obra fiel ao seu original. No meio disso tudo, M. Night Shyamalan tenta sobreviver a indústria, mas continua naufragando.

Dexter, Sexta Temporada

2012-01-18T00:00:00.001-02:00

ATENÇÃO: PARA MELHOR ANÁLISE DA TEMPORADA, ALGUMAS PARTES DO ENREDO SERÃO ANALISADAS NO TEXTO (OS CONHECIDOS SPOILERS). PORTANTO, PARA SUA SEGURANÇA, SE NÃO QUISER SABER NADA A RESPEITO DA TEMPORADA, PARE DE LER O TEXTO IMEDIATAMENTE. MAS RETORNE APÓS TER ASSISTIDO-A, POR FAVOR.

Imediatamente após o término do último episódio da sexta temporada de Dexter, abri o editor de texto e despejei uma série de comentários desconexos entre si a respeito daquilo que me incomodou no percurso dessa temporada. Revi minhas anotações diversas vezes sem conseguir produzir um texto a partir delas.

Em análises anteriores, é provável que o leitor tenha notado o carinho que tenho por Dexter e de como aproximo a série de uma excelência narrativa pouco vista na televisão. Afirmando quando possível que seu sucesso era a soma de um roteiro de qualidade interpretado de maneira apurada por seus atores.

Foi pesaroso para mim constatar que, pela primeira vez, a série não tinha me agradado. E, além de minha opinião como expectador, eu possuía uma lista desconexas de razões que explicitavam o quanto a sexta temporada foi realizada sem o esmero adequado.

Decidi deixar minhas anotações de lado e esfriar a cabeça. Esperar que a argumentação crítica superasse minha decepção para compor a análise da temporada. Que traria outro fator inédito. Um texto mais íntimo, diferente da maneira habitual que escrevo.

Sem dúvida, o desfecho da quarta temporada transformou em definitivo a série. Causou impacto, foi audaciosa, mas produziu uma dificuldade imensa para apresentar o dia seguinte. A quinta temporada pareceu mais um desdobramento natural do enredo. Não consigo imaginar se houve um argumento forte além da ideia de tentar reconstruir o universo da série e a personalidade de Dexter.

A sexta temporada ainda é marcada pela sensação fora de foco. Dexter é agora um pai solteiro que divide-se entre o passageiro sombrio e seu filho. A primeira questão que movimenta esta temporada é o futuro de Harrison. Mas o dilema é apenas a prerrogativa para introduzir o elemento que em maiores e menores estâncias estará em todo este ano: a religiosidade.

Após uma quinta temporada oscilante, é compreensível que se utilize a fé como desenvolvimento dramático. A religião sempre é segura por ser incendiária por si só. Gera um conforto a mais para os produtores que, provavelmente, tinham medo que parte do público debandasse.

Introduzir a religião no universo de Dexter parece interessante. Mas acaba cedo demais por ser apenas uma idéia, não um argumento mais graúdo como os anteriores. Como se um calculo mal realizado produzisse um abismo considerável entre a idéia e a execução da mesma.

A religião se apresenta em três frentes distintas: Dexter e a relação com Harrison, em referencia ao que será passado como ensinamento ao garoto. Um pastor, bandido regenerado, que torna-se amigo de Dexter e desenvolve-se como elemento positivo da fé. E o assassino da temporada, um homem que com a ajuda de um pupilo acreditam arquitetar o caminho para o apocalipse na Terra.

Não bastasse o exagero de conflitos diferentes sobre o mesmo tema, novas personagens são introduzidas e atores conhecidos convidados para interpreta-las. Produzindo certa overdose de atenção na tela. Diversas histórias que parecem densas mas que quase não levam a nenhum lugar.

O pastor interpretado por Mos Def é apenas a válvula de escape religiosa de nosso forense. Como Harry era um pai agnóstico, optaram por introduzir uma nova personagem que refletisse os pensamentos com Dexter no âmbito religioso. Motivação para mais uma dúvida da personagem: poderia um assassino serial ser amado por um suposto Deus?

O outro lado da fé representa-se pelas mortes envolvendo rituais bíblicos. Edward James Olmos é um excelente ator mal aproveitado pelo roteiro que não o permitiu dar a profundidade necessária para sua personagem. Ainda que seja possível defender a composição plana de James Geller avaliando que o professor é uma projeção de seu pupilo.

Colin Hanks embora tente esboçar a loucura dúbia necessária para a personagem permanece apático em boa parte da temporada. Produzindo alta incredibilidade quando revela-se o jogo entre ele e mestre. Ainda mais quando Olmos é um ator mais talentoso que o filho de Tom Hanks.

Com diversas histórias novas para desenvolver, as personagens fixas da série foram tratadas de duas infelizes maneiras: ou deixadas de escanteio ou revelando alguma surpresa exagerada para esconder o fraco roteiro. Dessa forma, personagens que o público imaginava conhecer realizaram atitudes incabíveis ou despropositadas que soaram como desespero dos produtores. Não uma evolução natural da composição de suas personalidades.

Angel Batista tornou-se um policial sem nenhum charme. Quinn, frio e marrento, virou arremedo bêbado pelo fora que leva de Debra. Se por um lado a promoção de Debra como tenente é uma excelente transformação, a descoberta que é apaixonada pelo meio irmão é patética e desconfortável.

No último episódio da temporada fica evidente que, como no terceiro ano de Californication, o canal Showtime errou a mão. Esticou uma trama que deveria ter sido apresentada no início e desenvolvido ao longo dessa temporada. Para que Debra ainda não descobrisse o ofício do irmão, outro conflito deve de ser desenvolvido, deturpando a coerência da personagem até então.

A terapeuta que acompanha Debra parece a explicação pública da modificação dos roteirista. Ainda que elucide pontos corretos a respeito da personagem, não há dúvida que o irmão é tido como o único homem confiável em sua vida, é exagerado apontar que pelo mesmo motivo há uma paixão. Saída banal e polêmica que segura a trama que foi prolongada.

Estranhamente somente Vince Mazuka não perde seu padrão. Mantém o alívio cômico da série e não possui nenhum segredo revelador ou sórdido como até mesmo seus dois estagiários forense. Retomar brevemente a história do assassino do caminhão de gelo produz apenas estranhamento desnecessário. Gerando cenas que não tem muita razão como a caixa que Dexter recebe, com o manequim de uma cena do crime, que não tem conexão com a história apresentada.

Diante de tantas distorções até mesmo Dexter traí a si mesmo para satisfazer um roteiro mal executado. Levaremos em conta que público conhece a maneira de pensar de Dexter. Assim, na cena final, seria mais fácil para o assassino forense deixar o assassino do apocalipse morto no prédio do que retira-lo de lá. Esse ato ajudaria a si mesmo, pela dúvida religiosa presente em seus pensamentos e como ajuda ao departamento policial que tinha uma baixa taxa de resolução de crimes.

Fica evidente, pela terceira vez neste texto, que para justificar os fins não importou a coerência das personagens. Há apenas um motivo para a cena em que Dexter mata o assassino do apocalipse dentro de sua igreja: fazer com que explicitamente Debra o flagre-o e a descoberta do passageiro sombrio seja o mote para a próxima temporada, quando deveria ter sido desta.

Lamentavel que pelo roteiro curto tantos erros estruturais foram cometidos de maneira propositada em busca de ganchos para cada episódio. O monologo final em que Dexter afirma que o mal existe para o bem, a luz para escuridão, parece um recordatório didático. Nada acrescenta a um público que há seis anos tem alta carisma por um assassino e muito menos para a própria personagem que conhece sua condição.

A sexta temporada de Dexter garantiu sua qualidade apenas nos belos cartazes de divulgação, que colocavam a personagem em ambientes ou situações dúbias sobre religiosidade. O gancho para o próximo ano é eficiente ao menos como idéia. Resta saber como os roteiristas lidarão com mais uma mudança brusca na história se a morte de Rita é ainda um pesado fardo não superado.

Rogue - O Assassino

2012-01-16T05:31:00.006-02:00

(War, 2007)

Diretor: Philip G. Atwell
Elenco: Jason Statham, Jet Li.

Quando dois dos poucos astros de ação atuais são as estrelas de um filme a expectativa se duplica. Não será a trama que conduzirá o público a assistir a produção, mas a possibilidade de que, mais cedo ou mais tarde, as personagens travaram uma luta de proporções épicas cujas leis da gravidade e da resistência serão desafiadas.

A formula de um filme no estilo não poderia ser mais evidente: um fiapo de história – normalmente o desejo de vingança – que move uma personagem a percorrer metade do mundo – ou matar metade dele – para alcançar seu objetivo.

A intenção de apresentar uma trama mais complexa em Rogue – O Assassino acaba por estragar seu desenvolvimento. Aparentemente, o enredo é igual a todos os outros. Crowford (Jason Statham) deseja descobrir quem é Rogue (Jet Li), o assassino misterioso que matou seu parceiro do FBI. Porém, diluída em uma história entre gangues japonesas rivais a trama nem flui em sua narrativa e muito menos apresenta cenas de ação convenientes ao estilo.

Parece estranho quando atores conhecidos pelas cenas de ação, especificamente as de luta física, deixam de lado seu maior talento e se vêem presos a, no máximo, embate com armas de fogo. Em uma trama cuja exigência quase obrigatória é um embate esperado, é anticlimático que não possua nenhuma e a história não seja, também, nenhum primor.

A narrativa que intenta maior complexidade nunca alcança objetivo nenhum. Seu desenlace, na falta de ação, busca uma reviravolta que tem uma breve parcela de surpresa mas que parece, na verdade, rir da cara do expectador que, certamente, ao desejar assistir esse filme esperava uma batalha que foi desperdiçada e ficará para eventuais outros encontros dos astros.

Os Perdedores

2012-01-16T05:02:00.007-02:00

(The Losers, 2011)

Diretor: Sylvain White
Elenco: Jeffrey Dean Morgan, Zoe Saldana, Chris Evans, Jason Patric.

O selo Vertigo, da Editora DC Comics, ainda que possa ser incluído no universo tradicional de seus super-herois, é voltado para um público diferenciado que se interessa por quadrinhos, mas não necessariamente, pelas histórias de heróis. A maior liberdade em relação a linha tradicional permite que equipes apresentem histórias com alta qualidade sem cair no comum do gênero.

A HQ de Os Perdedores faz parte desse selo. Lançada no Brasil por duas editoras, a série nunca ultrapassou o primeiro arco de histórias, origem da trama adaptada para o cinema. Ainda que não tão conhecidos do público em relação aos super – heróis, uma adaptação do gênero sempre conquista um público cativo. Segurança para os produtores que preferem não se arriscar em um produto novo.

Sem nenhum ator de peso, o filme testa a força de novos atores como Jeffrey Dean Morgan, Zoe Saldana e Chris Evans que despontaram suas carreiras recentemente. O termômetro identifica se um desses atores tem potencial para sustentar um filme sozinho. Mesma lógica sustentada pela escolha de um diretor novato.

A produção não vai além de realizar um filme divertido com uma trama simples e linear: um grupo da forças especiais dos Estados Unidos é traído em uma missão na Bolívia e descobre uma maneira de se vingar contra quem os traiu. A narrativa escora-se em personagens típicas dos quadrinhos sem exagerar no decalque na transposição para as telas.

Sem dúvida há cenas um tanto quanto inusitadas, ângulos que só os quadrinhos podem conceber, mas sem excessos. Até mesmo o vilão interpretado por Jason Patric, cuja figura se aproxima de uma caricatura, é bem incorporada na trama pela maneira sátira de sua interpretação.

O único volume disponível no Brasil foi lançado pela Panini Comics na ocasião de estréia do filme. "Os Perdedores - Hora do Troco" reune as seis primeiras histórias escritas por Andy Diggle.

Estréias de 2012, duas análises, parte 02

2012-01-02T03:25:00.007-02:00

Segunda e final parte com as análises das estréias de 2012. Do meio do ano até o final ainda há poucas datas, mas já apresentam filmes imperdíveis. Se ainda não leu o inicio da lista, clique no link abaixo.

Estréias de 2012, duas análises, primeira parte: Janeiro a Abril

Maio

Dark Shadows

Thiago: Não sei em que determinado momento Tim Burton perdeu sua popularidade. Provavelmente quando, por obrigação com a Warner, dirigiu o remake de A Fantástica Fábrica de Chocolates e, em seguida, cometeu a bobagem de fazer uma releitura de Alice No País das Maravilhas. O que era uma excelente parceria do diretor com Johnny Depp tornou-se uma piada que ficou ainda mais verdadeira quando sua esposa colabora em todos os seus filmes sem exceção.

Arthur: Há 15 anos atrás eu ficaria empolgado por um filme do Tim Burton com o Depp. Mas depois da atrocidade Alice... e sinceramente, Tim Burton não lança um grande filme desde A Lenda do Cavaleiro sem Cabeça.

A Batalha Das Marés (Battleship)

Thiago: Após os quadrinhos, as adatações de brinquedos parecem ser a tônica da vez. Funcionou inicialmente com Transformers e falhou miseravelmente com G. I. Joe (por conta de um filme ruim, diga-se). Essa produção pode funcionar, desde que não esqueçam que um roteiro é sempre imprescindível.

Arthur: Peter Berg cometeu Hancock e isso é suficiente para eu ignorar completamente esse filme.

The Three Stooges

Thiago: Demorou, demorou, mas os irmãos Farrely conseguiram. O elenco central foi mudado diversas vezes, mas seguiram em frente. Ao menos, não mudaram o conceito e o filme será dividido em três histórias. Porém, será que os atores conseguirão superar a comparação dos originais?

Arthur: Não consigo imaginar a utilidade desse filme, a não ser conspurcar um clássico absoluto... sério, o que aconteceu aos Farrely?

Homens de Preto 3 (Men in Black III)

Thiago: Sequência um tanto quanto tardia dos divertidos Homens de Preto. A química entre Will Smith e Tommy Lee Jones é bastante funcional. Porém, se forem cometer o mesmo pecado do segundo e requentar o roteiro do primeiro, será mais uma continuação a toa.

Arthur: Sequencias que demoram muito são sempre caça-níquel. Essa não deve fugir a regra. No entanto, isso não quer dizer necessariamente que será ruim.

Junho

Snow White and the Huntsman

Thiago: Duas produções sobre a mesma Branca de Neve, optando por visões diferentes. A concorrência pode ser boa para ambos os filmes, mas, embora essa produção seja estrelada por novos queridinhos do público (Kristen Stewart e o não tão poderoso Thor) continuo afirmando que o filme de Walt Disney sempre será a versão definitiva da história.

Arthur: E olha a geração Crepúsculo contaminando tudo ao seu redor. ASSISTAM AO CLÁSSICO DA DISNEY e passem essa porcaria!

Prometheus

Thiago: Até hoje alguns filmes dirigidos por Ridley Scott causam-me desanimo. Porém, é inegável que sua contribuição para o cinema em Blade Runner e Alien. A nova produção parece seguir esta linha e, de quebra, espero que nos faça esquecer daquela bobagem misturando Aliens com Predadores.

Arthur: Ridley Scott voltar à ficção científica pode ser um alento à carreira devastada dele nos últimos anos, afinal todos as suas obras primas são no gênero.

Madagascar 3: Os Procurados (Madagascar 3: Europe Most Wanted)

Thiago: Um dos sucessos do estúdio de animação da Dreamworks deve incorrer na mesma problemática de continuações do estilo: possuírem as mesmas gags cômicas dos filmes anteriores sem nada de novo.

Arthur: Outra continuação natural e caça-níquel. Deve ser divertido e provavelmente fará sucesso.

Jack the Giant Killer

Thiago: Recente movimento de diretores conhecidos que escolhem uma animação para dirigir. Foi assim com Gore Verbinski e Rango, Zach Snyder com A Lenda dos Guardiões. Bryan Singer é um excelente diretor e a possibilidade de um bom filme é alta.

Arthur: Um conto de fadas dirigido por Brian Singer. Aposto positivamente neste.

Valente (Brave)

Thiago: Se o lançamento não se alterar, a última produção da Pixar estréia após as produções anteriores. Até agora o visual de Valente é sensacional e o estúdio é um dos mais confiáveis atualmente, tendo falhado somente em Carros 2.

Arthur: O primeiro conto de fadas e o primeiro filme dirigido por uma mulher da Pixar e também o primeiro filme após o primeiro tropeço do estúdio (Carros 2). Aposto em outra obra-prima da Pixar, as estatísticas estão a meu favor.

Julho

A Era do Gelo 4 (Ice Age 4)

Thiago: O primeiro filme foi interessante e divertido. Mas o terceiro comprovou a escassez de narrativa. Provavelmente novos personagens serão introduzidos e o esquilo Scrat continuará sua já aborrecida busca por seu alimento.

Arthur: Continuação caça-níquel novamente. As outras 2 já foram. No entanto as personagens são cativantes e a dublagem brasileira é excelente, então deve ser bacana.

Espetacular Homem - Aranha (The Amazing Spider-Man)

Thiago: Releitura incompreensível, realizada cedo demais. Há tantas participações de atores famosos que parece mais um desfile de ação de graças. Porém, tem tudo para agradar parte do fãs, já que o filme foi composto com tudo que foi rechaçado na trilogia anterior.

Arthur: Esse filme é sem sentido. Quando foi que os dois primeiros Homem-Aranha viraram filmes ruins? Eu mesmo respondo, não viraram. A Marvel Studios apenas está aproveitando o hype criado por fãs idiotas que ficaram sentidinhos porque os filmes antigos mudaram algumas coisas das HQs, para lucrar ainda mais. Pode ser até um bom filme ( o que duvido, dado o nível geral dos filmes da Marvel Studios), mas é completamente desnecessário.

Batman: O Cavaleiro Das Trevas Ressurge (The Dark Knight Rises)

Thiago: Christopher Nolan é um dos melhores diretores da contemporaniedade e transcedeu o gênero de filme de herói no Batman anterior. O desfecho da trama tem tudo para ser épico, sensacional e ser um dos melhores filmes do ano com bilheteria gorda. Vale ressaltar que, novamente, a Sony cometeu o mesmo erro de anos atrás e lançou seu Homem Aranha um mês antes do filme do morcego.

Arthur: Se for metade da obra-prima que O Cavaleiro das Trevas é, já será um dos melhores filmes do ano. Confio plenamente em Nolan.

Agosto

Abraham Lincolm – Vampire Hunter

Thiago: O cinema rendeu-se ao mashup de histórias consagradas e elementos bizarros. Nesse caso a figura real do presidente dos EUA se torna um caçador de vampiros. Parece assustador. Não da maneira que deveria ser.

Arthur: O filme mais famoso do diretor Timur Bekmambetov é O Procurado. Eu achei o filme terrivelmente ruim, então não espero nada desta fantasia histórica com vampiros... sério que tudo tem que ter vampiros (ou zumbis) hoje em dia?"

G. I. Joe 2: Retaliation

Thiago: A primeira produção foi um dos piores filmes que já assim, sem exagero. A trama superficial e as cenas de ação não empolgantes provocaram em mim um dos maiores tédios cinematográficos. Cientes de tal problemática, escalaram Bruce Willis e The Rock para a continuação. Willis tem carisma até em papeis ruins, mas pelo trailer o roteiro não parece tão diferente que o primeiro.

Arthur: Bruce Willis... é por isso que verei, é por isso que todo mundo verá, mesmo sabendo que o filme deve ser uma bela porcaria.

The Bourne Legacy

Thiago: Estranha continuação sem a personagem principal. Se manejarem bem o roteiro para que não fique com a história parecida, pode resultar um filme eficiente que provavelmente não superará nenhum da trilogia.

Arthur: Esse é estranho demais. Se passa no mesmo universo da (excelente) trilogia Bourne e é dirigido pelo roteirista dos 3 filmes. Acho que será muito bom.

Os Mercenários 2 (The Expendables 2)

Thiago: Stallone continua realizando a felicidade dos marmanjos e adiciona mais conhecidos no panteão de heróis machões na continuação de Mercenários. Será entretenimento de primeira com furos no roteiro perceptíveis e cenas de ação brutais. Tudo o que queremos.

Arthur: The Boys Are Back In Town! Tire o cérebro e vá ver o seu sonho de infância, todos os melhores brucutus juntos! Isso é Sly nos mimando!

Setembro

Resident Evil: Retribution

Thiago: Tenho gosto pela quadrilogia já produzida mas também o conhecimento de que nenhum filme pode ser considerado uma boa produção. Como os zumbis estão em alta, nada mais natural que mais uma sequencia de um dos jogos cânone do estilo.

Arthur: Liguem seus PS2/GameCube/Wii e joguem Resident Evil 4. E ignorem esse filme.

Outubro

Frankenweenie

Thiago: Tim Burton ainda tem prestígio na categoria de animação. Ainda que seja possível que o diretor use a equipe de sempre para esta produção. Dando a impressão de ser mais do mesmo, quando poderia ser diferente.

Arthur: Outro filme do Tim Burton... estamos em 99? Não... então passo!

Novembro

Skyfall

Thiago: Cassino Royale foi uma retomada tão sensacional na saga de 007 que nem a falta de roteiro de Quantum Of Solace eclipsou. Skyfall deve suprir este problema e colocar nos eixos a história do agente britânico.

Arthur: Mais um 007. Esperemos que esse recupere a qualidade de Cassino Royale. Sam Mendes deve dar ao filme um clima mais de espionagem.

47 Ronin

Thiago: “I Know Kung Fu”. Keanu Reeves sempre se interessou pela arte marcial e tornou-se icônico por seu papel em Matrix. Sua iniciativa é positiva, mas até que se revelem as primeiras imagens, mantenham as pedras na mão. Pode surpreender.

Arthur: Fiquei bem empolgado com esse filme quando li a sinopse... daí vi que é com o Keanu Reeves...

Dezembro

Hobbit: Uma Jornada Inesperada (The Hobbit: An Unexpected Journey)

Thiago: Peter Jackson decidiu que crianças não devem fazer trabalho de homens e optou por dirigir O Hobbit. Um respiro aliviado e a certeza de que a produção deve ser impecável, conquistará um público alto e, de quebra, deve ganhar indicações para prêmios. Talvez dividir em duas produções pareça desnecessário, mas é Peter Jackson. Ele soube o que fez com a trilogia d´O Senhor dos Anéis.

Arthur: Desde que o filme veio parar nas mãos do Peter Jackson, não posso esperar nada menos que a perfeição absoluta da trilogia do Senhor dos Anéis! Vai disputar com o Batman como o filme do ano, anotem isso.

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Cada análise foi feita em separado sem a leitura do outro. As primeiras estréias já estão programadas para essa sexta - feira e resta a esperança de que esse ano seja melhor que o fraco 2011.

Estréias de 2012, duas análises

2012-01-01T02:15:00.009-02:00

Destaco durante o ano que passou dois elementos que significaram o cinema em 2011 para mim. Cinematográficas que optaram pela exibição de filmes dublados em sua maioria e minha inclusão no mundo da alta definição, em Blu-Ray.

Sem aprofundar-se nos méritos da questão, é entristecido que, cada vez mais, deixo de ir aos meus cinemas preferidos pela recente opção das respectivas direções em exibirem filmes dublados, quase sempre sem sessões legendadas. Foi esse um dos motivos que vi poucos filmes no cinema, sendo desnecessário e bem incompleta uma lista sobre os melhores de 2011.

Ao mesmo tempo, graças ao Blu-Ray, pude assistir diversos desses filmes que perdi na tela grande em alta resolução de imagem e excelente som. Redescobrindo meu gosto pelo cinema, abalado pelas dublagens. Assistindo, alguns meses atrasados, a diversos lançamentos do ano passado.

Este ano, pretendo voltar aos cinemas. Superando a dificuldade de ir mais longe para assistir o filme desejado em uma exibição legendada. Há filmes cuja experiência no cinema valem a pena. Dessa forma, pretendo também acompanhar as estreias e, sempre que possível, produzir resenhas de tais lançamentos.

Aquecendo os motores do que está por vir em nossas telas convidei o amigo e colaborador Arthur Malaspina para comentarmos uma lista de 45 filmes cuja estréia está marcada para este ano. A lista foi dividida em duas partes para melhor leitura.

O critério da seleção valeu-se de novas produções de diretores consagrados, adaptações de livros conhecidos e outros elementos que de uma forma ou outra, desde já, são destaque em notícias. Evidenciando que há expectativa sobre tais produções.

A princípio, pode-se ver que o ano de 2012 parece melhor que o anterior. Resta saber se todas as produções ou, ao menos, parte delas, sejam de boa qualidade.

A programação baseia-se no calendário do site Cine Click. Sabendo que, normalmente, datas e meses são alteradas.

Janeiro

As Aventuras de Agamenon (As Aventuras de Agamenon)

Thiago: O repórter de mentira criado por Hubert, do Caceta e Planeta, é uma das grandes personalidade fictícias criadas no Brasil. Com uma história bem produzida tem tudo para ser um bom filme e superar o trauma de que o Caceta – aqui representado apenas pelo seu criador – não produz um bom filme.

Arthur: O novo filme do Casseta e Planeta, assim como seus 2 antecedentes, tem uma história original e promissora. E, novamente como seus predecessores, muito provavelmente será uma bela porcaria mal realizada e pretenciosa.

Cavalo de Guerra (War Horse)

Thiago: Após a década de 90, Steven Spielberg afastou-se de filmes grandiosos, apresentando produções diferenciadas em uma direção mais segura. Cavalo de Guerra pode ser mais uma dessas produções que inicialmente mal se percebe a mão do diretor, mas são uma excelente trama (como Prenda-me Se For Capaz e Terminal)

Arthur: Spielberg não vem dando motivos pra se duvidar dele nos últimos anos (fora o último Indiana Jones) e sempre se deu muito bem com o tema da guerra, então devem assistir sem medo.

Pequenos Espiões 4 (Spy Kids 4: All the Time in the World)

Thiago: Robert Rodriguez provou ser um diretor versátil – ainda que não tão competente quanto seu parceiro Tarantino. A franquia dos Pequenos Espiões produziu um bom primeiro filme – para adultos e crianças – e tentou apresentar novos elementos para agradar os pequenos. Nessa nova produção o elenco é novo, filmado em terceira dimensão, com o acréscimo de um cartela que revela cheiros durante o filme. Parece formatado para ser um programa bom para crianças, e só.

Arthur: Novamente Robert Rodrigues parece investir tudo numa nova tecnologia ainda engatinhando (4D), como já havia feito com o 3D no filme anterior da série, com resultados patéticos. Uma pena, já que o primeiro filme era excelente.

Sherlock Holmes: O Jogo de Sombras (Sherlock Holmes: A Game of Shadows)

Thiago: O primeiro filme de um dos detetives mais famosos da literatura foi excelente. Mesmo que a idade da personagem tenha sido renovada, o versátil Robert Downey Jr. desenvolveu um Sherlock definitivo. O Jogo de Sombras é esperado em alta expectativa e deve superar a primeira produção.

Arthur: Espero um mais do mesmo do primeiro filme, mas se tratando de Gui Ritchie isso não é ruim e sim divertido!

O Espião Que Sabia Demais (Tinker, Tailor, Soldier, Spy)

Thiago: John Le Carré é um dos melhores escritores de tramas de espionagem, autor do incrível O Jardineiro Fiel, filmado por Fernando Meirelles. Dirigido pelo diretor original de Deixa Ele Entrar, o elenco é promissor e a trama retoma um elemento que Hollywood não mais utiliza: a guerra fria.

Arthur: Um promissor filme com pano de fundo histórico. E é do Diretor de Deixa Ela Entrar, um dos melhores filmes da década passada!

As Aventuras de Tintim: O Segredo do Licorne (The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn)

Thiago: Dois diretores do maior calibre do cinema americano. Um personagem incrível com histórias bem amarradas, divertidas e cheia de reviravoltas. E a pergunta que me incomodou desde a confirmação desta produção: porque não produzir com atores de verdade? Não sou entusiasta de produções com captação de movimentos e as cenas apresentadas no trailer parecem como os filmes anteriores do estilo: bonitas mas artificiais. Desde já é o filme que preciso assistir com amigos, para ter ombros onde chorar de desgosto.

Arthur: Tenho sentimentos divididos quanto a este. Por um lado adoro Tintim e confio em Peter Jackson e (um pouco menos) em Spielberg, por outro a técnica de animação por captura da movimentos nunca deu um bom filme.

Millennium - Os Homens Que Não Amavam As Mulheres (The Girl With a Dragon Tattoo)

Thiago: Não importa qual estilo de produção, Hollywood gosta de uma versão para chamar de sua. Afirmam que o livro é um excelente livro de suspense. Porém, a escolha de David Fincher como diretor mais parece um projeto planejado para alçar sucesso do que um desejo do diretor. Porém, Fincher é talentoso e, ao lado de Daniel Crieg, o potencial de sucesso é alto.

Arthur: Baseado num romance policial premiado, o filme estreia bem atrasado no Brasil. Não sei realmente o que esperar.

A Coisa / O Enigma de Outro Mundo (The Thing)

Thiago: Releituras são seguras por sempre terem um público cativo que dará alguma bilheteria para conhecer a nova versão. A Coisa não é bem uma refilmagem, e sim um prelúdio. Provavelmente, a trama será parecida e não apresentará nada de novo ao clássico.

Arthur: Terror vagabundo, sem mais.

J. Edgar (J. Edgar)

Thiago: Clint Eastwood ainda é um diretor em evolução. Durante sua filmografia executou filmes excelentes mas, vez ou outra, tropeça. Em sua segunda biografia, Leonardo Di Caprio parece perfeito como o criador do FBI. Infelizmente algumas críticas confirmaram um filme mal desenvolvido, mas é necessário assistir.

Arthur: Novo filme de Clint Eastwood e só isso já obriga você a vê-lo nos cinemas. No entanto, Clint não funciona tão bem com histórias reais (a exceção seria Bird). Espero que volte logo aos roteiros originais.

Fevereiro

A Bela e a Fera 3D (Beauty and the Beast)

Thiago: O 3D nunca me deixou animado, mas a possibilidade de rever clássicos por excelencia da Disney novamente no cinema é sempre um prazer. Simba foi um sucesso e é provável que este também seja.

Arthur: A reestreia de O Rei Leão foi a melhor coisa dos cinemas em 2011. Nada como rever o ápice das animações na tela grande, no entanto o 3D é um tanto quanto dispensável. O mesmo vale para a Bela e a Fera.

The Iron Lady (The Iron Lady)

Thiago: Ninguém se preocupou, de fato, com a história dessa produção. Quando observaram Meryl Streep no papel principal, perfeitamente caracterizada, compreendeu-se que, mesmo que a qualidade seja péssima, será mais uma interpretação sensacional e, provavelmente, indicada a premiações.

Arthur: Uma biografia de Margareth Tatcher pela diretora de Mamma Mia. É no mínimo curioso, mas alguém duvida de que Meryl Streep está sensacional?

Star Wars: Episódio I - A Ameaça Fantasma 3D (Star Wars: Episode I - The Phantom Menace 3D)

Thiago: George Lucas, a maquina de fazer dinheiro, não poderia deixar de lado a conversão de suas produções cinematográficas. Dessa vez, Star Wars será exibido com seus episódios em sequência. A bilheteria em 3D pode ser alta, não que esse filme mereça.

Arthur: Este é o pior filme da trilogia lixo, ops, trilogia nova de Star Wars. Mesmo assim fãs idiotas como eu irão ver na pré estréia.

Cada Um Tem A Gêmea Que Merece (Jack and Jill)

Thiago: Adam Sandler é engraçado desde o início de sua carreira fazendo seu humor de sempre. Como é inevitável com a maioria dos humoristas que estrelam produções cinematográficas, a maquiagem ajudará a apresentar novos personagens. Vai ser engraçado, mas igual.

Arthur: Filme com Adan Sandler (que é ótimo ator quando quer, mas raramente quer) é sempre um risco. Esse foi colocado em praticamente todas as listas de piores do ano.

Reis e Ratos (Reis e Ratos)

Thiago: Do mesmo diretor de Meu Nome Não é Johnny com um dos maiores atores de sua geração. Para mim só o nome de Selton Mello – que só me decepcionou em Jean Charles – vale o ingresso. Na dúvida de ver o filme? Selton Mello.

Arthur: Do diretor do mediano Meu nome não é Johnny, o filme é promissor pela presença de Selton Mello (que dirigiu o melhor filme que vi em 2011, O Palhaço) e Rodrigo Santoro.

Motoqueiro Fantasma: Espírito da Vingança (Ghost Rider: Spirit of Vengeance)

Thiago: A insistência as vezes pode ser estúpida. Mas uma minguada bilheteria de um primeiro filme hoje é motivo para uma continuação. Prometeram mudanças de roteiro e concepção das personagens. A verdade é que tudo será igual e Nic Cage, provavelmente, continuará com cabelos compridos mesmo com a calvície aumentando. Sendo um filme vindo de quadrinhos, vale comentar também que a Marvel Comics trabalha seu produto de uma maneira qualquer.

Arthur: LIXO. Próximo!

Hugo (Hugo)

Thiago: Um de meus diretores preferidos investindo em um sistema que não tenho apreço. E, pior, a possibilidade de, por isso mesmo, ter o filme apenas dublado em minha cidade. Confiarei na capacidade de Scorsese em surpreender ainda que todos saibam que o diretor é genial quando se aprofunda no submundo.

Arthur: O filme de Scorcese está sendo muito bem criticado e concorrendo a todos os prêmios. Mas tenho dois pés atrás com o diretor, já que ultimamente anda errando mais do que acertando.

Anônimo (Anonymous)

Thiago: Roland Emmerich é conhecido por seu desejo de destruir o mundo, não importa de que maneira. É estranho apresentar uma produção que envolva um boato bem grosseiro sobre quem foi a figura de William Shakespeare. Será provavelmente superficial, sem nenhuma emoção e ainda irritará os fãs do bardo inglês. Boa, Emmerich.

Arthur: Esse é o filme mais desprezível do ano, quiçá da década. É o patético diretor Emmerich dando corda a uma velha teoria de que Shakespeare não seria Shakespeare. Teoria essa que só demonstra o preconceito da velha academia, que pensava que alguém sem educação universitária, que não era da nobreza não poderia ser o maior autor de todos os tempos. Alias, a teoria caiu por terra na década de 40 com o lançamento do livro a Imagística de Shakespeare de Caroline Spurgeon. Saber ler é uma benção, não?

My Week with Marilyn (My Week with Marilyn)

Thiago: Celebridades mundiais sempre geram biografias dos tipos mais diferentes. Nesta produção acompanhamos um segurança que esteve uma semana ao lado da loira. Ao contrário de Lindsay Lohan, Michelle Williams está parecida com Norma Jean. Resta saber se o enredo é bom ou se será só mais um filme cuja caracterização é competente.

Arthur: O filme faz um recorte histórico da relação conturbada entre Marilyn e Laurence Olivier no sets de filmagem. Curioso em ver o desempenho de Michelle Williams.

Março

Tão Forte e Tão Perto (Extremely Loud and Incredibly Close)

Thiago: Jonathan Safran Foer é sinonimo de um novo talento na literatura americana. Segundo livro seu a ser adaptado para as telas. Aguardo que seja uma boa adaptação e que Tom Hanks apresente um bom filme, após certo tempo sem demonstrar seu gigantesco talento.

Arthur: Stephen Daldry é um diretor muito constante e com algumas obras belíssimas (Billy Elliot e As Horas) e delicadas. Com um bom elenco, não deve errar.

Anjos da Noite 4: O Despertar (Underworld: Awakening)

Thiago: A série conquistou um público cativo ao ponto de estar na terceira continuação. É um exemplo de uma quadrilogia que sobreviveu ao hype de vampiros e monstros que assolou o cinema nos últimos anos. Mas, não, isso não quer dizer necessáriamente qualidade.

Arthur: O quarto exemplar de uma séria absolutamente dispensável... mesmo, não dá pra levar a sério.

Abril

Espelho, Espelho Meu (Mirror, Mirror)

Thiago: Após a versão de Branca de Neve o Sete Anões, produzida por Walt Disney, não compreendo o que mais há para falar a respeito dessa história. Nessa versão quem se destaca é Julia Roberts – que deixou de ser a queridinha de Hollywood desde, estranhem, Os Queridinhos da América – como a bruxa malvada.

Arthur: Um conto de fadas com Julia Roberts como Rainha má... se acertarem a mão tem tudo pra ser uma surpresa agradável.

Wrath of the Titans

Thiago: O primeiro filme foi massacrado pela crítica como o pior com efeitos em terceira dimensão. Sem ele, a trama também não acrescentada nada. Produção que veio na onda de revitalizar histórias antigas, como 300.

Arthur: Não espero nada mesmo desse. Sequencia de um remake muito ruim. Sério, fiquem com o divertido filme original.

American Pie: O Reencontro (American Reunion)

Thiago: Muitos envelheceram com as personagens de American Pie. Mas, será que um reencontro é o que o público quer? Rever as personagens pode ser interessante. Mas também ruim se elas repetirem as mesmas piadas que, provavelmente, o primeiro filme fez melhor.

Arthur: Caça níquel para atores falidos.

Os Vingadores (The Avengers)

Thiago: Reunião de diversas produções mal desenvolvidas da Marvel, culminando em um filme grandioso que provavelmente não será tão épico assim. Quem pode apresentar um pouco de carisma ao filme é Robert Downey Jr e seu Homem de Ferro, tão bem composto e divertido quanto seu Sherlock Holmes.

Arthur: Teria tudo pra ser sensacional, mas deve mesmo ser um filme do Homem de Ferro com outros heróis. Se o Capitão América não é o destaque, então não é um filme dos Vingadores!

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Amanhã, a segunda parte no ar!

Na Multidão, Luiz Alfredo Garcia-Roza

2011-11-20T00:02:00.001-02:00

"Com uma das mãos, a mulher pressionava a bolsa contra o peito enquanto com a outra segurava um pedaço de papel que consultava repetidamente. O painel luminoso localizado acima dos guichês da agência da Caixa Econômica indicava dois números: um correspondia à senha e outro indicava o guichê de atendimento. Fazia mais de uma hora que ela estava sentada em meio a dezenas de outros aposentados e pensionistas esperando ser atendida. Sabia que se deixasse passar seu número teria que retirar nova senha (acontecera no mês anterior, quando se ausentara para ir ao banheiro). "

Autor: Luiz Alfredo Garcia-Roza

Editora: Cia Das Letras

184 pag.

Dexter, Terceira Temporada

2011-11-16T22:00:00.004-02:00

Desde o lançamento de Dexter, acompanho-a simultaneamente com a emissora americana. Pelo atraso que a produção chegou oficialmente no país, maior ainda nos lançamentos dos boxes em DVD, é provável que boa parcela do público da série tenha conhecido-a pela rede.

O episódio piloto da série marca o ponto de partida de Dexter Morgan. Durante esses três anos, o especialista forense transformou-se de um frio e calculista assassino para um homem mais complexo. Na primeira temporada Dexter disputa uma batalha silenciosa com um outro serial killer. Jornada que o faz conhecer melhor seu passado.

Em seu segundo ano, a personagem ganha parcelas de humanidade e, ao descobrir que a policia achou seu lugar de desova de corpos, tornando-o o mais novo serial killer procurado, luta contra si mesmo a procura de uma identidade.

Há um consenso quase unânime sobre a terceira temporada. A constatação que é a mais fraca desde então e depois. Na época, acompanhando a temporada, um episódio a cada semana, não identifiquei nenhum elemento que a desnivelasse. Até então era a série que tinha nota máxima em todas as temporadas.

Porém, em uma segunda exibição, em DVD, assistindo os episódios em seqüência com poucos dias de distanciamento, que me permitiu buscar elementos que justificassem a irregularidade da temporada.

A terceira temporada foi a primeira que não apresentou um vilão. Não há um serial killer ativo, como nas anteriores. Têm-se os casos do esfolador, história que se desenrola como trama paralela. Evidenciando que Miami é uma cidade violenta, com uma gama de suspeitos, mas não transformando tais elementos em carro chefe da história.

A família Prado que se torna o destaque e o motivo pejorativo para a perda de qualidade. Após o conhecimento do passado e de si, Dexter tornou-se um ser mais sociável. Aquilo que afirma ser sua máscara recebe contornos de humanidade. O relacionamento com Rita prospera, em breve terão um filho, e o acumulo de tais experiências o fazem um homem em construção.

O promotor Miguel Prado, ao tornar-se amigo de Dexter, contribui para a construção de um círculo de amizade. Embora sendo amigável com os parceiros do trabalho, o especialista evitava qualquer contato íntimo.

A relação com Miguel remete-se a relação primordial com o pai. Porém, enquanto Harry se afasta, ao descobrir que criou um monstro, Miguel se aproxima de Dexter, fascinado pelo homem que pode fazer mais do que a justiça. Com o tempo as atitudes de Miguel vão alem das desejadas por Dexter, que segue o código de Harry, á risca. E os amigos íntimos tornam-se inimigos.

A tensão da trama se constrói em nível psicológico. A pressão pelo casamento com Rita, a relação com Miguel em constante mudança, resultando em um psicopata aturdido por tantas novas informações.

Há coragem em apresentar esse tipo de elemento narrativo. Em parte, é bastante funcional. A construção da personagem e a interpretação de Michael C. Hall conseguem deixar críveis tais sentimentos. Faltou carisma para Miguel Prado, uma personagem antipática e interpretada de maneira canastrona por Jimmy Smits. Tornando-se impossível que o público goste do promotor ou consiga lhe dar credibilidade por ser um enganador, sempre um passo a frente de Dexter.

O excesso do relacionamento de Prado com LaGuerta também produz uma ladainha não interessante para a série. Seus personagens secundários são carismáticos. Mas a história de um par que foi um casal no passado é insossa. Como um remendo entre as histórias.

Não bastando a personagem fraca, a relação de Prado com o Esfolador é inexplicável. Sem dúvida, a cena em que Dex e o promotor discutem no telhado possui impacto. Ainda mais quando se faz a descoberta de que Miguel usará o esfolador para matar Dexter. Mas a explicação dessa conexão não existe. Prado conheceria o esfolador desde o início? Propôs oferecer Freebo e, assim, entraram em contato?

Quando Dexter descobre que Prado quebra o código de Harry, que seguiu por toda a vida, sua morte é inevitável. Morte que se mantém nos parâmetros ritualísticos mas é carregada de um sentimento profundo para Dexter. Uma traição dentre diversas traições de Miguel. A morte de Prado, feita com um garrote no pescoço é certeira. Enquanto o promotor agoniza, o assassino afunda ainda mais a corda, violentamente. O código prevalece.

É notável o crescimento de Debra Morgan como personagem. Se revela uma boa policial, com seus insights nas investigações e mantem sua autenticidade com um vocabulário repleto de palavrões. Debra manifesta a emoção que Dexter retém. Não a toa se apaixona pelos homens que aparecem em sua vida.

A finalização da trama secundaria com o esfolador não decepciona. Dexter preso em uma mesa, lutando por sua vida, no mesmo dia em que irá casar com Rita. A ação se resolve rápida e nosso conhecido assassino sai incólume apenas com um braço quebrado.

A narrativa, principalmente os monólogos de Dexter, são um dos elementos primordiais para a excelência da série. Mais uma vez cenas se completam com suas reflexões sobre a própria vida. Sem dúvida, a personagem atingiu outro patamar, cresceu, tornou-se mais completa. Mas não deixa de ser o que é, produzindo a belíssima cena da gota de sangue que escorre de sua mão para o vestido imaculado de Rita. Dexter Morgan tornou-se um pai de família nada ortodoxo.

11-11-11

2011-11-14T02:56:00.013-02:00

(11-11-11)

Diretor: Darren Lynn Bousman

Elenco: Timothy Gibbs, Michael Landes, Denis Rafter, Wendy Glenn.

Na internet, circulam textos e imagens cômicas em referência às diversas profecias contemporâneas de fim do mundo. Ironizando que ilesos passamos pelos últimos prenúncios e, ansiosos, aguardados os próximo. Apoiados na astrologia, em profetas vivos ou mortos, sinais recebidos por reverendos, a destruição do mundo tem sido assunto constante.

11-11-11 é o filme da vez, evidentemente realizado as pressas, com o intuito de aproveitar a data de um suposto extermínio. Apresentando com muito oportunismo e pouco conteúdo uma história de terror dirigida e roteirizada pelo diretor de Jogos Mortais 2, 3 e 4.

Na trama, um escritor, cujo filho e esposa foram mortos tragicamente, volta à Espanha em que foi criado para rever o irmão e aguardar a morte do pai. Atormentado pelo passado, torna-se obcecado pelo número onze e tem a revelação que a data que se aproxima marca o fim dos tempos.

O arremedo de argumento coloca a personagem em uma investigação íntima sobre os sinais que tem recebido a respeito, que, supostamente, seriam os elementos assustadores da trama. Vultos diabólicos que aparecem de relance em janelas, sonhos de seus parentes mortos, alucinações e moribundos avisando-o que algo mudará.

A explicação do apocalipse procura apoio em elementos religiosos, contrapõe o escritor ateu com o irmão pároco. Rendendo a batida discussão sobre fé e ateísmo e fieis loucos impedindo profecias.

Acostumado com a direção engessada de Jogos Mortais e seu roteiro rocambolesco de reviravoltas, o que poderia ser apenas um filme sem graça produz um riso involuntário quando, há cinco minutos de seu fim, uma revelação intenta mudar o que foi apresentado até agora. Com direito a repetição de cenas anteriores, no estilo da saga de Jigsaw.

Além do roteiro fraco, a trama exagera nas continuidades falhas. Em sua volta a Espanha, o escritor afirma não saber a língua local. O que torna espantoso sua afirmação de que viveu no país por toda a infância. O Exemplo e outros elementos semelhantes confirmam a execução rápida de roteiro e filme. A procura de alguns trocados em cima de uma data que encanta pela repetição numérica de digitos e bobagens apocalípticas.

Pearl Jam, PJ20, 04 de Novembro, Morumbi - São Paulo

2011-11-13T18:09:00.010-02:00

Por Karina Audi

01 – Go
02 – Do The Evolution
03 – Severed Hand
04 – Hail Hail
05 – Got Some
06 – Elderly Woman Behind the Counter in a Small Town
07 – Given To Fly
08 – Gonna See My Friend
09 – Wishlist
10 – Amongst Waves
11 – Setting Forth (Eddie Vedder)
12 – Not For You
13 – Modern Girl
14 – Even Flow
15 – Unthougt Unknown
16 – The Fixer
17 – Once
18 – Black
(Bis)
19 – Just Breathe
20 – Inside Job
21 – State Of Love And Trust
22 – Olé
23 – Why Go
24 – Jeremy
Bis)
25 – Last Kiss (Cover de Wayne Cochran)
26 – Better Man
27 – Spin the Black Circle
28 – Alive
29 – Baba O’Riley (Cover do The Who)
30 – Yellow Ledbetter

(Foto de Eddie Vedder por M Rossi (com logo da turnê inserido pelo blog) e Foto da banda por Ronaldo Chavenco)

Lá na década de 90, quando o Youtube e o Grooveshark eram coisas tão impensáveis quanto guardar músicas em formato mp3 em pequenos dispositivos de memória do tamanho de uma embalagem de Halls, o momento mais feliz do mundo era sintonizar a MTV naquela TV de 20 polegadas da sala da casa dos seus pais, torcendo para ter a sorte de pegar algum clipe bom da banda do momento. Naqueles anos, o canal inspirava-se de ótimas bandas do sub-gênero do rock em voga naquele atual momento: o grunge, que atingiu popularidade comercial principalmente com o lançamento do Nevermind do Nirvana. Até então, a forma de produção e divulgação das bandas influenciadas pelo punk rock, rock clássico dos anos 70 e particularmente pelo Melvins, em razão da “sujeira” das guitarras e experimentalismo exacerbado, dependia da boa vontade dos próprios músicos que faziam o que podiam para sobreviver longe da influência (e patrocínio orçamentário) das major labels.

O Pearl Jam foi uma dessas bandas que, com o impacto do sucesso, não se adaptou tão bem à escalada (natural, pois bem) do mainstream. O Vitalogy, terceiro álbum de estúdio da banda, quase não pode ser lançado em razão de brigas internas e discussões com a gravadora Epic e a Ticketmaster, que resultaram em boicotes à shows e a recusa em produzir videoclipes, cuja pressão de fazê-los partia da gravadora. Tempos difíceis que foram superados com a união e amizade dos músicos preparados para uma carreira promissora, mas que passaram anos e anos negando seu próprio sucesso.

Para a sorte de nós, fãs, a banda continuou na estrada e nos presenteou no dia 4 de novembro com um belíssimo show da turnê PJ20, pela comemoração de seus 20 anos. A apresentação no Estádio do Morumbi, que foi a segunda de uma série de cinco em terras brasileiras, foi marcada pela energia e vitalidade, elementos em falta em bandas jovens atuais, e que encantaram o lotado estádio com mais de 60 mil pagantes.

O quinteto formado por Eddie Vedder, Stone Gossard, Mike McCready, Jeff Ament, e Matt Cameron subiu ao palco às 21h15 com Go, essa que, apesar do frio daquela noite, nem na metade da música fez seu vocalista tirar a jaqueta que vestia, seguida da energizante Do the Evolution, que fez o estádio inteiro pular – e sem exageros. Ouvir aquela música, para mim, foi lavar a alma, já adiantando o que o show traria pela frente. Depois dela foram Severed Hand, Hail Hail, Got Some e Elderly Woman Behind The Counter in a Small Town, bela música cujo refrão formou um coro cantado por todos os lados. A agitada Gonna See My Friend fez uma ponte entre as calmas Given to Fly, tocada anteriormente, e Wishlist, cuja letra esperançosa ganhou destaque na voz marcante de Vedder e na intensidade das guitarras de Gossard e McCready ao vivo.

Depois de Amongst the Waves, Vedder deu um pequeno gostinho de seu disco com a trilha sonora do filme Into the Wild (Na Natureza Selvagem) com Setting Forth. Logo, Not For You, a música mais classic rock do Vitalogy, e uma pequena homenagem ao Sleather Kinney, banda de punk rock feminino dos anos 90, com Modern Girl são tocadas para abrir passagem a outro sucesso da banda: Even Flow, do disco Ten, canção gritada pelo público com vigor. Unthought Known e The Fixer, ambas do Backspacer de 2009 são seguidas por Once (Ten), que levou o público novamente aos pulos, gritos e clamor.

Não tenho palavras para explicar a sensação de ouvir o hino grunge Black, também do Ten e o “tchu rurururu” cantado pelo público por vários minutos em uníssono, e Vedder e sua turma voltando ao palco para atender aos pedidos do bis. São aqueles momentos em que as coisas bonitas da vida aparecem de imediato...

Vedder elogia o público brasileiro, agradecendo e até arriscando um português esforçado, dizendo que prefere falar em inglês: “porque o meu português é uma m....”. Tudo bem, pela sua energia no palco, simpatia, e sua voz grave e perfeita a gente perdoa. O show segue com Just Breathe, e Inside Job (essa que teve uma parte composta no show da turnê realizado no Brasil em 2006). Aí em diante, um show de canções conhecidas: State of Love and Trust, Why Go, e a clássica, como não poderia deixar de faltar: Jeremy – que não teve vez no primeiro show da turnê no Brasil, no dia anterior. Last Kiss entra com o segundo bis, com direito a palminhas e tudo, seguida da boa e esperada do disco Vitalogy, Better Man – essa com homenagem ao Ramones com Vedder emendando no final um I Wanna be your boyfriend -, e a gritada Spin the Black Circle do mesmo disco. Confirmamos o talento de seu baterista, Cameron, rápido e preciso, feitos demonstrados em todo o show e destacado nessa música.

Para encerrar o show, Alive mostrando a que veio, e novamente a esperada cover, que ao contrário do show do dia anterior não foi Rockin in the Free World do Neil Young, mas sim Baba O’Riley do The Who. Boa troca? Não sei... mas que a música ficou sensacional, ficou. Encerrando, a belíssima Yellow Ledbetter, escolha feita também no show do dia anterior e que acompanha a turnê.

Posso concluir com toda a certeza a superioridade e competência do Pearl Jam demonstradas nas duas horas e quinze minutos de apresentação. A banda sustentou seu talento, apesar de suas recusas anteriores em se firmar como uma banda de rock de sucesso. Mas não precisamos procurar muito para saber que essa é uma consequencia de um empenho e esforço em produzir som de qualidade, com energia e vigor há 20 anos – nitidamente vistos na noite fria do dia 4 de novembro.

Alta Fidelidade: João Gilberto Está Triste

2011-11-12T18:16:00.006-02:00

Conhecido como um dos criadores do Novo Jornalismo – em resumo, um misto de narrativa jornalística e literária – Gay Talese, em um perfil sobre Frank Sinatra, cunhou uma expressão característica utilizada até hoje: o resfriado.

Na composição do artigo, Talese não teve acesso ao cantor. Aproveitou-se de amigos e conhecidos ao redor para produzir uma narrativa sem igual sobre o mito de olhos azuis. Frank Sinatra Está Resfriado tornou-se uma referência do novo estilo. De uma comum infecção no trato respiratório surgia uma narrativa inovadora sobre o astro. O resfriado tornou-se sinônimo daqueles que não querem conceder uma entrevista ou são reclusos por escolha. Expressão ainda funcional. Quando um artista prefere manter-se em silêncio, está resfriado.

Há uma semana noticiou-se que João Gilberto estava resfriado, motivo que adiou a turnê de shows em comemoração aos oitenta anos do criador da Bossa Nova. Uma frase que seria simples produz contornos diversos tratando-se do baiano. João gripado é mais do que uma congestão nasal.

Considerado um músico impar que além do talento nato possui apuro pela perfeição, João está inserido em um código antigo, representando um artista com estilo extinto. A figura brilhante, mas envolta em hábitos peculiares. Fundindo realidade e boatos em uma nebulosa que faz parte de sua fama: entra em um palco somente quando suas normas foram rigorosamente seguidas. Não se sente confortável com a recepção de palmas, gritos ou vozes que o acompanham nas canções. Se incomodado, retira-se do concerto sem nenhum problema.

O distanciamento vertical entre público e artista, visto como superior por sua arte e assim louvado, era regência natural na época em que a indústria fonográfica estava em alta. Músicos não só eram populares como representavam símbolos de gerações.

Hoje, estão entre seu público, a procura de dialogo, tentando salvar – ou construir - carreiras que, as vezes iluminadas pela indústria, ruiram com a queda das gravadoras. Espantoso seria se João se adequasse a tal postura. A um homem com seu talento é permitido tais extravagância, sem mencionar o fato de que suas excentricidades são conhecidas dos fãs.

A gripe de João Gilberto também se tornou destaque ao mencionar que o cantor estaria entristecido com o encalhe de ingressos para sua turnê comemorativa. A exceção do Rio de Janeiro, com ingressos esgotados, há lugares disponíveis em todos os shows. Os preços foram motivo de reclamação do público, contrariado em pagar de quinhentos a mil e quatrocentos reais por uma entrada.

As apresentações para um público ainda nanico, quando se esperavam ingressos esgotados, não se justifica apenas pelos preços altos. Se em um dado momento a Bossa Nova e a Música Popular Brasileira representaram o gosto de boa parte do Brasil, hoje é popular apenas na nomenclatura. Fosse o show de uma cantora de axé com bebida e foliões, estaria esgotado no primeiro dia de vendas.

O incômodo de João é justificável. Seu ritmo modificou a música brasileira em grande escala. A alcunha de gigante não é exagero, mas mérito de quem, a partir do samba, produziu um novo ritmo que ao lado do futebol, das mulatas e da caipirinha faz parte do imaginário mundial sobre o Brasil.

João ansiava que sua volta aos palcos fosse celebração estrondosa. Como não foi, gripou-se. Esqueceu de refletir que tal calor do público poderia ser visto com maus olhares a quem sempre foi recluso. A ausência de seu público é tão espantosa quanto sua vontade de vê-los.

As reclamações dos altos preços devem a produção de shows internacionais realizados no país nos últimos anos. Calcula-se de maneira relativa que se artistas estrangeiros fizeram shows acessíveis, os brasileiros deveriam, no mínimo, manter a margem de preços. Sem levar em consideração que tais shows são apresentados em estádios para grande público, ao contrário dos brasileiros sempre em casas menores.

Destaca-se a crença infeliz de que a música produzida no exterior tem mais qualidade do que a nossa apenas por não ser daqui. E tal idéia não se afirma apenas na música, basta observar que o mercado editorial de livros mais pública traduções do que obras originais em nossa língua.

A tabulação dos preços, sem dúvida, transforma a comemoração dos oitenta anos de João Gilberto em um espetáculo direcionado somente a um público específico e com poder aquisitivo evidente. Mas parece razoável a idéia de que, provavelmente, boa parte do seu público tenha verba suficiente para tal.

Incomodo maior do que a quantia para o ingresso é refletir o quanto se leva mais em conta a cultura exportada do que a produzida made in brazil. Ainda mais quando é possível contemplar ao vivo um artista do porte de João Gilberto.

Com sua voz contida, quase a meio fio, e um violão cuja harmonia é perfeita, os shows em sua celebração estão programados para dezembro e, de acordo com informações até agora, gerarão dois registros em DVD.

João Gilberto pode ter gripado, mas volta para tocar seu baião.

Alta Fidelidade, a coluna semanal do criador desse blog. Aqui é possível falar abertamente sobre alguns temas sem que exija uma resenha para tal. Pretende-se abordar todo o tipo de assunto cultural, seja ele sobre literatura, cinema, música e afins.

Breaking Bad, Primeira Temporada

2011-11-09T06:00:00.003-02:00

Walter White é uma pessoa comum. Mora em Albuquerque, Novo México, com a esposa Skyler e o filho com paralisia cerebral. Tem cinqüenta anos, recém completados. Leciona química no colégio. Trabalha como caixa em um lava rápido para complementar a renda. Seu estilo pacato e correto exemplificam o conceito de um homem modelo. Até descobrir um câncer no pulmão.

Exibida nos Estados Unidos pelo canal AMC, o mesmo de Mad Men, com produção de Vince Gilligan, responsável pelas últimas temporadas de Arquivo – X, Breaking Bad parte de uma premissa simples. Um homem que, com a iminente morte pelo câncer, decide romper com o conceito correto em que viveu sua vida até então.

A previsão de deixar sua família sem sustento no futuro o faz convidar um ex-aluno, Jesse Pinkman, a produzirem metanfetamina de qualidade, visando lucro capaz de gerar boa renda futura. Profissional em química, torna-se fácil para Walter produzir a melhor droga do local. Com inteligência operacional observa as ações com visão de mercado. Analisa margem de lucros, despesas, desejoso em transformar sua droga na mais consumida da cidade.

Coube a Bryan Cranston o papel principal da série. Se em Malcolm In The Midlle, como pai da personagem central, demonstrava seu talento cômico, em Breaking Bad vem à tona sua veia dramática. Apresentando um Mr. White carismático e bem equilibrado entre o homem comum e aquele que chega ao limite do vazio existencial.

No decorrer da temporada, Walter se despe dos conceitos que defendia outra se transformando em um homem mais impositor. A relação da personagem com o público é ainda mais próxima quando compreende-se que seus feitos prezam algo maior.

Walter é, sem dúvida, um anti-herói. Seguindo a linhagem atual das narrativas seriadas que encontram em personagens de moral dúbia um elemento cativador do público como o Dr. Gregory House, o assassino Dexter Morgan ou a enfermeira Jackie Peyton. Refletindo nos expectadores a idéia da transgressão.

A primeira temporada da série teve apenas sete episódios devido à greve de roteiristas em 2007. Dessa maneira, possui um final cuja trama se encerra, em definitivo, no ano seguinte, no segundo episódio da temporada, intitulado Grilled.

Tanto a primeira temporada, como a segunda, estão disponíveis em DVDs no país. Com previsão de se encerrar no próximo ano, Breaking Bad tem tudo para ser a série atual cuja qualidade total esteja perto da excelência.

Os Paralamas do Sucesso, Brasil Afora, 27 de Outubro, São Carlos - São Paulo

2011-10-30T20:00:00.009-02:00

01 - Sem Mais Adeus
02 - Dos Margueritas
03 - Óculos
04 - Ela Disse Adeus
05 - O Beco
06 - Cuide Bem do Seu Amor
07 - Tendo a Lua
08 - Bora Bora
09 - Perplexo
10 - Melô do Marinheiro
11 - Você / Gostava Tanto de Você
12 - A Lhe Esperar
13 - O Calibre
14 - Meu Erro
15 - Lanterna dos Afogados
16 - Caleidoscópio
17 - Uns Dias
18 - La Bella Luna
19 - A Novidade
20 - Loirinha Bombril
21 - Alagados
22 - Uma Brasileira
(bis)
23 - Sonífera Ilha
24 - Ska
25 - Vital e Sua Moto

Fotos de Ivan Moreira

Basta João Barone, Bi Ribeiro e Herbert Vianna – acrescidos da banda de apoio – subirem ao palco para a certeza de um bom show. Tanto no apuro técnico quanto em harmonia e energia com o público.

Na ativa há 28 anos, a banda é uma das mais coesas do cenário pop e rock brasileiro. Mesmo tendo passado por baixas em certos períodos, foi a que mais produziu bons discos, coerentes e com garantia de hits radiofônicos.

Celebrando o aniversário de São Carlos e o dia dos comerciários, com organização do Sesc e da prefeitura da cidade, Os Paralamas do Sucesso subiram ao palco, logo após as oito da noite, para o show da Turnê Brasil Afora, último álbum de estúdio lançado pelo grupo.

No palco, o grupo apresenta uma invejável sintonia. Ao lado da banda de apoio, formada por um naipe de metais e o tecladista João Fera, produzem uma musicalidade rica de sonoridades distintas. Sozinhos no palco evidenciam sua competência como um Power trio. Trinca composta de baixista, guitarrista e baterista que, de tão talentosos, parecem duplicar-se no palco.

Fazendo parte da turnê Brasil Afora – que possui um registro ao vivo, disponível em cd e DVD – apenas duas canções do álbum estão presentes no repertório. Dupla modesta em comparação com os poderosos hits que a banda produziu desde sua fundação.

A escolha pelo arsenal pesado não poderia ser mais feliz. Ainda que uma parcela do público contemple as novas canções, são a maioria, que conhecem apenas os grandes sucessos, que esgotam ingressos ou, no caso de um show gratuito, causam lotação. Optar por introduzir o último álbum, como um aperitivo, pode conquistar novos fãs e agradar os antigos.

Com dezenove discos na careira, sendo doze de estúdio, a banda possui longo repertório. Capaz de realizar um show de boa duração, com vinte e cinco canções e ainda deixar de fora medalhões como Mensagem de Amor, Selvagem e Trac-Trac.

O rock brasileiro hoje apresenta um envelhecimento geral de suas banda antigas. Muitas delas já sem fôlego, com álbuns inexpressivos, salvando-se, ainda, em shows ao vivo. É nesse contexto que Os Paralamas mantem-se como a banda que, ainda hoje, produz álbuns de estúdio com qualidade e apresentam um show primoroso, conquistador de público.

A apresentação em questão foi o terceiro show que assisti da banda e, como evidência do talento do trio nesse longo caminho até aqui, o resultado foi mais uma noite inesquecível de boa música.

Eric Clapton, Eric Clapton World Tour, 12 de Outubro, Morumbi - São Paulo

2011-10-25T20:00:00.008-02:00

Por Victor Caparica

1- Key To The Highway

2- Tell The Truth

3- Hoochie Coochie Man

4- Old Love

5- Tearing Us Upart

6- Driftin’ Blues

7- Nobody Knows You When You’re Down And Out

8- Lay Down Sally

9- When Somebody Thinks You’re Wonderful

10- Layla

11- Badge

12- Wonderful Tonight

13- Before You Accuse Me

14- Little Queen Of Spades

15- Cocaine

(Bis)

16- Crossroads

Gary Clark Jr. nasceu em 1984 no Texas de Stevie Ray Vaughan, e muito jovem aprendeu a extrair arte das cordas da guitarra. Aos 15 anos, já era profissional e reconhecido, aos 18 já fazia grandes concertos e aos 25 já havia tocado no Crossroads Festival, que definitivamente não é pouca coisa. Seu estilo musical é arrojado, agressivo, deslizando sempre pela linha que separa a distorção da poluição musical. Seus riffs são contagiantes, cheios daquele swing Texano tão característico do Z. Z. Top. Enfim, Gary Clark Jr. É um prodígio, uma revelação e uma promessa bastante crível para uma renovação criativa do blues negro do Sul dos EUA.

No último dia 12 de Outubro, Gary Clark Jr. Recebeu o privilégio de abrir para Eric Clapton no estádio do Morumbi em São Paulo. Torci o nariz logo de cara. Paguei para ouvir o Clapton, não para ouvir esse tal de sei-lá-eu-quem-Clark. Me enforquei na própria língua. Com acordes poderosos e um R&B que faz tempo que não se ouvia, o jovem Clark Jr. Arrebatou aplausos eufóricos de toda a platéia, que como eu ficou impressionadíssima com a habilidade do rapaz.

Trinta minutos depois, Eric Clapton entrou no palco. Cinco minutos depois, Gary Clark Jr. tornou-se pequeno.

É difícil descrever com objetividade o show de Eric Clapton em São Paulo, apresentação que encerrou sua passagem pelo Brasil em 2011. Pontualidade foi só a primeira característica do show exemplar: Mr. Clapton entrou no palco às nove em ponto, para um espetáculo de quase duas horas. A entrada já deu o tom da noite, com Key to the Highway de Charles Segar, o primeiro de vários covers primorosos do blues.

Os clássicos continuaram com Tell the Truth (do Derek and the Dominos), esquentando os reatores para Hoochie-Coochie Man, do mestre Muddy Waters, o inventor da eletricidade. Feitas as primeiras homenagens, Clapton adentrou seu próprio repertório com Old Love, em uma versão maravilhosamente repleta de solos inacreditáveis, uma verdadeira aula de virtuosismo e uma demonstração única daquele “mojo” indefinível que constitui o verdadeiro bluesman. Mais dois covers, agora de Johnny Moore e Jimmy Cox, respectivamente com Drifting Blues e Nobody Knows You When You’re Down and Out. A essa altura do show, posso dizer que meus conceitos de guitarra no blues já estavam sendo reformulados. Claro, ouvi Eric Clapton desde a adolescência, mas o efeito catarse transmitido pela apresentação ao vivo é algo que vai além do limite do playback e separa grandes instrumentistas de verdadeiros demônios do blues como Eric Clapton.

A noite continuou com Lay Down Sally, música mais animada que fez todo mundo cantar no refrão. Para mim, no entanto, a surpresa mais agradável da noite foi a versão acústica e ainda mais lenta de Layla, um dos maiores clássicos do mestre Clapton, seguida por Badge e pela balada Wonderful Tonight.

A reta final ficou por conta de Before You Accuse Me, do inesquecível Bo Didley, Little Queen of Spades de Robert Johnson e é claro, Eric Clapton não sairia vivo do Morumbi se não fechasse com o estádio inteiro em uníssono gritando a plenos pulmões o refrão de Cocaine.

O bis foi curto, talvez minha única crítica honesta ao show. Podia ter colocado mais duas músicas depois de tocar Crossroads, também de Robert Johnson. Mesmo assim foi muito bom, e nessa saideira com o blues da encruzilhada, Gary Clark Jr. Voltou ao palco para tocar com Slowhanded Clapton. Na totalidade, o show foi um dos pontos altos da cena brasileira de shows internacionais em 2011, e deixou muitas lembranças muito boas.

Alta Fidelidade: 24 Horas e o ápice da ação

2011-08-13T15:00:00.003-03:00

Para ler também: Alta Fidelidade: A Supremacia dos Seriados

São raras produções que utilizam, na progressão de sua narrativa, a estética do tempo real. Desencadear cenas sem espaçamentos temporais é um processo que, se não bem realizado, dificulta a ação e não obtém sucesso.

Em 1995, Johnny Depp e Christopher Walken estrelaram um longa que utilizava tal estética. Tempo Esgotado apresenta Depp como um homem comum que, para salvar sua filha seqüestrada, precisa executar a governadora da Califórnia em um curto prazo de tempo. A ação, boa parte realizada em um shopping, mantém a tensão devido a personagem contra o relógio.

O tempo como um dos pilares que movimentam a trama esteve presente também em 88 Minutos, filme de Jon Avnet, com Al Pacino como um professor universitário que ganha o prazo do título para resolver um crime que pode envolvê-lo.

Ainda que não inédito, o conceito de tempo real sempre foi explorado de maneira isolada. Até 2001, precisamente em dezembro, quando a Fox americana exibiu o primeiro episódio da série que se consagraria como um marco no recurso e tornaria-se uma grandiosa história de ação.

24 Horas, desde o título, demonstra a urgência de sua narrativa. Enquanto um enredo tradicional de uma temporada desenvolve-se em vinte e quatro episódios que costumam abranger um ano das personagens, aqui a aventura concentra-se em um dia completo.

Situações limites, impostas sempre em seu início. Ação, drama tenso e reviravoltas tornaram-se elementos comuns no roteiro que fundamentou a estrutura da série. Apresentando diversos planos diferentes de ações na mesma hora, delineando a sensação da realidade e do simultâneo.

Ainda que estruturalmente seu roteiro mantenha-se igual nos oito anos de produção, sua figura central, Jack Bauer, sofre grandes transformações. De um renomado agente contra terrorismo, Bauer galga-se como herói de grande representação. Cada dia fatídico vivido por sua persona aprofunda o abismo de sua personalidade. Contornos humanos perdem dimensão, tornando-o um homem quase impenetrável, cujo suporte maior é reger-se apenas pela lei. Sendo capaz de, por ela, sobreviver as mais terríveis agonias e voltar, como todo herói, intacto, mais centrado e agressivo.

A ação projetada na tela nada deve a uma produção cinematográfica. Composta de maneira cuidadosa tanto no roteiro, na concepção de personagens e em detalhes que podem passar despecebidos pelo público. Como a continuidade cuidadosa que convence que a história gravada em oito meses parece, de fato, estar centrada em um único dia.

A série apresenta uma narrativa crua e violenta, não vista na televisão desde Nova York Contra o Crime. Centrada a partir da CTU, Unidade Contra o Terrorismo, não se poupam cenas de tortura, morte e agentes treinados para usar qualquer elemento a procura de culpados.

A violência exibida na série foi alvo dos direitos humanos, gerando pronunciamento de diversos órgãos contra as cenas violentas, nos quais alegaram que a realidade fora amplificada exageradamente. Uma evidente subestimação da observação pública perante notícias de guerra diária em jornais.

A temporalidade fiel, elementos próximos da realidade conhecida, acrescidas a um personagem heróico – que abdica de seu próprio bem para um bem maior – formularam o sucesso da série.

Seu primeiro ano, envolvendo Jack Bauer em uma conspiração para matar o canditado David Palmer, foi o primeiro passo para apresentar um enredo inovador que, ao mesmo tempo, executa de maneira exemplar a cartilha dos bons clichês do gênero.

Embora cada vez mais imprecisa temporada a temporada, a sensação de tempo real registra pontos altos de tensão pelas pausas e desencadeamento de reações e reviravoltas que mudam o enredo.

Infelizmente, em alguns anos, a previsão de produtores e roteiristas ao estruturar os episódios falhou miseravelmente. Fazendo com que a grande ação central finalizasse horas antes do fechamento do dia. Evidenciando uma sub história trazida às pressas para cobrir as horas restantes.

Mesmo que as oito crises diárias apresentem oscilações, Jack Bauer tornou-se um inegável marco. Sua personagem expandiu-se além série, transformou-se em um ícone heróico. Símbolo que reflete a maneira contemporânea de se conceber um herói: aquele que luta pelo bem maior, acima de tudo. Não importando quais meios o levem a isso.

A série está disponível de maneira completa em DVD, no Brasil. Tanto temporada por temporada quanto na bela caixa que ilustra esse texto e que engloba todas as temporadas mais o filme A Redenção que se passa entre a sexta e sétima temporada.

Alta Fidelidade, a coluna semanal do criador desse blog que, hoje, apresentou a primeira análise de três sobre séries americanas. Aqui é possível falar abertamente sobre alguns temas sem que exija uma resenha para tal. Pretende-se abordar todo o tipo de assunto cultural, seja ele sobre livros, filmes, dvds, cds e, nessa semana e nas próximas, séries em geral e três seriados atuais que já são um marco: 24 Horas, Lost e House M.D.

Alta Fidelidade: A Supremacia dos Seriados

2011-08-06T17:31:00.004-03:00

Quem acompanha este espaço crítico, cuja ênfase maior é o cinema e as séries televisivas, perceberá que durante as análises intento estabelecer uma linha de raciocínio. Baseada em uma observação própria além das tendências lançadas nos últimos anos.

Não é necessário procurar com minúcias para notar que cinema e séries orientam-se, atualmente, em movimentos distintos. Ainda que possuam intersecções, encontram-se em um percurso diferente nos últimos dez anos.

Por trás do glamour cinematográfico, característica primordial que nos vem a mente ao pensarmos no cinema americano, há uma indústria da sétima arte. Que, com urgência, precisa de polimento e reforma nas engrenagens.

Apontar a pirataria e a expansão da internet como motivo de queda no faturamento de ingressos, recepção média do público, é um artifício fácil. A situação é mais intrincada ao analisar o interior de sua construção arcaica, descobrindo quais as conseqüências que levaram a este momento, considerado decadente.

A indústria não foi capaz de trabalhar com as formúlas que estabeleceu. Na incerteza, atores de grande porte perderam espaço para outros menores e com baixo talento, migrando de produções gigantescas do cinema-pipoca para obras menores. Quando não mudaram de carreira, tornando-se produtores, diretores e encontrando nas séries de televisão, espaço sem tanta força, um fôlego e recomeço.

O escopo para realização de uma obra seriada é infinitamente mais amplo que a produção cinematográfica. O custo é mais econômico, sendo possível fazer dois episódios, ou mais, com a verba de um filme. Apresentando-se uma vez por semana tem um termômetro mais certeiro. Se perde audiência, é cancelada. Se o público sente-se incomodado com alguma situação, ela é revertida em poucos episódios e mantém a audiência.

Em média, a cada temporada, há uma longa história diluída em aproximadamente 20 partes. Sendo possível trabalhar e construir melhor tramas e personagens. Espaço que permitiu que atores talentosos mas não tão conhecidos do público, mostrassem a potência de seu trabalho.

De maneira discreta, produtores começaram a apostar e investir em seriados. Primordialmente pelo potencial de seu enredo, não regidos por uma lei presente no cinema: um ator famoso é resultado de um filme bom e com bilheteria.

Um movimento que parecia arriscado anos atrás, desenvolver uma idéia apenas pela força de sua história, tornou-se um seguro caminho. Comprovando que mesmo que o público deseje ver seus atores preferidos em tela, um bom enredo é bem recebido.

Canais abertos e pagos da televisão americana começaram a produzir, anualmente, diversas séries que visavam conquistar o público mantendo a qualidade.

Por um lado, a indústria da sétima arte apresentava-se morna, sem muitos filmes excelentes nos anos que passavam. Espaço que fez parte do público voltar seus olhos para a televisão, fazendo com que um campo tão desolado na década de noventa, caísse no gosto do público.

Hoje somam-se dez anos de um caminho novo na produção de seriados americanos que supera por quantidade e qualidade o cinema. Recordes de audiência que comoveram multidões, ganharam fãs que deram início ao movimento serimaníaco que, em escala global, acompanham as temporadas semanalmente, em sincronia com os americanos.

A indústria seriada cresceu gigantescamente nos últimos anos. Desenvolveu, com precisão, começo, meio e fim de diversas histórias que não só envolveram o público como tornam-se um marco contemporâneo.

A totalidade de produções, nos últimos dez anos, é abrangente. Assim, foi necessário selecionar três grandes séries que serão analisadas individualmente. Escolhidas por, desde já, se tornarem referência, muita vezes inédita em seu lançamento.

24 Horas tornou-se pioneira do conceito de ação real, provando que a supremacia da ação não só pertence ao cinema. Lost fez o mundo parar a cada episódio com sua intrincada teoria conspiratória. E House M.D. que trouxe a tona a empatia do público, identificado no pesado anti-heroi, aquebrantado, mas brilhante.

Três histórias distintas que simbolizam parte do melhor que se produziu desde a retomada, em qualidade e também audiência. Conquistando espaço nas séries cativas do público.

Alta Fidelidade, a coluna semanal do criador desse blog que, hoje, apresentou um panorama das séries americanas. Aqui é possível falar abertamente sobre alguns temas sem que exija uma resenha para tal. Pretende-se abordar todo o tipo de assunto cultural, seja ele sobre livros, filmes, dvds, cds e, nessa semana e nas próximas, séries em geral e três seriados atuais que já são um marco: 24 Horas, Lost e House M.D.

Apresentação

2011-08-06T13:23:00.003-03:00

Na vasta rede de informações da internet brasileira, há em grande proporção sites e blogs voltados para a cultura. Tanto bons, quanto ruins, trazem um público cativo e destacam-se por alguma especialidade. Notícias, imagens, downloads, informações detalhadas e completas.

O intuito desse blog não é fornecer notícias, imagens ou downloads que podem ser encontrados em outros sites, maiores e melhores do que esse blog. Endereços acessados e lidos diariamente pelo autor.

Nosso desejo é construir um espaço em que filmes, séries, livros, discos e quadrinhos sejam bem analisados. Utilizando-se do prazer da arte sem esquecer de bons critérios para definir a obra. Escrever de maneira racional sobre as mais emocionais formas de arte, como disse o crítico Mauro Ferreira.

Produzir um endereço de conteúdo crítico sem a intenção agressiva de ser definitivo e único. Apresentando uma possibilidade, uma leitura dentre tantas que enriquece a multiplicidade da arte.

Se destacar pelo que se escreve, não pela pirotecnia. Pelo que se apresenta, de maneira coesa e coerente em cada análise, em cada crítica, não importando sobre o que seja.

É com essa idéia que após oito meses retomo este blog. Estreando um novo nome, em que endereço e título são iguais. Mas mantendo a afeição com Dr. House e seu mantra mais amplo e icônico: Todo Mundo Mente.

A paixão é um dos elementos que move esse blog. O brilho ofuscante, quase inumano, gerado pela arte. E a tentativa, sempre falha, de tentar em palavras reproduzir a potencia de seus arrebatamentos.

Sejam Bem Vindos,

Thiago Augusto Corrêa

Battlestar Galáctica, Terceira Temporada

2011-01-05T23:00:00.000-02:00

A Procura de Um Lar Chamado Terra

Foi apenas um sopro a esperança para os sobreviventes das colônias que buscavam em Nova Cáprica uma moradia, após a invasão cilônia que destruiu seus lares. Breves momentos até o retorno das máquinas e total rendição dos humanos, liderados pelo presidente Gaius Baltar.

Há um profundo senso dramático na terceira temporada de Battlestar Galáctica. Debruçada sobre o cerne humano e a gama emotiva dele, a narrativa dá maior enfoque as personagens do que a evolução como um todo.

O julgo cilônio contra a raça humana é feroz. Manifestam um discurso de paz e união entre as raças, mas usam a força para provar que estão à altura daqueles que os criou. Humanos que não desejam a harmonia com as máquinas, lutando em desvantagem contra elas.

A selvageria em Nova Cáprica é a lama criada pelos próprios antepassados. A dor e tortura que aflige Tigh na prisão, o cárcere amoroso de Starbuck, a covardia de Gaius Baltar são ecos do príncipio da história. De humanos que criaram robôs que se rebelaram.

A fé é um dos caminhos que mais se ilumina na terceira temporada. Sem exceção, personagens buscam se acolher em algo invisível e maior para ter esperança. Serem resgatados da opressão cilônica. Serem os lideres que acreditam ser. Encontrarem, finalmente, um planeta em que possam chamar de lar.

Há uma segmentação na ação dessa temporada, apresentando tanto a movimentação cilônia quanto em Battlestar Galáctica. Entre as dúvidas e amplitudes da fé, personagens procuram reencontrar seu caminho interno e aquilo que os guiará para a terra prometida. Anunciada até mesmo em escrituras.

A essências desesperada e inferior que nos faz humanos é capturada de maneira precisa em Gaius Baltar, que transita de presidente, a conselheiro dos cilônio a preso político por traição.

Sua sobrevivência vale-se de qualquer artifício para valer sua covardia de não assumir seus erros, agindo como um rato sempre a se preservar. Sua personagem dúbia entre loucura e uma espécie de divindade, apresenta um dos melhores momentos do ano quando é torturado por William Adama, em cena cujo talento de James Callis salta aos olhos.

O desenvolvimento da narrativa urge pelas questões apresentadas nas temporadas passadas. Finalizando um ato final que apresenta os últimos cinco cilônios e o julgamento de Gaius, visto como o grande traidor da humanidade.

Seu julgamento levanta um interessante ponto da trama. Vivendo em tempos agressivos, muitos atos realizados estão longe de serem louváveis. Culpar apenas uma pessoa por todos os males que causaram a destruição de uma massa humana serve como calmaria a um grupo de pessoas, mas se torna uma decisão contrária a tudo aquilo que a presidente Laura Roslin desejou. O perdão a Gaius reafirma a humanidade a uma massa que intenta sobreviver pela lei da força.

O desenlace final é uma grande espera do público e apresenta quatro personagens presentes na série que são reveladas como cilônios programados. O choque é a grande força que finaliza o penúltimo ano da série, produzindo uma sensação angustiante de que, desde o início, o inimigo esteve presente.

Porém, em um ambiente onde há tante hostilidade entre os próprios humanos, se torna difícil compreender, no final, quem estará ao lado de quem.

A Semana em Filmes (26 a 31 de Dezembro de 2010)

2011-01-03T19:38:00.009-02:00

Street Fighter - A Última Batalha (Street Fighter)

Dir. Steven E. de Souza

Anterior a massiva tentativa de filmes oriundos de jogos de vídeo game, uma ou outra produção conseguia ser lançada para deleite do público. Obras que adaptavam clássicos como Double Dragon, Mario Bros e Street Fighter que resultaram em estranhas adaptações, com sensação de perda de tempo e histórias que fugiam do contexto de seus jogos.

Em 1994, meu conhecimento sobre a sétima arte era limitadíssimo. O astro que eu iria admirar por seu estilo kitsch de ação, Jean Claude Van Damme, não era uma figura importante para mim, embora a produção que estrelava fosse aguardada de maneira ansiosa.

Assisti Street Fighter – A Última Batalha em um cinema lotado, ávido por conhecer como as personagens do jogo foram configuradas para a tela. Em uma sala cheia, foram gritos, urros e aplausos de uma massa de fanáticos que, provavelmente, muito tempo depois chegaram a conclusão que a produção além de um argumento nada original, modificava muito o conceito do jogo.

Com enfoque extremo para Van Damme, então um astro de marca maior, sua personagem, o Coronel Guile, se torna o centro da ação. Liderando um grupo de militares que luta contra o General M. Bison. As personagens do jogo se apresentam de maneira esporádica na história. O lutador de sumo Honda, vira o câmera man de Chun Li que além de lutar para salvar o mundo é uma repórter do canal GNT. O lutador indiano Dhalsim se transformou em um cientista obrigado a trabalhar para Bison, criando um soldado perfeito – curiosamente, amigo de Guile – Blanka.

A produção dessa adaptação insossa foi calcada em diversos problemas. No inicio das filmagens não havia roteiro pronto, obrigando atores a rodar as cenas disponíveis e improvisar sempre que possível. Chegou-se em um ponto que desistir parecia possível mas, após tanto dinheiro investido, finalizaram aquilo que se chamava de roteiro para que fosse possível terminar as gravações.

Com o distanciamento do lançamento da produção, relançada em uma edição de luxo por causa do segundo filme da série – edição que não tem nenhum material excelente para ter esse nome – a produção vale a pena pela sua construção esdrúxula, beirando o kitsch.

Algumas cenas ainda trazem boas memórias por causa de sua referência a Street Fighter 2, como os golpes de Ryo, Ken e Guile, a boa caracterização de Vega e as acrobacias anti gravidade de Mr. Bison, um personagem difícil de ser vencido.

Além da soma de defeitos, o filme é o último de Raul Julia, o ponto mais alto do enredo. Embora já abatido por sua doença, apresenta um clássico vilão de filme B, que intenta dominar o mundo a qualquer custo.

Em comparação com outra produção antiga adaptada de um videogame, Mortal Kombat, Street Fighter – O Último Combate é diversão mais genuína. E se torna impossível não rir do final que frisa a imagem dos heróis com o logo do jogo sobrepondo-os.

O Terminal (The Terminal)

Dir. Steven Spielberg

Steven Spielberg, a parte seu grande apelo populista como um dos maiores diretores de Hollywood, é um homem de grande talento. Desde sua estréia na direção alterna estilos diferentes de produções e, raramente, falha na execução das mesmas. Acostumado apresentar histórias sérias ou divertimento pipoca, suas últimas produções conseguiram um interessante equilíbrio entre tais pólos. A.I. – Inteligência Artificial retoma uma história de Stanley Kubrick que, embora estragada pelo senso moral do diretor, tem certo brilho. Minority Report – A Nova Lei mergulha em uma crueza narrativa de ficção científica sem nenhum maneirismo amenizador. Prenda-me Se For Capaz é uma deliciosa história de um falsário que demonstra a boa forma do diretor e de Leonardo de Caprio e Tom Cruise .

O Terminal é a última produção dessa seqüência de boas histórias, apresentando a medida certa de humor e drama sem sair de linha. Tom Hanks novamente volta a trabalhar com Spielberg na inusitada e sensível história de Viktor Navorski, um cidadão oriental que quando chega a Nova York descobre que seu país está em guerra, o que impede que ele adentre os Estados Unidos, ficando preso em um dos maiores aeroportos do mundo.

Aproveitando-se de seu abundante talento, Hanks apresenta uma personagem carismática que, perdido em um mundo que não conhece, é obrigado a se adaptar aos poucos até que consiga resolver seu imbróglio contra a imigração.

Preso a um terminal restrito, sem ter como voltar para sua casa, sua vida se torna o terminal, onde milhares de passageiros atravessaram diariamente. É nesse cenário restrito que Viktor aprende a língua inglesa, encontra amigos que trabalham no local e até mesmo se interessa por uma aeromoça que a cada quinze dias faz escala na cidade.

A história ressalta o elemento maravilhoso devido a sua leveza. Seus contornos mais profundos estão no simbolismo de seu sentido, na compreensão de uma sociedade em que muitos perder a idéia do que é um lar, em oposição a um homem que possui um lugar que ama mas não pode voltar a ele. Contrapõe as rédeas de aço do sistema contra alguém que deseja apenas cumprir uma promessa ao pai. Um tipo de história leve e sensível cujo espaço tem sido reduzido entre os fraco cinemas pipocas apresentados nos últimos anos.

O Âncora (Anchorman: The Legend of Ron Burgundy)

Dir. Adam McKay

Will Ferell é um comediante particularmente estranho. Algumas de suas piadas são as mais tradicionais do gênero, vistas em milhares de outros filmes, outras são genuínas de seu estilo sempre exagerado. A somatória dessa afetação resultam em personagens impossíveis de não serem engraçados.

Sempre personificando tipos que estimam-se como os melhores, no que fazem, no estilo de sedução, na voz, ou em qualquer característica excêntrica, Ferell é Ron Bungundy. Um âncora que, na década de 70, era considerado o melhor em São Diego. Seu carisma nos jornais é proporcional a sua imaturidade e estupidez, um charme para um papel que necessita de um ator que passa credibilidade nas situações mais estaparfúdias.

Ao lado de seus amigos do canal, sua popularidade vai bem. Até que a emissora central decide contratar uma mulher como co-âncora e a situação transforma a vida de Bungundy em uma guerra.

É a vasta seleção de piadas que mantém o bom tom da produção. Ferell e sua trupe, que apresentam Paul Rudy e Steve Carell – até então não queridinho do público – vão desde piadas referenciais, humor negro e cenas envolvendo ereções em um piscar de olhos. Tratando-as como elementos naturais da trama, a mistura se torna envolvente, sendo impossível não agradar em algum momento o público.

Evidente que o resultado é uma conseqüência sem igual sem sentido nenhum, se levarmos em conta a lei natural das coisas. Mas esse é uma das grandes qualidades do humor. Explorar situações normais em suportes absurdos e deles criar um particular plano de narrativa.

Furia de Titãs (Clash of the Titans)

Dir. Louis Leterrier

Produções com enfoque épico ganham ou tratamento de respeito na mão de bons diretores, como a excelente trilogia do Senhores dos Anéis ou transformam-se em produto de marketing para atrair público que constantemente se interessa por assuntos que envolvem mitologias.

Regravação de filme do mesmo nome, feito com efeitos em stop motion, Fúria de Titãs intencionava ser uma grande produção pipoca envolvendo a mitologia e a exploração do recurso em terceira dimensão.

Com direção do bem mediano Louis Leterrier, e um enfoque altamente comercial, havia poucas chances de que a produção se tornasse algo significativo. Além disso, devido a grande demanda de conversão de blockbusters em terceira dimensão e poucas empresas para realizar tal feito, dizem que a versão em terceira dimensão do longa metragem é uma das piores já produzidas. Fazendo com que alguns filmes antigos não pareçam tão ruins.

A trama da produção foca-se em Perseu, um semideus que precisava salvar os humanos da ira de Hades que cansado de suportar as falhas humanas, ameaça destruí-los convocando o Kraken, um monstro marinho. Com a ajuda de seu pai, o deus Hades, Perseu se aventura para encontrar uma maneira de deter tal monstro.

A caracterização das personagens não poderia ser mais tradicional. São clichês elementares, sem uma tentativa de idealizar os deuses sem uma idéia imaginária já vista e revista. Zeus, interpretado por Liam Neelson – que aceitou o papel por suas filhas gostarem de mitologia – possui uma armadura brilhante, vivendo em um Olimpo cheio de nuvens e outros elementos claros. Enquanto Hades, um Ralph Fienes empurrando com a barriga sua personagem, apresenta-se pálido, com a voz rouca, como é costume imaginar o rei do mundo dos mortos.

A exibição de Fúria de Titãs foi a primeira que assisti em um novo sistema de imagem e som desenvolvido nos últimos anos, o BluRay. Os filmes para o formato possuem 1024 linha de resolução, garantindo uma perfeição que salta os olhos nas imagens, quando colocada em uma televisão que também apresenta esse sistema, e um som normalmente em 5.1 ou superior. Mesmo que a produção falhe na tentativa de consagrar-se como um blockbuster, é inegável que as imagens são bem produzidas e, exibidas em alta definição acrescidas de um som com alta fidelidade, dão uma nova concepção do sentido de assistir um filme em casa.

A edição em Bluray do filme acompanha a versão original. Porém, algumas locadoras estão locando somente o filme novo, mesmo que na capa avise que ambos estão disponíveis. Portanto, exijam as duas produções sem acréscimo de preço.

The Good Wife, Primeira Temporada

2010-12-29T00:06:00.005-02:00

Seu escândalo. Sua História.

Diariamente nos jornais de maior circulação do país, o caderno destinado a política é – com tendências editorais a parte – uma leitura importante para compreender a dinâmica governamental de um país. Não raro as notícias além de apresentar ações, planos e tendências, dediquem páginas exclusivas a reportar denuncias e problemáticas de candidatos e governo.

A vida pública, além de seu viés político, sempre se desconstrói na mídia, recortada em diversas reportagens que as vezes apontam a verdade crua em atos escusos, corruptos e outros escândalos que parecem permear qualquer cargo de poder.

A cada escândalo apresentado na mídia, personagens invisíveis a nós são abalados pela história. São amigos, família e outras relações que sente o impacto da notícia amarga, muitas vezes surpreendente.

Dedicada esposa do promotor Peter Florrick, Alice observa a destruição de seu seio familiar após o marido assumir a culpa em um escândalo envolvendo sexo e corrupção. Transformando-se na esposa vítimizada preferida da mídia, Alicia tenta colocar sua vida nos eixos assumindo seu antigo trabalho, como advogada, na empresa Stern, Lockhart & Gardner, cujo um dos sócios foi seu colega de classe. A semelhança envolvendo o ex-governador de Nova York em um caso parecido não é coincidência.

The Good Wife traz Julianna Margulies (A enfermeira Carol da longínqua E.R. – Plantão Médico) de volta ao estrelato, após anos de sua saída da série médica. Apresentando um interessante drama criminal, a série que já está em sua segunda temporada interlaça bem dois meandros da mesma base narrativa.

A procura de sair da sombra do marido corrupto, Alice Florrick luta por sua independência demonstrando boa competência na advocacia, enquanto intenta a unica vaga de associado Junior da empresa. Ao mesmo tempo que ainda devota ao casamento, demonstra sua vontade de, mesmo não mais amando ativamente o marido, salva-lo de seus pecados.

Impressiona a passividade da esposa, descontente com as atitudes do marido mas ainda disposta a ajuda-lo a limpar seu nome. A série se alimenta por esses dois caminhos, a trilha de Alicia demonstrando sua superioridade como advogada e sua devoção em torno de um marido que, mesmo assumindo os erros, parece a margem de cometê-los novamente.

Com evolução lenta, o enredo não decepciona e, a cada episódio, apresenta boas tramas jurídicas que ficam a cargo de Alicia. Há casos interessantes que dão para o espectador questionamentos sobre a sensibilidade dúbia das leis. A personagem apresentada por Margulies - que já lhe garantiu o Globo de Ouro de Melhor Atriz de drama em 2010 - é centrada e paciente, bastante condizente com a esposa forte capaz de superar os escândalos envolvendo o marido.

Lançada em setembro do ano passado, o canal Universal trouxe a história para o Brasil em tempo recorde, com apenas dois meses de atraso. Um dos poucos canais pagos que cientes da proliferação do download tentam não se atrasar exageradamente na exibição de seu conteúdo, como acontece com a Fox, por exemplo.

A Semana em Filmes (12 a 18 de Dezembro)

2010-12-27T21:14:00.009-02:00

Shrek (Shrek)

Dir. Andrew Adamson, Vicky Jenson

Durante um extenso tempo as animações do estúdio Disney, ainda anterior ao recurso da computação gráfica, reinaram de maneira soberana. Suas produções continham um detalhamento e um bom roteiro que as tornavam supremas, sendo raras, quase nulas, as ocasiões em que outros estúdios foram capazes de gerarem histórias que ao menos se equiparavam com sua qualidade.

Com a queda da animação tradicional, em 2D, tentando dar próprios passos sozinhos, sem a ajuda da Pixar, a Disney perdeu o espaço ascendente para outros estúdios que produziram uma boa quantidade de longas no novo recurso. Ainda que a lista seja farta, apenas uma delas merece reverência.

Primeira animação a concorrer à Palma de Ouro desde 1974, Shrek abriu precedente para a paródia do gênero infantil e dos contos de fadas, elementos que seriam copiados depois em outras produções. Sua premissa ainda remete-se ao estilo narrativo consagrado, mas transforma a história as avessas apresentando um personagem a margem de tais histórias.

O ogro verde, mal humorado e porcalhão foi capaz de conquistar grande parcela do público por aproveitar-se tanto de piadas infantis – como arrotos e outros barulhos corporais – como eleva-las a um público adulto capaz de compreender as inferências e um humor corrosivo. A ele, agrega-se a figura amigável do burro falante, interpretada de maneira exemplar por Eddie Murphy, brilhantemente dublada por Mario Jorge de Andrade, que defende a voz de Murphy no Brasil em diversas produções, uma princesa que precisa ser resgatada – na voz original, Cameron Diaz, em seu melhor papel depois de O Máskara – e um rei baixote que pretende resgatar tal princesa e casar com ela mas, muito medroso, manda o ogro em seu lugar.

A dublagem original do monstro verde ficou a cargo do bom Mike Myers que, após gravar todas suas falas, decide fazê-la com sotaque escocês, gerando um gasto duplicado na produção mas uma performance bem mais engraçada. No Brasil, por conta de uma estranha jogada de marketing, a dublagem ficou a cargo do humorista Bussunda, uma evidente aproximação pelo biotipo do que por talento, sendo que Mauro Ramos – de longo currículo e que seria seu dublador no terceiro filme – já havia gravado as falas. Há críticas que observam a leve desarticulação do humorista no trabalho, porém a produção possui tantas piadas funcionais, que tal elemento não a estraga.

Shrek é uma verdadeira destruição da moral e dos bons costumes presentes nas histórias infantis. Não bastando a força da sátira, a trama ainda incorpora canções contemporâneas em sua trama, o que se tornou marca registrada na produção e foi repetida em diversas outras em que personagens cantam e dançam canções inusitadas que, por tal motivo, se tornam ainda mais engraçadas.

Exibido a exaustão em todas as mídias, é difícil encontrar quem não tenha afeição pela história, um das poucas animações que foi capaz de eclipsar momentaneamente a supremacia do estúdio do camundongo que depois firmaria parceria incrível com a luminária da Pixar.

Shrek 2 (Shrek 2)

Dir. Andrew Adamson, Kelly Asbury, Conrad Vernon

Após o retumbante sucesso da primeira produção, uma sequencia da história do ogro foi necessária. A desconstrução das histórias infantis ganha continuidade em um filme que mais mantem-se pelas boas piadas e pela inserção de um personagem cativante do que pelo seu todo.

Shrek 2 consolida a relação da personagem com a princesa Fiona, apresentando as responsabilidades do casamento. Fazendo com que o casal visite os pais da esposa, no reino Muito Muito Distante, e que ainda não tem conhecimento que o encanto se quebrou e a filha não só se tornou uma ogra em tempo integral, como não casou com o príncipe que era pretendente.

A ação envolvendo uma Road trip assemelha-se com o primeiro enredo e, como tradição nas continuações, se apresenta de maneira mais escandalosa. O tom principal da história se dá pelo humor, principalmente pela cativante personagem do Burro. Há uma pequena queda de qualidade no argumento que, repleto de tantas piadas, passa desapercebido em uma primeira exibição. Porém, conhecendo o filme diversas vezes é notável que Shrek tem mais coesão que sua segunda trama.

Fundamenta-se aqui outra incrível personagem da história, dublada no original por Antonio Bandeiras. Seu gato de botas não só ajuda na construção cômica como se tornou famoso pelo olhar pidão em uma boa cena reformulada diversas vezes em montagens mundo a fora.

Além da presença do gato, os coadjuvantes que cercam a trama, todos oriundos de clássicas histórias infantis, são um caso a parte de boa sustentação. O Pinóquio com tendências homossexuais, o biscoito da sorte psicótico, o Lobo que tem gosto em vestir-se como vovó são participações minimas que explicitam o tom zombeiro da concepção do ogro.

Shrek Terceiro (Shrek The Third)

Dir. Chris Miller

É inevitável que desdobramentos de uma trama necessitem de ampliações. Há uma espectativa do público em assistir novos conflitos, bem como conhecer novas personagens. Shrek Terceiro marca o terceiro filme da saga que, supostamente, seria o último e apresenta sua intenção desde o título. Com o pai de Fiona falecido cabe ao ogro ser o rei de Tão Tão Distante ou buscar outro sucessor mais próximo.

Calcado naquilo que mais rendeu sucesso nas tramas anteriores, o ogro e sua trupe novamente se aventuram em uma Road trip a procura de Arthur, o mais próximo da linhagem do reino a assumir o trono. A trama apresenta contornos mais familiares ao anunciar que a família do ogro se expandirá, com Fiona grávida. Embora tenha cenas interessantes da relação entre ambos, explicitando que até ogros amam, nem mesmo as piadas sustentam a trama que requenta demais aquilo que fez sucesso nas anteriores.

Novos personagens são apresentados como o Arthur referido, o mago Merlin e outros coadjuvantes mas nenhum possui o carisma dos anteriores consagrados, como Burro e Gato de Botas. Algumas cenas são boas – como a morte do pai de Fiona ao som de Live and Let Die de Paul McCartney – mas faltou esforço e balanço entre humor e a procura de finalizar a trama a altura de seu início, de certa forma, revolucionário em sua medida.

Shrek Para Sempre - O Capitulo Final (Shrek Forever After)

Dir. Mike Mitchell

Trilogias concebidas no cinema atual, sem sombra de dúvida, apresentam-se em um pacote extra de quatro produções. Encerrar uma saga em três movimentos não parece o bastante, ainda mais quando retomar tais personagens é uma faixa de lucro certo, possuindo uma margem de público cativa.

Sem ter um conflito para avançar na história de Shrek, coube aos roteiristas uma divertida produção que intenta retomar as virtudes iniciais do sucesso. Casado, com três filhos e entediado de uma vida pacata, onde não é mais o temível ogro do pântano, ,o ogro assina um contrato mágico com Rumpelstiltiskin que o transforma, novamente, na personagem assustadora mas anula toda sua história, realizando uma espécie de "o que aconteceria se...".

Como a história de Shrek é mudada desde o inicio, seus amigos o desconhecem e há a necessidade de reconquistar Fiona, agora a líder dos ogros contra a opressão de Rumpelstitiskin.

A produção mais vale-se da memória do público por uma personagem já cativada do que exercita seu dom em apresentar bom humor ou uma história muito interessante. A prerrogativa da trama funciona pelo saudosismo em relação ao primeiro grande filme. Embora seja melhor que Shrek Terceiro, tem muito menos piadas, destacando, como de costume, a estupidez cômica do burro e um desenlace evidente ao expectador.

Esperava-se que a bilheteria da produção fosse alta, mas terminou com um saldo modesto. Um evidente sinal de que a saga do ogro, embora interessante, diferenciada e tendo seu destaque na história cinematográfica, necessita de finalização para não se manchada com sequencias que nada adicionam as boas personagens. Resta saber se essa quarta história será mesmo o capítulo final.

Lie To Me, Segunda Temporada

2010-12-15T16:42:00.003-02:00

A verdade sempre tem seus meios de aparecer

Cal Lightman é um homem interessante. Sua especialização, em micro expressões faciais, transforma- o em um detector de mentiras humano, rápido e austero. Sendo sensível a qualquer pequena hesitação onde expressões físicas traiam um discurso decorado.

Sua postura em relação a outros, até mesmo a equipe de sua companhia, é proporcional ao seu talento. Apresenta uma personalidade agressiva, carregada no sotaque britânico irlandês e, pela altura um tanto franzina, caminha de maneira a projetar-se, aparentando ser maior do que é e configurando-se como alguém irritadiço sempre preparado para entrar em uma briga.

A boa recepção de Lie To Me deu a série uma segunda temporada que conquistou, conforme sua exibição, um bom número de episódios, totalizando-se vinte e dois, quase o dobro da primeira.

O segundo ano dá prosseguimento as análises de Cal Lightman e sua equipe, mas poupa o público da formalidade narrativa, na esperança de que, acostumados com as identificações fundamentais das expressões, público, junto com a equipe, seja capaz de ser perceptível ao básico da língua corporal.

Tal idéia intuitiva dos roteiristas deixa o desenvolvimento de cada episódio mais natural. Seguindo a formula consagrada das séries americanas, de apresentar o caso antes da abertura e seu desenrolar na seqüência.

Ampliando o trabalho do The Lightman Group, o ator Mekhi Phifer é incorporado ao elenco, como um agente do FBI, cujo departamento assinou um contrato para que Carl trabalhasse em alguns de seus casos.

Assim, em boa maneira alternada, Lightman e sua equipe trabalham em casos grandes, envolvendo assassinatos e outros delitos e também histórias menores, muitas escolhidas pelo próprio chefe que decide se intrometer em acontecimentos alheios para apresentar sua versão da história e provar a superioridade de sua ciência.

O fato envolvimento é bastante presente na segunda temporada que também apresenta um pouco mais do passado da personagem central e, assim, configura ainda mais seu gene explosivo. Em alguns casos o próprio Lightman deseja dominar tanto a ação, que acaba complicando o andamento da mesma.

Os paralelos da história também são bem fundamentados, sendo capazes de se sustentam. Sua sócia, a Dr. Gillian Foster passa por uma crise pessoal, algo que Carl não parece ser capaz de compreender direito, colegas de equipe galgam uma promoção e uma tensão crescente, enquanto a própria filha, Emily, cresce a mercê do pai, que tenta estabelecer um bom relacionamento ainda que seus nervos a flor da pele intentem atrapalhar em certos momentos.

A segunda temporada da série foi lançada recentemente em DVD no país. Lá fora, enquanto isso, sua terceira temporada encontra-se em exibição. Dentre as séries que não possuem tanto destaque, vale a pena acompanhar pela idéia diferenciada de uma investigação e pela boa e interessante figura interpretada por Tim Roth.

A Semana Em Filmes (05 a 11 de Dezembro)

2010-12-13T17:08:00.007-02:00

Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte I (Harry Potter and The Deathly Hallow: Part I)

Dir. David Yates

A série do bruxo Harry Potter possui uma progressão singular em sua adaptação cinematográfica. No lançamento de Enigma do Príncipe, este blog assistiu as produções de maneira seqüenciada e, na sessão Panorama, apresentou as oscilações presentes no enredo, dando nota máxima para a última produção.

Ainda que especulação, imagino que nos primórdios da primeira adaptação, era latente a intenção de escalar um diretor para cada livro. Erro primário da produtora envolvida que esqueceu que a função de um diretor, além de meramente dirigir cenas, é apresentar sua concepção, nesse caso, de um universo estabelecido.

A ambientação das histórias tornaram-se esquizofrênicas, a mercê da criação e talento de seus diretores. Chris Columbus exagerou na paleta de cores, ainda que sua configuração inicial para o mundo bruxo seja um marco por ter sido a pioneira. Alfonso Cuaron adequou melhor a ambientação com o enredo, dando base cênica para Mike Newell tentar imita-lo na fotografia acinzentada, mas realizar um filme escuro com enfoque cômico.

Foi diante dessas oscilações que David Yates assumiu a direção da quinta produção e por uma boa decisão do estúdio, permanece até o final da história. Mesmo sem ter um nome de alto calibre, o britânico demonstrou boa habilidade na direção de sua primeira produção do bruxo e nitidamente aprendeu a evoluir com ela.

Produzindo um longa com uma equipe há tempos integrada, desde seus minutos iniciais Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte I apresentam um bom conjunto de sincronia entre elenco, roteiro, produção, direção, fotografia e afins que é capaz de deixar a história nivelada com a apresentada no livro.

A decisão de dividir a história em dois longas resolve um antigo problema de livros cujas páginas se tornamvam cada vez maiores e adaptações que mantinham sua metragem. Dessa maneira, o desfecho da saga não perde elementos sensíveis ao público e parte de sua progressão lenta podem ser executadas com maior precisão.

Durante os sete anos que o público acompanha Harry Potter nunca houve tanto caos. A ascensão do senhor da trevas Lord Voldermort é iminente, e a tensão e medo é nítida. Após uma investida dos comensais da morte contra sua vida, Harry Potter decide isolar-se do mundo e dos amigos para enfrentar a batalha sozinho, mas encontra em seus fieis parceiros companhia para prosseguir e descobrir os elementos que faltam para destruir o lorde das trevas.

A potência malvada de Voldermort é uma interessante inferência criada por J. K. Rowling e bem explorada, finalmente, nessa produção. Ainda que público tenha conhecimento das histórias do passado sobre seu poder nunca, de fato, foi visto na tela – ou na história - tal domínio. Em sete livros a autora é capaz de criar um vilão cuja força está centrada naquilo que ele foi e que tornará a ser novamente, não no que é. Desde a primeira produção acompanhamos o temor da população bruxa perante o crescente retorno daquele que não pode ser nomeado e, a partir disso, compreendemos sua destruição.

Coube ao brilhante Ralph Fiennes, em apenas uma cena apresentada no início da produção, ao lado de seus fieis comensais da morte, demonstrar toda a densidade, raiva e ambigüidade de sua personagem. Apenas uma cena para produzir todo o potencial de um vilão, fato de talento nato, ainda mais que a personagem é carregada de maquiagem.

O penúltimo filme da saga apresenta o tom certo de desolação de um mundo prestes a ser abalado completamente. Por assumirem tais personagens há anos, atores estão confortáveis em seus papéis e cada vez mais naturais. Yates, também, demonstra seu crescimento na série. Sabendo apresentar duas ou três cenas de alívio cômico e carregar na necessária carga de emoção e tensão que predomina.

Se a divisão em dois filmes também produz mais lucros para os envolvidos, foi uma boa realização para o público. Que agora necessita aguardar mais alguns meses para o derradeiro final que, dessa vez, será lançado também em 3D, algo que a primeira parte não foi para evitar atrasos no lançamento. Mas, até então, tal artifício não fez, nem fará, diferença nenhuma.

De Pernas Pro Ar (Bottoms Up)

Dir. Erik MacArthur

Quem acompanha a indústria cinematográfica sabe que notoriamente algumas produções são realizadas somente para que com o lucro outras menores sejam, também, lançadas. Muitas vezes dentro dessa lógica, porém, existe um tipo de produção que aparentemente não possui nenhuma razão de existir, a não ser pelo fato de ser um belo desperdício de dinheiro.

Não é nem um filme pipoca, nem mesmo consegue ser um filme B, muito menos um filme menor bem realizado e, muito menos uma boa produção realizada diretamente para a televisão. No caso de De Pernas Pro Ar, trata-se de um filme – ainda que chamá-lo assim seja insultante – produzido diretamente para o mercado de vídeo americano – ainda que imaginar quem assista-o com entusiasmo me assuste – cujo grandes chamarizes são a socialite com cara de cólica Paris Hilton e Jason Mewes, conhecido como o Jay das histórias autorais de Kevin Smith que envolvem a dupla Jay e Silent Bob.

A trama de tal produção é uma impáfia absurda. Mewes é um garoto do interior que para ajudar o pai viaja até Hollywood intentando participar de um concurso de barman. Mas após perder tal concurso resolve encontrar outros meios para ganhar dinheiro e salvar o pai da falência.

É nessa história que surge Paris Hilton, como a namoradinha de um ator e filha de um dono de estúdio que, por obviedade, se relacionará com o garoto.

A história vai apresentando situações absurdas que intentam, talvez, produzir algum riso mas se tornam sem graça. Como o orçamento é curto, diversas cenas se apresentam em animação, poupando os produtores de gravarem tais bobagens.

Assim soma-se uma direção patética, atores ruins e um roteiro, desculpem, estúpido. Com direito a um tio homossexual afetado e sem graça e uma participação de Kevin Smith que deveria estar sem fazer nada no dia e desejando um almoço de graça. Sem dúvida, mais um para a lista dos piores vistos no ano.

Alta Fidelidade: 24 Horas e o ápice da Ação

2010-12-12T12:00:00.001-02:00

São raras as produções que utilizam, na progressão de sua narrativa, a estética do tempo real. O desenvolvimento sem nenhum corte temporal é um processo que pode dificultar a ação e, sem um trabalho bem realizado, se torna um material sem sucesso.

Em 1995, Johnny Depp e Christopher Walken estrelaram um longa que se utilizava do estilo. Tempo Esgotado apresenta Depp como um homem comum que tem sua filha seqüestrada e é obrigado, em um curto prazo de tempo, a executar a governadora da Califórnia. A ação, boa parte realizada em um shopping, mantém sua tensão devido a personagem contra o relógio. Críticas não foram favoráveis, mas há momentos que a trama funciona.

O tempo como um dos pilares da trama também foi presença em 88 Minutos, filme de Jon Avnet com Al Pacino em que o tempo citado é o prazo para que um professor universitário resolva um assassinato que pode envolvê-lo.

Ainda que não inédito, o conceito de tempo real sempre fora explorado de maneira isolada. Em 2001, precisamente em dezembro, que a Fox americana exibiu o que seria considerado um marco no recurso e também uma grande história de ação.

A série 24 Horas, desde seu título, demonstra a urgência de sua narrativa. Enquanto o enredo tradicional de uma temporada desenvolve-se em vinte e quatro episódio, que abrangem um ano aproximado da vida das personagens, aqui a aventura concentra-se em um dia completo.

Trabalhando situações limites impostas e apresentadas sempre em seu início, ação, tensão e reviravolta são elementos comum no roteiro que se tornou uma estrutura intacta na série, apresentando diversas ações no decorrer da mesma hora, delineando bem a sensação de tempo real e simultâneo.

Ainda com uma estrutura intacta em seus oito anos de produção, sua figura central, Jack Bauer, é quem sofreu maior transformação. De um ótimo agente contra terrorismo, Bauer transforma-se em herói de grande representação. Cada dia fatídico vivido por sua persona aprofunda mais o abismo de sua personalidade, seus contornos humanos perdem dimensão, tornando-o um homem quase impenetrável, cujo suporte maior é reger-se pela lei, pelo bem maior. Capaz de sobreviver até as mais terríveis dores e amargurar e voltar, de certa maneira, intacto, mais centrado e mais irritado.

A ação projetada na tela é digna de uma produção cinematográfica. É composta de maneira cuidadosa em suas estruturas, tanto no roteiro, em personagens como em detalhes que passam despercebidos pelo público por sua excelência: a continuidade cuidadosa que convence que uma história gravada em oito meses pareça mesmo estar centrada em apenas um dia.

Além da execução técnica da série, elementos de sua narrativa são bastante reais e verossímeis. Focados em manter um elo com o presente conhecido do público, a série apresenta uma narrativa crua e violente, não vista na televisão desde Nova York Contra o Crime. Tratando-se de uma Unidade Contra o Terrorismo como escopo para ação, é de se prever que agentes fazem tudo a suas mãos para procurar culpados. Não poupando cenas de tortura, morte, que causaram comoção aos mais sensíveis e aos simpatizantes dos diretos humanos. Mesmo que diversos órgãos tenham se pronunciado contra a violência da série, que não seria um espelho da realidade, é subestimar a observação pública perante as notícias diárias.

A idéia do real transposto a tela, seguindo uma lógica temporal como estamos acostumados, acompanhando um personagem que se torna um herói, abdicando muitas vezes de seu bem próprio para o bem de todos são grandes elementos que compõe e fizeram o sucesso da série.

Ainda que em seu lançamento tal sucesso não era tão esperado. Tanto que no meio da primeira temporada há um encerramento do enredo. Uma tática dos produtores para, caso a Fox não aprovasse uma temporada completa, ao menos apresentar um fim ao público.

Mas o primeiro ano envolvendo Jack Bauer em uma conspiração para matar o candidato David Palmer foi o primeiro passo para apresentar um enredo que ainda que caminhe nos clichês do gênero, é executado de maneira exemplar.

Cada temporada desenvolveu crises diferentes com espaçamento temporais cada vez maiores. Infelizmente, em certos anos, a previsão dos produtores e roteiristas saíram errado, fazendo com que a grande ação central finalizasse horas antes do fechamento do dia. Deixando evidente uma sub história desenvolvida as pressas para cobrir as horas que estavam por vir. Deslizes que, mais de uma vez, aconteceram.

A sensação da temporalidade real, embora cada vez menos preciso temporada a temporada, registrava uma sensação angustiantes pelas pausas e a cada hora certa que desencadeava alguma revelação ou grande evento.

A série trouxe o ator Kiefer Sutherland de volta ao estrelado, recebendo Emmys e Globo de Ouro por interpretação, roteiro e melhor série em uma de suas melhores temporadas.

Alguns detratores dizem que o tempo que a série esteve ao ar foi longo demais. Porém, mesmo apresentando oito crises diárias com algumas oscilações, é inegável que Jack Bauer tornou-se um marco. Sua personagem se espandiu além da série, virando um ícone heróico e ainda resultou em uma série genuinamente de ação que nunca teve medo de dialogar com a realidade e de produzir violência.

Para ler também: Alta Fidelidade: A Supremacia dos Seriados

Battlestar Galáctica, Segunda Temporada

2010-12-08T23:07:00.007-02:00

ATENÇÃO: PARA MELHOR ANÁLISE DA TEMPORADA, ALGUMAS PARTES DO ENREDO SERÃO CONTADAS DURANTE O TEXTO (OS CONHECIDOS SPOILERS). PORTANTO PARA SUA SEGURANÇA, SE NÃO QUISER SABER NADA A RESPEITO, PARE DE LER O TEXTO AGORA. MAS RETORNE APÓS TER ASSISTIDO A TEMPORADA, POR FAVOR.

A Luta Para Salvar a Humanidade Continua

No término da primeira temporada de Battlestar Galáctica, enceramento explosivo e revelador, constatei dois fatos evidentes. Em primeira estância, era necessário dar prosseguimento rápido a sua exibição, visto seu potencial dramático, impossível de ser pausado. Em segundo que, sem dúvida, estava diante de uma das melhores séries a explorar de maneira densa o cerne humano.

Nem mesmo a criação da raça humana, os cilônios ,que dominaram as colônias e destruíram o planeta, foram capazes de prever a complexidade sensível e destruidora de nosso sistema. A ação seqüenciada nesse ano demonstra que robôs não saem incólumes quando desejam estar a nossa semelhança. Aprofundar-se na criação de um elemento híbrido é, também, ter em si os temores e medos que nos movimentam.

Ainda que apresentem muitas cópias, a raça que transformou os humanos em pária é, aos poucos, abraçada pela maneira humana de agir. Desenvolvem personalidades distintas, possuem desejo de amar e quebram a barreira aparentemente óbvia de que são somente máquinas sem emoção. Torna-se difícil questionar-se quem tem a natureza mais perversa.

Enquanto, do outro lado, na margem da sobrevivência, a adaptação necessária dos humanos os deixam nas portas da susceptibilidade. São obrigados a vivenciar a sensação ambígua de estar perante a um inimigo aparentemente não nocivo.

Se a experiência diária prova que a confiança é um elo difícil de se ter com muitos, a ambientação isolada, amplia a sensação de desconfiança e stress. Água, suprimentos, comida se tornam discussões delicadas de um processo político que envolve a confiança quase cega no inimigo, pela necessidade maior de sobreviver.

Enquanto personagens demais sobram em outras séries, a composição de Battlestar se faz de maneira bem colocada. Personagens se completam e possuem uma função importante na teia da série. A história bem fundamentada, futurística, funciona como um mapa comportamental. É rica de mitologia, bem construída e ainda com belas cenas de ação.

Tratando-se de um enredo que também explora os meandros políticos, parcial é quem não toma um partido. Que não escolhe entre a fé desenfreada de Laura Roslin ou a ação impositiva do Almirante William Adama que, mesmo sendo um militar, contrariando a personificação clichê, é uma das melhores personagens da série, densa, inteligente e dono de uma parcimônia impar.

A segunda temporada desenvolve-se de maneira natural e inova a própria narrativa. Não tem medo em trazer surpresas para o público, pois sua história é sólida e desvios se fazem de maneira coerente, sem prender no elemento que, aparentemente, seria o melhor para a audiência.

Ainda que não tão impactante quanto o tiro da primeira temporada, o desfecho tem um interessante espaçamento temporal que segmenta a ambientação em dois planos e anuncia que o terceiro ano fluirá de outra maneira. Deixando no público uma sensação inevitável e imediata de seguir com a história.

A descoberta da série somente em seu término, me faz refletir no quanto fãs que acompanham semana a semana não ficaram nervosos com a espera de meses para assistir seus desenlaces. Que, sorte minha, está acessível de maneira integral para mim.

A Semana em Filmes (28 de Novembro a 04 de Dezembro)

2010-12-05T22:29:00.012-02:00

Monstros S.A. (Monsters Inc.)

Dir. Peter Docter, David Silverman

A cada produção revista da Pixar e, conseqüentemente, criticada nesse espaço, ressalto o quanto prezo a produtora e sua qualidade soberba. Essas afirmações podem entediar leitores que procuram tais resenhas, porém, é necessário sempre registrá-las.

Quarto filme da parceria Disney / Pixar, anterior a compra milionária, Monstros S.A. mantém ainda a linha infantil. Sem uma característica que se tornaria fundamental nas produções futuras da casa: diversas camadas narrativa, gerando interpretações e sentimentos diferentes em adultos e crianças.

Tal ausência não diminui o filme cuja simplicidade de enredo tem destaque no humor. Como é de costume, a produtora desenvolve um universo a parte para a fundamentação de sua história. Aqui cria uma fábrica de sustos cujos empregados, os monstros do título, saem do armário de cada criança com a missão de assustá-las e gerar a fonte de energia necessária para a sobrevivência da cidade monstro.

A dupla central é bem equilibrada nas figuras de Mike Wazowki, um ser verde de um olho só e o peludo e grandalhão James P. Sullivan, considerado o monstro mais assustador da empresa (e, ainda hoje, um personagem cuja animação salta aos olhos pela perfeição da composição). Através dos amigos que o público terá contato com Boo, uma garotinha que, acidentalmente, vai para o mundo dos monstros.

Mesmo seguindo uma vertente mais simples do que suas outras produções, Monstros S.A. é capaz de ser engraçado e sensível na medida para fazer rir e encantar. E, devido a seu sucesso, foi confirmado uma continuação. Nem irei mencionar que, tratando-se da Pixar, significa outra boa produção.

Resident Evil - O Hóspede Maldito (Resident Evil)

Dir. Paul W. S. Anderson

Em paralelo com o filão das histórias em quadrinhos, cujo marco inicial foi a produção de X-Men, as adaptações de vídeo game vem, também desde aquela época, se fundamentar na indústria cinematografia como uma fonte confiável de rentabilidade. Porém, é como se uma maldição permeasse tais adaptações que nunca tiveram um resultado a altura da fama de seus jogos.
Mais notável em suas adaptações são as mudanças primordiais que fazem entre jogo e filme, além de uma trama que não sustenta um enredo de duas horas. Mesmo sendo funcional no vídeo game, na passagem para a tela grande torna-se plausível demais.
Resident Evil – O Hóspede Maldito foi uma das primeiras produções lançadas do gênero. E, embora tenha três continuações, e também como seus companheiros de estilo, nunca foi suficientemente bom.

A primeira produção apresenta A Colméia, um laboratório subterrâneo que foi lacrado devido a uma ameaça biológica, transformando todos em zumbis. É nesse cenário que Alice, junto com os encarregados da corporação Umbrella, dona do laboratório, adentram o que sobrou do local para tentar descobrir as causas da ameaça.

A problemática da história se constrói em todas as bases. Escalou uma atriz bonita, mas sem muita expressividade. Um diretor que hoje é consolidado como um dos menos articulados e rasteiros de Hollywood (que já havia dirigido a kitsch adaptação do jogo Mortal Kombat). E uma trama que simula muito – evidente – a dinâmica de um vídeo game: há um problema a ser resolvido, ocorre uma ação que o resolve e uma reação pior que precisará de mais suor dos heróis. Junto a essa progressão, zumbis mais fortes surgem em cena.

As seqüência vão se tornando cada vez mais articuladas, como fases. E devido ao talento escasso de Anderson, cenas de ação são filmadas em câmera lenta em close no estilo há uma luta acontecendo, mas o público não vê nada pela falta de técnica.

Os grande vilões da trama, os humanos que se tornaram zumbis pelo vírus, não apresentam nada demais. Exceto por alguns cachorros cobaias de testes que, provavelmente, realizam a cena mais divertida da produção.

Resident Evil - Apocalipse (Resident Evil - Apocalipse)

Dir. Alexander Witt

Dois anos após o lançamento da primeira produção, Resident Evil: Apocalipse estréia nos cinemas. Recebida as críticas negativas de parte do público, a sequencia da história tenta se aproximar ao universo do vídeo game, introduzindo outras personagens apresentadas na saga.

Comum em qualquer história do gênero, a epidemia antes centrada apenas no laborátoria da Corporação Umbrella dizimou a cidade. E Milla Jovovich retorna ao seu papel de Alice na trama que retoma exatamente onde o longa anterior parou.

Escrito pelo diretor Paul W.S. Anderson, a direção ficou a cargo de Alexander Witt, pois Anderson estava ocupado produzindo outra franquia mediana. A terrível Alien VS Predador.

A produção tem um pouco mais de desenvoltura que o longa anterior. Deve-se isso as novas personagens que fazem com que a ação seja mais dinâmica. Porém, ainda assim, a sensação de repetição é nítida, com o grupo de sobreviventes enfrentando dificuldades maiores e maiores até o desenvolvimento final em que Alice luta com outro tipo de zumbi.

A trama fundamenta-se um pouco mais, revelando as intenções da corporação. Ainda que muitas tramas de zumbis não expliquem sua ambientação, a história de Resident Evil carecia de tal aspecto. Assim, a presidência que fez os experimentos é apresentada dando um caráter um pouco menos superficial a trama.

Novamente enredo finaliza-se com amarras em aberto, aguardando que um bom resultado na bilheteria rendesse a segunda continuação.

Resident Evil 3 - A Extinção (Resident Evil: Extinction)

Dir. Russell Mulcahy

Não tenho conhecimento a respeito dos jogos da saga Resident Evil. Não cabe a mim dizer se o desenvolvimento dos longas refletem em acontecimentos que estavam no vídeo game e foram usados como elementos na seqüência. Independente desse fato, a terceira produção dos zumbis da corporação Umbrella, Resident Evil 3 – A Extinção, toma rumos mais bruscos do que seus antecessores.

A devastação se alastrou pelo mundo e agora restam apenas poucos sobreviventes. O planeta terra tornou-se um lugar árido, onde pessoas maltrapilhas tentam se esconder e buscar proteção e comida.

Com a explicação dada no final do segundo filme, Alice retorna a cena mas, dessa vez, além de ser uma simples humana. Devido a intervenções da corporação, a personagem ganhou superforça e capaz de manipular objetos com a força da mente.

Ainda que tal argumento se apóie, eventualmente, em seu jogo, não funcionou nas telas. Evidencia, pela segunda vez, a idéia de uma escala evolutiva, que necessita apresentar novidades e problemáticas como se tais movimentos segurassem o público. Produtores esquecem que embora vindo de um vídeo game, os filmes não o são.

Jovovich repete seu papel apático, dessa vez acompanhada de um grupo de sobreviventes que procuram um lugar sem a epidemia para viver. O roteiro segue nas mãos de Paul W. S. Anderson e a direção fica a cargo de Russell Mulcahy, dos três o que mais dirigiu produções consagradas (tal constatação não diz muito, mesmo assim).

Programado para se tornar o desfecho da saga e, portanto, a derradeira fase, não há um vilão visível a ser combatido. Alice e seu grupo procuram a tal terra prometida enquanto jura vingança a Umbrella.

Ainda que um tanto arrastado, sem muita ação como os dois primeiros, se mantém na mesma linha seqüencial, sem atrativos extras.

Resident Evil: Recomeço (Resident Evil: Afterlife)

Dir. Paul W. S. Anderson

Qualquer um que teve contato com vídeo games tem conhecimento que muitos dão a chance de dar seqüência no jogo após ter morrido. Usar a opção continue é, literalmente, jogar após a vida ou, como diz o título brasileiro, um recomeço.

Valendo-se de um clichê para explicar a história até aqui, e as reviravoltas que aconteceram nos últimos filmes, a saga prossegue com Alice e sua procura por sobreviventes. Paul W. S. Anderson retoma a direção e realiza uma produção que se assemelha com a anterior, porém mais cansada.

Nada é realmente novo. Novos personagens são encontrados presos em lugares repletos de zumbis. As lutas contra eles continuam da mesma maneira burocrática e quando um novo elemento aparece, não há nenhuma explicação para tal o enredo fica ainda mais estranho (um zumbi novo, com máscara de executor e machado gigante aparece na trama. Mas não há nenhuma explicação de onde ele veio, muito menos de como foi criado).

A busca permanece a mesma: um local sem a infecção do T-Virus. Porém, dessa vez ao contrário de uma terra, sobreviventes tentam encontrar a paz em um barco que garante que está imune aos zumbis. Porém, como nada é fácil, é possível que tal lugar nem seja aquilo que se espera.

O desenvolvimento final da sobre-vida de Resident Evil encerra a história da mesma maneira que começou a quase dez anos atrás. Sem nenhum brilhantismo como, até agora, nenhuma adaptação de jogos e apontando que aquilo que conta para uma franquia não é uma bilheteria excelente, e sim qualquer média aceitável de rentabilidade que resulte em alguma margem de lucro.

A última produção foi lançada nos cinemas também em terceira dimensão. Ainda que a versão que vi tenha sido em duas, é possível notar que ao menos não se exagerou nas cenas de ação para realizar o efeito dimensional de objetos pulando na tela. Um ponto positivo ao ordinário Anderson.

A Rede Social (The Social Network)

Dir. David Fincher

Não há reportagem que aborde tecnologia que não saliente a velocidade atual da informação. Devido ao acesso cada vez mais amplo da internet, notícias podem circular o globo em questão de segundos, mesmo se for um rumor sem fundamento.

Um dos aprendizados primordiais ao utilizar a rede é que a menor fatia de informação pode se tornar uma explosão. Tudo aquilo que é publicado se torna eterno, bem ou mal.

Acompanhando a lógica acelerada da tecnologia, baseando-se no livro Bilionários Por Acaso - A Criação do Facebook - Uma História de Sexo, Dinheiro, Genialidade e Traição de Ben Mezrich, o diretor David Fincher e o roteirista Aaron Sorkin apresentam A Rede Social, produção que narra a – recente – criação da rede que se tornou a mais popular nos Estados Unidos.

Alguns incrédulos se perguntaram como uma história aparentemente comum tem potencial para se tornar interessante. E boa parte da boa execução do filme deve-se a produção envolvida. É de se imaginar que se trata-se de outra equipe, a história seria patética.

Escolhido para transformar o livro em roteiro, Aaron Sorkin é um especialista em tramas políticas com tensões conflituosas. Além de roteirizar boa parte da série The West Wing, concebeu o roteiro de Jogos de Poder, Questão de Honra e Meu Querido Presidente. Produções cuja trama envolvem política e seus trâmites sujos (até mesmo no último filme, um romance, a ambientação é boa).

David Fincher é um diretor exemplar. Um dos grandes contemporâneos, realizador de ao menos três grandiosos filmes dos últimos tempos: Se7en – Os Sete Crimes Capitais, Clube da Luta e Zodíaco. Sua direção não só acompanha três grandes histórias como insere um estilo peculiar a elas.

A produção engendra uma história que toca a realidade, mas trabalha com elementos narrativos que aumentam sua potência. Transformam a personagem real de Mark Zuckerberg (em boa interpretação de Jesse Eisenberg) em um nerd frustrado, mal educado e egoísta, cuja primeira fagulha para a criação da rede vem de um site onde alunos da universidade de Harvard poderiam escolher quem era a mulher mais sexy da turma.

Se parte do enredo e das personagens foram modificadas a procura do impacto, caberá ao público descobrir as divergências em pesquisas e leituras. Já que a apresentação de tais figuras é realidade de maneira tão viva que parecem, de fato, um decalque da realidade.

Evidente que a intenção da produção é transformar sua história em um movimento além de mesma. Demonstrando que quando o assunto refere-se a negócios, a fundamentação de idéias, criação de novos conteúdos, principalmente na área tecnologia, ninguém se torna amigo de ninguém. A concepção da Rede Social poderia muito bem ser a de outra história, mas o fato de ser baseada em fatos reais faz com que público seja mais ávido em assisti-lo

A Rede Social, a exemplo da internet, fonte de sua produção, demonstra que, no fundo, não é a verdadeira sequencia fiel dos fatos que importa. Mas sim aquilo que se diz e que consegue se proliferar na multidão. Por mais que as figurais reais apresentadas na trama tentem se desarticular da personagem, sem dúvida, será dessa maneira que público lembrará da história da criação do Facebook.

Além dessa interessante meta-reflexão, a produção trás a toma o melhor de David Fincher que, em sua última produção, O Curioso Caso de Benjamim Button, apresentou um drama belamente estético mas sem alma.

O Guerreiro Solitário, Henning Mankell

2010-12-05T02:00:00.001-02:00

"Antes do amanhecer ele deu início à sua transformação.
Havia planejado tudo meticulosamente, de modo que nada pudesse sair errado. Levaria o dia inteiro, e não queria correr o risco de que o tempo não fosse suficiente. Pegou o primeiro pincel e o segurou à sua frente. No gravador de fita cassete que estava no chão podia ouvir a batida de tambores que havia gravado. Estudou seu rosto no espelho. Então desenhou as primeiras linhas pretas ao longo da testa."

Autor: Henning Mankell

Editora: Cia Das Letras

488 pag.

Tradução de George Schlesinger

Mesmo que a comparação fique em um ideário romântico de leitura, vejo a literatura policial fazendo jus ao seu estilo um tanto quanto marginalizado. Há um bom grupo de leitores do gênero, lançamentos mensais são uma prova disso. Porém, pouco se fala a respeito. Consagrando a idéia equivoca de que seu texto é mais ralo, sem tanta construção narrativa. Lê-se sim, mas não se produz crítica a respeito.

Parecendo tal idílio romântico de leitura que, como investigações, têm de ser feita as escuras, sem muito alarde. Uma bobagem que ressalta, pela segunda vez, certo preconceito que se fez com tal gênero.

Fato é que diversos países não só consomem assiduamente tal literatura como possuem seus mestres. Além do cânone primordial do crime, como Agatha Christie, Conan O´Doyle, George Simenon, autores contemporâneos que galgaram em seu país de origem um título pomposo por suas histórias de qualidade.

Evidente que leitores brasileiros podem achar risível a idéia de um escritor cânone do crime no país. Já que no Brasil há pouca produção de tal literatura. Há mais recursos do gênero destilados em obras, como em textos de Rubem Fonseca e Marçal Aquino, do que narrativas tradicionais envolvendo detetives e casos policiais. Dessa lavra, o Delegado Espinosa de Luiz Alfredo Garcia-Roza é um excelente, e talvez único, representante.

Consideradas tais afirmativas, Henning Mankell é um escritor sueco que ganhou o pomposo título de rei do crime pelo jornal The Economist. Seus livros somam, no Brasil, cinco títulos lançados. Seguindo o estilo tradicional da produção de autores do gênero: apresentar um personagem marcante - em sua obra o inspetor Kurt Wallander - que é ponto central da trama. Artifício que mantém uma seqüência lógica na construção da personagem, muitas vezes destroçada após um caso ruim, e aprofunda ainda mais a potencia de sua humanidade.

O último lançamento a despontar aqui foi O Guerreiro Solitário, lançado com quinze anos de atraso de seu original. Porém, em pesquisa efetuada no site oficial do autor, a publicação do livro ao menos prossegue a ordem cronológica oficial. Dando para o leitor a possibilidade de acompanhar, sem pulos, a evolução natural da personagem.

A trama situa o inspetor prester a sair de férias mas vendo-se obrigado a se encarregar de estranhos casos de suicídio e assassinato que, aparentemente, como regem a cartilha, não possuem conexão. Seguindo a linha de um bom policial, contrariando a namorada ansiosa pela viagem, abdica de suas férias para não perder o rumo das investigações.

A personagem central criada por Mankell possui nenhum atributo extra, sendo um policial típico. Sem arroubos de genialidade ou capacidade dedutiva brilhante.

O progresso da investigação, realizado ao lado de sua equipe, é feita de maneira minuciosa com qualquer pequeno detalhe que possa ser uma pista. Não importando quanto tempo leve para desvendar as dificuldades que apareçam em sua frente. Um exercício de suor, cansaço físico e mental.

A tangibilidade de suas personagens heróicas fomentam a crueza e realidade da narrativa. Refletindo detetives e policiais esforçados que podem estar presentes em qualquer delegacia. Representando um aspecto profundo de verossimilhança.

A edição da Companhia das Letras faz parte da boa, e bela, coleção policial da editora que, recentemente, repaginou seus lançamentos. Trocando as capas em branco e preto por imagens mais coloridas, mas ainda sem mudar o bom padrão das bordas em cores.

Ainda sem uma segunda tiragem, é notavel alguns erros de digitação que passaram desapercebidos pela equipe de revisão e que devem ser corrigidos em prensagens futuras. Porém, tal problema é um mero detalhe.

O único que talvez possa confundir alguns leitores seja referente a tradução da obra. Originalmente composta em sueco, a edição brasileira foi traduzida da versão inglesa, embora tal informação seja um pouco equivocada no verso da folha de frente.

Tal recurso é um processo delicado mas utilizado por algumas editoras que, por não terem especialistas em uma língua considerada mais difícil, encontram em uma versão uma tradução mais fácil de se verter. O que não pode ser considerado exatamente ruim, já que uma tradução de outra pode fluir melhor do que uma direta de uma língua que não possui bons tradutores no país. Resta ao leitores a esperança de que a tradução da tradução que foi lida seja o mais próximo que se pode chegar da obra original do autor.

Alta Fidelidade: A Supremacia dos Seriados

2010-12-04T00:13:00.007-02:00

Quem acompanha este espaço de resenha e crítica, com ênfase para a cinematográfica e séries televisivas, será capaz de perceber que durante as análises tento prosseguir com uma contínua linha de raciocínio. Baseio-me na observação atenta das tendências dos últimos anos e em meu discernimento como apaixonado por ambas.

Não é necessário uma procura minuciosa para notar que cinema e séries orientam-se, atualmente, em movimentos distintos. Ainda que possuam intersecções, seu percurso nos últimos dez anos tem sido diferente.

Por trás do glamour cinematográfico, tratando-se da indústria que, de fato, é, as engrenagens da sétima arte necessitam de um polimento ou reforma. Acusar a pirataria e a internet como motivo de queda de vendas, falta de sucesso de produções é um artifício fácil. Complicado é analisar dentro de sua própria construção arcaica e descobrir as conseqüências que a levaram para este momento. Uma arte que, em números, é apresentada como em decadência (situação que necessita, sem dúvida, de um texto analítico também).

A própria indústria não soube trabalhar com as fórmulas que criaou. Nesses aspecto oscilante de incerteza, grandes atores perderam espaço para outros insignificantes, astros do grande escalão de Hollywood começaram a se afastar de gigantescas produções e foram migrando para outras carreiras. Algumas delas que deram espaço para as séries americanas, até então sem muita força, ganharem fôlego e um recomeço.

O espaço fornecido na televisão para a realização de uma série é infinitamente mais amplo do que uma produção cinematográfica. O custo é mais econômico e por apresentar-se uma vez a cada semana tem um termômetro mais certeiro. Se o público parece desgostoso com alguma situação, ela pode ser revertida em poucos episódios e manter sua audiência.

Por tratar-se de uma longa história diluída em, em média, 20 partes, personagens podem ser mais bem construídas e trabalhadas. Espaço que permitiu que muitos bons atores que nunca foram queridinhos do público pudessem mostrar a potência de seu talento.

De maneira discreta, grandes produtores começaram a apostar e investir em séries por seu potencial dramático, não porque levava no elenco algum nome estrelado. Mas sim pela força de sua história. Algo que parecia arriscado anos atrás, tornou-se um dos movimentos mais certeiros atualmente, comprovando que ainda que o público deseje ver seus atores preferidos em tela, comtemplar um bom enredo é sempre bem vindo.

Canais abertos e pagos da televisão americana começaram a produzir, anualmente, diversas séries que visavam qualidade e boa história. Produções com estilo de cinema.

Com a indústria da sétima arte apresentando-se de maneira média, com poucos excelentes filmes nos anos que se passaram, as séries caíram no gosto do público.

Hoje já se totalizam dez anos de um novo estilo de se produzir seriados americanos. Já que anteriormente, na década de oitenta e noventa, poucas produções mereceram destaque.

Nessa última década, séries foram lançadas e algumas consagraram seu estilo. Algumas eram tidas como promissoras e falharam miseravelmente. Outras foram recordes de audiência, comoveram multidões, criaram fãs, dando inicio a movimentos de serimaníacos que assistem o lançamento semanal dos episódios quase em sincronia com os americanos. De que maneira? Provavelmente ilegal. Pórem, que empresa questionaria tais métodos quando grande parcela do público tece só elogios episódio após episódio?

A indústria seriada cresceu bastante nesses anos. Tempo suficiente para desenvolver, com precisão, começo, meio e fim de diversos argumentos. Histórias que não só são exuberantes como, de certa forma, se tornaram um marco.

Em meio a tantas produções nos últimos dez anos, cuja totalidade de lançamentos seria abrangente demais, foram selecionadas três séries que, nos próximos sábados serão abordadas nesse espaço, cada uma escolhida por trazer ao público uma referência ou movimento até, então, inédito.

São elas: 24 Horas, que permaneceu por oito anos no ar e se tornou pioneira pelo conceito de ação em tempo real. Lost, pela consagração conspiratória que fez o mundo parar em cada episódio e House M.D. por trasformar um pesado anti-herói em um personagem brilhante e querido do público.

Análises de três séries distintas que pretender realizar um panorama do melhor que se produziu desde a retomada, visando sempre qualidade e audiência. Cada uma apresentada em um sábado com a intenção de não só recomendá-la aos leitores mas, de maneira definitiva, explicar porque elas são as séries que serão lembradas nessa década.

The Big Bang Theory, Segunda Temporada

2010-12-01T08:00:00.002-02:00

Nerds que vieram para ficar

Bastou um ano de produção de The Big Bang Theory para que a comédia caísse nas graças do público, conquistasse mais audiência, transformando suas personagens em referência.

A fórmula seguida pelo roteiro mantém a maneira tradicional das séries de humor americanas. Comédias de situação centrada em um grupo específico que, pelas desenvolturas da história, produzem humor.

Mesmo apresentando quatro personagens distintos que, pelos gostos e estilos, são considerados nerds, é inegável que a personagem de Jim Parsons origina uma maior sustentação.

Sheldon Cooper tornou-se um interessante fenômeno. Com personalidade mais afetada que as outras traduziu-se como porta voz de um grupo que encontra em seus maneirismos, ao menos, uma característica de si mesmo. O resultado da boa criação da personagem resultou em alta devoção, transformando suas frases e a própria imagem em camisetas e outros acessórios.

Ao contrário de séries dramáticas, o humor necessita de tempo para apresentar sua homogeneidade. A segunda temporada da série, ainda, não apresenta evolução em relação ao seu início. Porém, as personagens são tão bem compostas que, mesmo sem tantas risadas exageradas, sustentam a série.

Sem dúvida, a melhor qualidade de The Big Bang Theory até agora foi a seleção de seu elenco. Mesmo que Jim Parson seja a estrela mais visada, seus quatro integrantes centrais realizam um trabalho competente.

A série tem potencial suficiente para se tornar ainda melhor e se consagrar ainda mais como uma das grandes séries de humor da televisão americana. Sem mencionar que sua direção segue o estilo tradicional das sitcons, ameaçadas por séries recentes que cortaram o público de suas filmagens. Demonstrando que há espaço para diversos estilos cômicos.

A Semana em Filmes (21 a 27 de Novembro)

2010-11-29T00:10:00.005-02:00

Uma Lição de Amor (I Am Sam)

Dir. Jessie Nelson

Não é tão incomum observarmos algumas produções que centram seu enredo na potência interpretativa de um ator. Quando atuação possui bom resultado, o artifício sustenta bem o filme, sendo capaz de, pelo brilho, ocultar partes de seu todo que são irregulares.

O drama Lição de Amor sustenta-se em duas bases: uma interpretação visceral de Sean Penn, ator ímpar de sua geração capaz de apresentar personagens avassaladores, e a rasgada homenagem a música sempre rica dos Beatles.

Direcionado para ser um drama denso, a trama apresenta Sam Brown, um deficiente mental, fanático pelos Beatles que, após sete anos cuidando de sua filha, precisa provar perante a justiça que é capaz de prestar cuidados a ela, mesmo que sua idade mental seja inferior a da criança.

O sentimentalismo dos acontecimentos não perde sua estrutura por conta da personagem de Penn, altamente verossímil e capaz de passar toda a ternura e amor ao público. Não só realizando uma boa interpretação, como apresentando-a com todos os maneirismos de quem sofre de uma deficiência sem parecer exagerado.

Enquanto a trilha sonora é uma seqüência de versões da banda de Liverpool, desenvolvimento que, vez ou outra, faz contexto com a própria história de Sam, como sua filha, chamada Lucy e apresenta cenas que dialogam com canções ou fatos da banda, vide o famoso atravessar de rua de Abbey Road.

Mesmo para aqueles que não encontram muito apreço em filmes cujas lágrimas são intencionais, seu argumento um tanto quanto mal amarrado ganha dimensão nas mãos de Penn e, embaladas com as boas e velhas canções conhecidas, merecem uma exibição. Mas, sem dúvida, o ator apresenta-se com mais força ainda em Sobre Meninos e Lobos e Milk - A Voz da Igualdade, outras duas de suas interpretações que concorreram ao Oscar (Somando-se quatro com Os Últimos Passos de Um Homem).

A Odisséia de Homero, Gwen Cooper

2010-11-28T08:00:00.003-02:00

"A rotina quando eu chego em casa no fim do dia é sempre a mesma.

A campainha do elevador é a primeira pista para seus ouvidos sensíveis de que estou chegando. Quando a chave entra na fechadura, já posso perceber a pressão leve das patinhas do outro lado da porta. Reparei que costumo abrir todas as portas – até mesmo na casa de outras pessoas – com cuidado para que nenhum danadinho peludo acabe fugindo."

Autora: Gwen Cooper

Editora: Sextante

284 pag.

Tradução de Fabiano Morais

Mercados editorais seguem tendências naturais de consumo. Editoras esforçam-se para possuir em catálogo um livro concorrido que resulte em grandes tiragens e altas vendas. Ainda que, inevitavelmente, alguns leitores façam reclamações quanto a tais livros – os populares Best Sellers - são eles que garantem parte da renda mensal de uma editora, sendo capaz de proporcionar o lançamento de livros que, ainda com certo público, não terão muito apelo nas vendas.

Uma reflexão com um leve retrocesso temporal deixa claro o fluxo das tendências. O bruxo Harry Potter trouxe a magia para o primeiro plano; os vampiros que brilham de Stephanie Meyer deu outra dimensão a seres quase mortos – abrindo espaço também para zumbis, lobisomens e outros nichos; Dan Brown com seu O Código da Vinci apimentou as teorias conspiratórias embasadas em fatos históricos que simulam a realidade e John Grogan trouxe a tona o sentimento catártico e sensível que os humanos sentem por seus animais de estimação em Marley e Eu.

Quatro exemplos de temáticas diferentes resultam em, no mínimo, cinqüenta livros lançados nos últimos anos. Ainda que nem todos galguem a fama de mais vendidos, o filão conquista público que se interessou pela temática e aproveita a onda para apresentar outras histórias.

Mesmo que livre de qualquer preconceito sobre histórias, resultando em uma vasta – e variada – biblioteca, não posso deixar de admitir que enredos envolvendo animais sempre trouxeram-me incomodo.

O apelo sempre se torna maior do que a história em si. O leitor sente-se emocionado, pois, quem tem qualquer animal de estimação sabe que cada um tem um temperamento, e as vezes deixa de perceber que tal narrativa não possui talento além de algumas lágrimas furtivas.

Dentre os animais que guardamos no coração e passam por nossa vida, confesso que sou um amante de felinos. Me fascina a austeridade e a maneira furtiva na postura, o olhar sedutor e superior ao nos fitar. Esse texto só não acompanha a crítica feroz de minha bela gata loira porque, nesse momento, ela resolveu ficar de costas para mim – e para qualquer outra pessoa – dando a entender que está em um momento de sono e reflexão.

A Odisséia de Homero – título que remete ao famoso poema epopéico escrito na Grécia antiga – narra à prodigiosa história do gatinho Homero que, por causa do abandono nas ruas, perdeu a visão.

É com extrema paixão que sua dona, Gwen Cooper, narra as peripécias do felino. Partindo desde o primeiro encontro, no veterinário, quando ainda era uma bolinha de pelos que cabia em sua mão, até seu período maduro.

A presença de um animal, ainda mais desprovido de visão, desperta carisma imediato em seu leitor. Mas é devido a uma narrativa divertida e bem fluida que a vida de Homero transforma-se, de mais uma história de animais, para uma bela e boa história.

Cooper preocupa-se em construir um bom enredo que, utilizando seu amor por felinos como tema central, desenvolve-se além dele, abarcando as fases de sua própria vida e a construção dela acompanhada pelos seus três gatos que, naturalmente, fazem parte da família.

Ainda com a trama centrada no felino cego, Gwen discorre sobre a problemática em ser uma mulher de trinta anos que vive o trauma recente da separação e como nossos bichos de estimação, mesmo que de maneira muda e intraduzível, adentram nossa vida e nos presenteiam com sua peculiaridade ao dividir a vida conosco.

A essência sentimental da trama é inevitável. Mas vem carregada de um desenvolvimento que aproxima ainda mais o leitor e atinge seu momento crítico quando os felinos são obrigados a ficar sozinho em seu apartamento, proporcionando uma seqüência emocionante de fatos.

A Odisséia de Homero merece ser pinçada dentre os lançamentos do gênero. Mesmo que sua aptidão seja por outro animalzinho, é impossível não se apaixonar por Homero.

O livro traz em cada capítulo uma imagem do bichano e entrevistas com a autora e o gato tira colo estão disponíveis facilmente na internet.

Lulu Santos, Acústico Mtv II

2010-11-18T08:00:00.003-02:00

Artista: Lulu Santos

Álbum: Acústico Mtv II
Gravadora: Universal

Ano: 2010

01. Tudo Mais
02. Papo Cabeça
03. Um Pro Outro
04. Dinossauros Do Rock
05. Vale De Lagrimas
06. Tudo Azul
07. Minha Vida
08. O Obvio
09. Adivinha O Que?
10. Brumario
11. Baby De Babylon
12. Ja E
13. Pra Voce Parar
14. Auto Estima

Há dez anos atrás, Lulu Santos realizou um belo cd duplo no projeto Acústico MTV. Apresentando novas canções, rebobinando diversos hits de sua carreira, o álbum se tornou um grande sucesso de vendas com 900 mil cópias vendidas, ganhando triplo de platina.

Seis álbuns e quatro coletâneas depois, o cantor retorna ao modelo desplugado para outro registro que da seqüência a sua carreira. Cansado do peso da guitarra, Lulu retorna a leveza do violão e produz canções com mais suavidade.

Acústico II é uma produção mais discreta. Não só concentra-se apenas em um disco (ao contrário do primeiro, duplo) como é realizado em uma época onde a marca dos acústicos não é mais tão visível. Deixando para trás a singularidade nítida que o evento teve anos atrás. De ser, muitas vezes, um salvador de carreira ou um show trabalhado com excelência por sua novidade sonora.

Com cd composto por catorze faixas e DVD com dezessete, o álbum, novamente, tenta perfilar os hits que o cantor realizou durante sua carreira. Porém, com vinte e três canções já cantadas anteriormente, sendo o sumo do sumo de sua produção, resta a essa seqüência alguns singles que ficaram de fora, uma canção inédita e releituras de músicas não tão conhecidas.

As três canções de abertura foram selecionadas em bom estilo. A inédita E Tudo Mais é coerente como início e resume de maneira sensível e com boa melodia a carreira longínqua de Lulu: Tudo o que eu sonhei / Está na minha frente / Tudo caminhando num processo longo de ser gente. Papo Cabeça, do álbum Honolu, de 1990, aumenta a pegada pop, característica do músico, e ainda complementa a apresentação das canções que estão por vir. Seguidas sem pausa de Um Pro Outro, sucesso sentimental de seu quarto álbum, Lulu.

Há pouco da lavra recente de composições: Vale de Lágrimas, Baby de Babylon, O Óbvio (canção do baixista Jorge Aílton), Já É e Auto-Estima. Sendo a primeira delas a melhor e a última, em apuração, encontrada somente na coletânea Perfil, de 2004.

Canções que não tiveram sucesso anteriormente não são, necessariamente, inferiores aos hits consagrados. Mas o segundo movimento do projeto acústico, ainda que audacioso pelo destaque a elas, se torna, em comparação, inferior ao primeiro, que perfilava uma boa sequência musical e, consequentemente, aquilo que se produziu de melhor no Brasil no pop / rock radiofônico.

Infelizmente, nem toda versão acústica tem seu charme a parte. Adivinha o Quê? cuja temática sexual é bastante forte, perde sua potência com versos cantados quase de maneira inteligível por Marina de La Riva. Se a versão hispânica acrescenta certo estilo sedutor à canção, a força erótica fica quase nula.

Melodicamente, o formato acústico não é mais inédito. Uma continuação dele, portanto, firma mais ainda a sensação de um mais do mesmo. Um álbum que deve ser ouvido como um desmembramento natural do primeiro mas que parece mais uma sequência de bis, após um excelente show, do que ele próprio.

A Semana em Filmes (31 de Outubro a 7 de Novembro)

2010-11-09T15:58:00.007-02:00

Scott Pilgrim Contra o Mundo (Scott Pillgrim vs. The World)

Dir. Edgar Wright

Movimentos artísticos – falo, especificamente, das várias formas de arte existentes e definidas através dos tempos – são distintos porque se configuram de maneira diferente. A pintura exige contemplação visual; enquanto a música utiliza-se da percepção sonora e outras, como o cinema, realiza uma união dos elementos, som e imagem provocando um terceiro efeito.

As histórias em quadrinhos também possuem sua distinção. Mesmo sendo quadros parados, sua seqüência intenta gerar uma espécie de movimentação. Que mantém o ritmo da história e, muitas vezes, elabora boas cenas de ação.

Não é recente que na indústria cinematográfica há a procura de mais roteiros prontos para adaptação do que argumentos novos. Trabalhar com uma história já produzida que, muitas vezes, traz consigo certo público cativo é mais fácil e rentável do que arriscar em exceto roteiros inéditos que, potencialmente, são bons.

Desde que os quadrinhos galgou sucesso no mainstream de Hollywood, o espaço para adaptações se abriu largamente. Até mesmo produções em quadrinhos sem muito contato com o público receberam versões de cinema, muitas originando produções estupendas – caso de Marcas da Violência de David Cronenberg.

Ainda que alguns elementos artísticos sejam parecidos em ambas artes, é compreensível que uma não pode ser um decalque da outra. Nas adaptações quadrinescas dos últimos anos, apenas duas destacam-se pelo estilo bastante enraizado nos quadrinhos, : Sin City de Robert Rodriguez e 300 de Esparta, de Zack Snyder. Por coincidência, ambos de Frank Miller.

O mérito de uma produção competente dá crédito aos seus diretores. Sin City funciona ao imitar o estilo de sombra e luz do original por ser fiel ao estilo policial noir que, na literatura, esconde mais do que mostra. 300 de Esparta filtra parte do estilo de Miller ao desenhar. Insere na tela parte do desenho, mas não se prende a ele. Realizando adaptações necessárias para um quadrinho se tornar filme.

Scott Pilgrim Contra o Mundo é uma produção que exagera ao mostrar sua fonte. Boa parte dos elementos do filme, até mesmo aqueles que geram o riso, são oriundas diretas de estilo narrativo dos quadrinhos. Cenas de corte rápido, personagens que mudam de roupa em segundos e até mesmo as onomatopéias estão presentes em cena.

É evidente que Pilgrim deseja homenagear os vídeo games de 8 e 16 bits que muitos jogaram na infância. Seu enredo, de um garoto que precisa lutar contra os ex da futura pretendente para ficar com ela, explicita isso. Porém, se tal elemento funciona bem nos quadrinhos, nas telas diminui-se.

Quem acompanha alguma história em quadrinho sabe que por muitas vezes é natural que as personagens exagere em suas emoções, as vezes partindo para agressões de uma cena que logo são esquecidas. Os quadrinhos orientais, principalmente os mangás aumenta

m ainda mais tal carga dramática.

Porém, nas telas, tal arranjo torna-se estranho quando, em meio a um filme aparente normal sobre um personagem deslocado ele realiza um salto atlético e brilhos luminosos começam a sair de si.

Se Michael Cera foi cativado pelo público por sua participação em comédias e no tragicômico Juno, seu carisma não é necessariamente proporcional ao seu talento. Realizando um papel de um nerd deslocado que provoca, por diversas vezes, constrangimento por suas falas, sua interpretação, assim como outros estereótipos do filme, beiram outros personagens contemporâneos recentes que conhecemos.

Com o nerd e o geek na moda, personagens do estilo irão surgir com mais freqüência, porem a trupe de The Big Bang Theory protagoniza com tanto estilo tais personagens que há o risco de qualquer interpretação lembrar a do quinteto. O que faz do Pilgrim de Cera um deslocamento parecido, mas não tão afetado, de Sheldon Cooper.

Há miscelânea exagerada no corpo da história. O decalque quadrinesco, as personagens deslocadas, a homenagem aos vídeo games que são identificadas pelos sons, muitos que lembram sons de jogos clássicos.

O artifício que mais é bem feito na trama é a brincadeira explícita com o Indie. Desde a banda de Pilgrim que só tem a namorada como fã, as músicas de ritmo contagiante e canções que parecem mais um poema dadaísta.

Scott Pilgrim Contra o Mundo tem encontrado dificuldades para estreiar no país. Primeiro teve problemas em São Paulo por conta de uma mostra de filmes, agora vem sofrendo atrasos na estréia. Sendo o terceiro filme do diretor a, talvez, ser lançado direto em vídeo.

A história em quadrinho que gerou a produção está sendo lançada pela Companhia das Letras. As duas primeiras partes – de três – já encontram disponíveis para venda. E, provavelmente, funciona melhor que a produção que exagera em elementos alheios sem dar vazão aos recursos cinematográficos.

A Semana em Filmes (31 de Outubro a 7 de Novembro), Tropa de Elite 2

2010-11-07T21:58:00.010-02:00

Tropa de Elite 2 (Tropa de Elite 2)

Dir. José Padilha

Não há objetividade na arte. O fascino gerado por movimentos artísticos sempre ganham mais brilho na pluralidade de visões e opiniões. Suas impressões sempre refletem um eu interior de quem as vê. Sendo impossível uma análise seca de qualquer objeto e, muito menos, que dois argumentos de pessoas distintas concordem perfeitamente em uníssono.

Dessa maneira que, como um apaixonado por cinema, sofro diversas vezes. Tenho costume de rever a qualquer produção, mesmo as que, inicialmente, me pareceram ruins, pois, por causa dessa subjetividade, posso observar elementos que antes não fui capaz.

Foi dessa maneira que devo confessar que não tive simpatia pelo clássico Casablanca, muito menos por uma das grandes obras da Pixar, Ratatouille. O primeiro assisti em um ensolarado dia de verão, sem paciência para um profundo drama amoroso. Enquanto eu não esperava, no segundo, um toque tão sensível de delicadeza, imaginando que eu assistiria somente uma animação boba para me fazer rir.

Somente ao revê-los que me apaixonei. Somente em uma segunda observação tive a sensibilidade para notar, se não todos, boa parte da delicadeza da trama e, inevitavelmente, considerá-los grandes produções, que figuram na minha lista de melhores filmes, sem dúvida.

Com essa bagagem subjetiva que assisti pela primeira vez Tropa de Elite 2. Em um cinema de Araraquara, sem boa qualidade de som, nem imagem. Tratando-se de uma produção nacional, em que legendas não aparecem para ajudar na compreensão, foi evidente que sai descontente do cinema.

Fora a primeira vez que evitei fazer uma crítica, sem saber, ao certo, o que dizer. Pela minha apuração, fui o único a não gostar da produção. A enumerar defeitos que a faziam menor que o primeiro e tentar, pela multiplicidade de opiniões, expor a minha com bons argumentos.

Incrédulo que José Padilha poderia construir uma produção equivocada, deixei minha primeira crítica de lado e fui rever a produção, dessa vez em uma boa sala de cinema que, não só deixava os diálogos claros pelo bom som, como demonstrava bom uso do surround. E o incontestável fato da arte subjetiva estava correto novamente. Assisti a um filme espetacular.

Retomando a seqüência de acontecimentos da produção anterior, Tropa de Elite 2 expande sua trama de maneira global. A dinâmica anteriormente apresentada, concentrada na atuação do BOPE como parte da política de segurança do estado, apresenta agora a configuração por trás dessa rede. Cada setor que completa a orquestração da complexa melodia da política é apresentada ao público.

Construído de maneira similar à primeira produção, a totalidade dos eventos desenvolve-se em três partes distintas. Um retrocesso de quatro anos, envolvendo uma rebelião de Bangu, que explica porque o agora Coronel Nascimento foi desligado do BOPE, indo para a secretaria de segurança pública, como subsecretário; O esforço em modificar as estruturas do Rio de Janeiro e o grandioso ato final que transforma a guerra em luta pessoal.

A ação engendrata na primeira procução dá espaço para uma trama mais intricada, que explica como polícia, tráfico, política e milícias são unidas em um movimento macabro. A apresentação de cada elemento é feito de maneira correta, novamente utilizando-se de dois excelentes elementos que marcaram a primeira produção.

A narrativa do Coronel Nascimento, que acompanha a história, e encerra as amarras do filme é seca e agressiva, expõe a verdade mais crua e boa parte da opinião pública de quem observa as barbaridades mentirosas que surgem na tela.

Não bastando isso, José Padilha utiliza os próprios recursos cinematográficos para acompanharem – ou contradizerem – a narração. Acrescentando mais um detalhe sutil a história que demonstra a qualidade técnica da produção.

É corajoso desenvolver um longa que resulta em uma experiência oposta daquela de Tropa de Elite. Mas fieis à trama e as personagens, o desenvolvimento não poderia se realizar de maneira mais natural.

Seu gancho final é grandioso pela força. Coloca em cheque elementos apresentados de maneira universal no cinema. Analisa a potência de um herói e seu esforço em fazer o bem, processo semelhante a construção de Batman – O Cavaleiro das Trevas de Christopher Nolan. E se encerra com um plano sequencia, filmado em Brasília, que chega a provocar engulhos.

Com o sucesso da produção, hoje o filme brasileiro mais bem sucedido do ano, é questão de tempo para a idéia de uma continuação apareça. Padilha já disse em entrevista que não está em seus planos. Porém, até anos atrás, Tropa de Elite 2 também não estava.

Sendo capaz de realizar um enredo a altura, que de prosseguimento a boa narrativa das duas produções e não falhe na construção das personagens, não há porque não esperar outra seqüência. Ainda que é evidente que prosseguir com a história se torne um processo cada vez mais delicado

Moska, Muito Pouco, 29 de Outubro, Botucatu - São Paulo

2010-11-02T21:00:00.004-02:00

Paulinho Moska
Muito Pouco - Voz e Violão
Na Praça Martinho Nogueira, s/nº, Botucatu - SP
Em 29 de Outubro de 2010

01. Devagar, Divagar ou De vagar?

02. Muito Pouco

03. A Seta e o Alvo

04. Lágrimas de Diamantes

05. O Tom do Amor

06. Brasil Mulato (Martinho da Vila)

07. A Idade do Céu

08. Pensando Em Você

09. Só Nos Resta Viver (Angela Rô Rô)

10. Relampiando

11. Quantas Vidas Você Tem?

12. Tudo Novo de Novo

13. Juízo Final (Nelson Cavaquinho e Élcio Soares)

14. Admito Que Perdi

15. O Último Dia

Fotos de Thiago Augusto Corrêa

À procura de estabelecer e apresentar movimentos culturais em boa parte do interior de São Paulo, o Serviço Social de Comercio de São Paulo, o Sesc, organiza de 19 de Outubro a 07 de Novembro uma caravana itinerante que realiza seis roteiros específicos em diversas cidades do estado. Tanto aquelas que já possuem uma unidade do serviço, como as que não.

Basta trafegar pelo interior de São Paulo para constatar que são poucos os movimentos culturais. Prestigiando sempre cidades maiores, cidades sem o tal destaque ficam delegadas a receberem, quando recebem, um show comemorativo de aniversário da cidade ou que ilustra algum evento específico. A caravana itinerante do Sesc, que passa em 88 cidades, além do vasto menu cultural, envolvendo poesia, música e dança aproveita-se de muitas praças públicas para estabelecer seu cenário e maior vantagem: a gratuidade da cultura.

Foi graças a essa pequena turnê pelo interior que pude rever PaulinhoMoska, cujo último show que vi fora na turnê Tudo Novo de Novo, em 2004, também por um evento do Sesc. Apresentando-se apenas com voz e violão, o cantor realiza um show intimista que lança seu novo álbum - ou como prefere o músico, germina suas canções pelo interior - Muito Pouco.

Evidente que há diferenças entre ouvir um disco em casa e assistir sua execução em um palco. Muitos músicos talentosos que possuem uma excelente carreira discográfica, nem sempre realizam shows a altura, as vezes por fraca desenvoltura, timidez ou, como já presenciei, nítida sensação de não querer fazer aquele show.

Diante de tal afirmação, é cativante a maneira como Moska agrega seu público. Logo na apresentação inicial os chama para mais perto do palco – havia um espaço entre as cadeiras e o palco – e como se tivesse em uma imensa roda de amigos mais íntimos, dá vazão a seu trabalho.

Sua performance solo nos palcos é notável sobre dois aspectos: seu talento óbvio como cantor e músico, que não diminui nada da interpretação das canções por estar sozinho, mostrando uma bela destreza invejável no violão, como, assim como em seus álbuns, trabalha ruído, canção e silêncio de maneira harmoniosa.

Mais do que, apenas, apresentar ao público suas novas canções, Moska estabelece um bom repertório, que não só privilegia suas próprias canções como suas influências ao cantar Ângela Ro Ro, Martinho da Vila e Nelson Cavaquinho, o último a pedido do público.

O equilíbrio do repertório aproxima quem ainda não conhece seu novo trabalho daqueles que acompanham sua carreira há certo tempo. Muito Pouco, a canção, resulta no primeiro momento de encontro de todo o público que, inevitavelmente, ouviram a canção na voz de Maria Rita. A Seta e o Alvo é tocada em seu arranjo original que parece causar ainda mais o impacto das antíteses da canção.

Se em seus álbuns a poética sensível ressalta aos ouvidos, no palco em voz, violão e imagens, tais canções ganham ainda mais vida. O Tom do Amor, belíssima composição de Zélia Duncan torna-se momento impossível de não se emocionar e Relampiando, canção composta em duo com Lenine, executada no meio de uma praça da cidade, enquanto carros trafegam ao lado, transforma-se em uma reflexão de seu próprio movimento crônico.

O curto show de apenas uma hora encerra-se com uma boa trinca, que retoma três momentos de sua história: Tudo Novo de Novo, a canção que sempre termina e retoma ciclos, Admito que Perdi, de tom confessional implacável e O Último Dia, canção apocalíptica que é tocada enquanto a próxima atração E ai, Dança Vamos Dançar? – da cia Nova 4 e banda - se preparam no palco para interagirem no final da canção em um belo desfecho.

Tratando-se de um cantor que vem trabalhando na divulgação de seu novo trabalho, desejando semea-lo pela maior quantidade de cidades possíveis, é provável que outro futuro encontro com sua música seja inevitável. E, em uma paráfrase com sua Devagar, Divagar ou De vagar?, cada encontro com Moska é, sem duvída, de se apaixonar por suas canções.

Paulinho Moska ainda toca em mais quatro cidades seguindo a caravana Sesc que encerra-se dia 07. Seu site oficial disponibilidade todas as datas.

E nessa quinta feira, Terapia Musical em dose dupla: Back to Black de Amy Winehouse e Canções Para Embalar Marujos de Renato Godá.

Renato Godá, Canções Para Embalar Marujos

2010-10-28T18:12:00.000-02:00

Artista: Renato Godá

Álbum: Canções Para Embalar Marujos
Gravadora: MCK

Ano: 2010

01. Primeiro Round
02. Nasci Para Chorar
03. Eu Sei
04. Como O Mar
05. Ideal
06. Black Jorge
07. Cigarros E Cafes
08. Quem Dera
09. Cançao De Um Velho Marujo
10. Chanson D´amour
11. Obsceno Amor
12. C`est La Vie
13. A Cem Por Hora

Poucas são as incursões que faço na televisão aberta. Incomoda-me os chuviscos do sinal, intervalos intermináveis, fazendo-me preferir filmes, séries e conteúdos via internet. Mas foi através de uma apresentação musical no programa do Jô que conheci a música de Renato Godá.

Seu nome sem complicações esteve em minha memória por mais de dois anos. Até que, meses atrás, adquiri seu EP, Renato Godá, lançando em 2009. Recordei imediatamente que Kamikaze fora a canção que ouvi, não só pela peculariedade de sua melodia, até então diferente de boa parte da música que ouvi, mas pela interessante letra que contrapunha sagrado e profano do amor em um ritmo antigo, homenageando velhas canções de cabaré que a deixa irresistivelmente sedutora.

Lançado em março desse ano, Canções Para Embalar Marujos é uma seqüência natural do EP, porta de entrada para o universo musical de Godá. Sua sonoridade distinta expande-se além do som, estando viva na própria persona do cantor: um músico que mantém roupas elegantes, chapéu, cabelo desgrenhado, bebidas e cigarros, representando vivamente a personagem criada em suas letras.

A fonte bebida pelo autor vem dos lugares mais periféricos da sociedade. Retoma os cabarés antigos, onde homens sem eira nem beira entregam com afinco à suas bebidas por não estarem nos braços das mulheres que amam. Errantes que vão, de bar em bar, porto em porto, procurando algo que os conforte, por uma vida, ou uma noite. Bêbados de amor não correspondido.

Primeiro Round, cujo título remete-se as lutas de boxe, recriando inevitavelmente a idéia visual de lutas clandestinas realizadas em botecos, dá a forma do amor diabólico e vulgar que permeia o álbum. “Encarei temporais / Ondas gigantescas de terror no mar / Enfrentei marginais / Que tentaram a sorte nos becos do caís”. (Primeiro Round)

Como um aventureiro que ainda que navegado pelos setes mares, conhecedor de moléstias e violência, espera, com desejo, o amor que verdadeiramente o arrebate. “Hoje vivo em suas mãos / Sou refém dos seus sinais / O seu jogo sedutor / Me levou a lona no primeiro round”. (Primeiro Round).

O idílio de tal desejo é a vida que prossegue errante. Nasci para Chorar, versão do tremendão Erasmo Carlos para canção de Dion Dimucci é deliciosamente intepretada pelo músico e banda. Ambas canções parecem completar a mesma idéia, a vida como um mar de miséria triste e dissonante.

As personagens de suas composições trafegam por esse mundo obscuro, pelas vielas repletas de amor contido, pelo choro dos bêbados por falta de amor. Um boêmio que sofre entre o amor e seus objetos pontiagudos procurando, de porto em porto, bar em bar, dama a dama, quem desperte o sentimento arrebatador. “Porém posso esquecer as horas / Abusar da memória / Pra ficar com você”. (Eu Sei)

Em nenhum momento, Godá deixa de ressaltar sua alma vadia. Estilo que salta nas músicas, fazendo nos imaginar que enquanto canta empunha um cigarro e traga uma bebida barata. A faceta do amante sedutor é ressaltada em Ideal e Quem Dera, histórias sobre amantes que, mesmo sendo amaldiçoados pela vida, trazendo consigo a chama que, de fato, acende amantes.

Dentre as que fogem de tal universo, deixando pequenos cacos fora da coesão total do álbum, está Black Jorge. Voltada para um tipo de malandragem mais contemporânea, que não tem o mesmo brilho das lágrimas ébrias dos amantes.

A explosão mais lírica, sem a crueza da vida, se faz em Chanson d´Amour, com participão de Renata Carlotti que, em dueto, alternando entre português e francês, ressaltam belas imagens contaminadas pelo amor.

Porém, sem dúvida, é o flerte com o diabólico e a decadência elegante, embalada por uma melodia rica e harmoniosa, que fazem do álbum, e de Godá, um músico de destaque.

A Cem Por Hora, que encerra as Canções é progressão direta da primeira faixa, uma verdadeira declaração de amor, que ajoelha e faz da amada uma deusa, pedindo redenção em seus braços e desejando ser o que ela quer que seja. A voz grave de Godá, acompanhada do bom refrão - "E na cidade a cem por hora / Com meu chapéu e meu Ray-Ban / Flutuar sobre o asfalto / Sem direção" (A Cem Por Hora) - finaliza de maneira precisa o álbum, como iniciou-se.

O universo musical de Godá é imenso. Povoado pelos marujos perdidos, traídos pela vida. Resultando em um bom álbum quase uníssono, que versa de maneira tão bela os sentimentos e suas contradições.

Não bastando tais fatos, o álbum - produzido por Plínio Profeta, ganhador do Grammy por Falange Canibal, do Lenine - ainda é disponível para download de maneira inteiramente gratuita. Convite impossível de não ser aceito para que você também seja mais um marujo dessas águas incríveis e turvas.

Na próxima semana: Lulu Santos, Acustivo Mtv 2 e o dvd Steve Wonder - Live At Least. Terapia Musical, todas as quintas-feiras.

A Semana em FIlmes (03 a 09 de Outubro)

2010-10-26T02:42:00.006-02:00

Toy Story (Toy Story)

Dir. John Lasseter

Como todos os movimentos cinematográficos que carregam o selo do estúdio Pixar, Toy Story tornou-se um marco por ser a primeira produção realizada inteiramente em animação computadorizada.

Ainda que o filme dispute o cargo com o brasileiro Cassiopéia, passados quinze anos de lançamento, uma tornou-se franquia de qualidade e sucesso, outra, se muito, tem exibição rara em canal aberto.

Até o lançamento de Toy Story, a Pixar era uma produtora promissora, apenas. A composição da animação era rica, mas não apresentava o requinte elevado das últimas produções da casa, capazes de elaborar linhas narrativas que agradam tanto adultos quanto crianças.

Dentre as três produções, é o filme mais brando. Porém, com construção sólida de suas personagens e conflitos, concentrados na chegada de um novo boneco no quarto do menino Andy: Buzz Lightyear, um agente espacial que tira o favoritismo do cowboy Woody, que se torna enciumado em não ser mais o querido.

Ainda sem uma trama sem muitas camadas como seus dois filmes posteriores, a produção apresenta muito bem a amizade da dupla, repleto de diferenças e contrapontos, mas unidas pelo amor de um garoto. Não bastasse isso, desde já, também, há frases icônicas, como a famosa isso não é voar, e sim cair com estilo.

De animação pioneira, suas seqüência não perderam a qualidade com a evolução tecnológica digital.

A produção foi relançada no inicio do ano no duvidoso sistema em terceira dimensão, como um aperitivo para a estréia de Toy Story 3.

Malditas Aranhas! (Eight Legged Freaks)

Dir. Ellory Elkayem

Em décadas passadas, animais assustadores foram, de fato, sucesso. Espécies ferores, escorpiões gigantes, aranhas modificadas que, filmadas em stop motion, eram capazes de causar medo e terror em produções preto e branco.

Com a exploração de outras vertentes do meto, o estilo foi para segundo plano, tornando-se produções B do gênero de Terror. Pela ambientação exagerada, filmes do estilo começaram a ser produzidos mais pelo riso involuntário do que pelos sustos.

Malditas Aranhas! homenageia de maneira estilo esse estilo de produção. Faz uso de um bom orçamento para, propositadamente, aparentar um estilo tosco, calcando-se em uma trama evidente mas muito divertida.

Desenvolvida em uma pequena cidade no interior dos Estados Unidos, um acidente com lixo tóxico faz com que as aranhas de um criadouro local mute-se, transformando-se em seres gigantes.

Trabalhando com um roteiro óbvio, que não esconde sua intenção, com aranhas desaparecendo com amigáveis animais de estimação, encurralando mocinhas salvas por heróis desaparecidos, a produção explora ao extremo o inusitado da situação para produzir o riso.

Ao contrário de outra produção estrelada por David Arquette, a Trilogia Pânico, cujo terceiro ato faz uso dessa comédia de terror, Malditas Aranhas! concentra-se em tipificar as personagens sem medo, dando-lhe a sensação nítida do bem e do mal e da natural união de cidadãos contra uma causa maior.

O resultado do pastiche é uma interessante homenagem aos monstrengos assustadores dos filmes B de décadas passadas e quase duas horas de pura diversão com miolos, ou seja o que for, de aranhas gigantes estourando na tela.

Revelação (What Lies Beneath)

Dir. Robert Zemeckis

Enquanto filmava Náufrago, um dos últimos grandes filmes de Robert Zemeckis e Tom Hanks, foi necessário que a produção pausasse suas gravações por um determinado tempo enquanto Hanks, na trama isolado em uma ilha, emagrecia para a segunda parte da história.
Com uma equipe de produção formada e bem integrada, surge a interessante idéia de se produzir outro filme enquanto o cronograma de gravações estava pausado.
Reunindo dois grandes astros de Hollywood, na época em que tal status contava mesmo quando atores realizavam produções rasteiras, Revelação apresenta-se como um bom thriller de suspense que não só insere interpretações precisas – elemento um tanto quanto difícil no gênero, já que poucos atores consagrados arriscam estrelar tais produções – e uma boa direção de Zemeckis, que ainda não tinha se entregado para as produções em animação que tentam imitar a textura e composição de um filme tradicional.
Sem procurar inovações, exceto uma boa narrativa de suspense sobrenatural, a trama tem Harrison Ford e Michele Pfeiffer como um casal que, aparentemente, possui uma boa vida. Mas tal harmonia é cessada por algo que intenta avisar a esposa sobre um passado ainda não conhecido do marido.
Valendo-se da histeria provocada pelo desconhecido e uma direção que complementa a trama, a história cresce em bom ritmo até sua, trocadilho inevitável, revelação derradeira.
Ainda que a duração ultrapasse as duas horas, dando a sensação de um prolongamento que poderia ser melhor cadenciado, a somatória do elenco, direção e roteiro resulta em uma produção significativa.

Amy Winehouse, Back to Black

2010-10-21T22:53:00.000-02:00

Artista: Amy Winehouse
Álbum: Back to Black
Gravadora: Universal Records
Ano: 2006

01.Rehab
02.You Know I'm No Good
03.Me & Mr Jones
04.Just Friends
05.Back to Black
06.Love Is a Losing Game
07.Tears Dry on Their Own
08.Wake Up Alone
09.Some Unholy War
10.He Can Only Hold Her

"You go back to her, and I go back to Black"

Você volta pra ela e eu volto para o luto.

Essa frase, refrão da música que dá título ao álbum, define perfeitamente o espírito que perpassa toda a obra-prima de Amy Winehouse.

Muito se falou nos últimos anos sobre a cantora, sobre seu destempero, seu vício em drogas e sua tendência à auto-destruição. Claro que ela realmente se super-expôs, mas é de certa maneira triste que sua música - a melhor produzida nessa segunda metade da década - tenha ficado de lado em favor de manchetes sensacionalistas.

O disco abre com o mega-hit Rehab, que versa de maneira irônica sobre os tão famosos Rehabs a que as celebridades se submetem sempre que tem porblemas com drogas, e que nos últimos tempos parece ser mais jogo de mídia do que de fato reabilitação. É de fato uma grande canção, com um poderoso vocal de Amy, que diz: 'They tried to make me go to rehab but I said no, no, no'. (eles tentaram me mandar para o Rehab, mas eu disse não, não não), tratando um tema polêmico com ironia e desdém.

Segue a que talvez seja a gravação mais genial da década, a ácida e dolorida You Know I'm No Good, que começa com uma base de bateria e uma linha de baixo, para depois entrar a voz brilhante de Amy, cantando uma letra simplesmente genial, que culmina no refrão destruidor, que mais parece um diálogo entre a abandonada (2 primeiros versos) e o traidor (2 últimos versos):

'I cheated myself

Like I knew I would

I told you I was trouble

You know that I'm no good'

'Eu me traí

como eu sabia que faria

Eu te falei que eu era problema

Você sabe que eu não presto.'

Essa canção também foi um grande sucesso, consolidando o sucesso do disco como um todo (ainda teria mais alguns singles tirados dele).

Me & Mr. Jones começa como um soul mais tradicional, com direito a backing vocals estilo década de 60. O título é o mesmo do clássico de Kenny Gamble e Leon Huff gravado por Billy Paul em 1972, e o tema também é o amor, mas o humor ácido de Amy está presente aqui também, o que causa uma bem vinda estranheza.

Just Friends segue o mesmo caminho de soul clássico, com arranjo de metais, mas com uma batida puxada para o reggae. O interessante dessa letra é uma frase que inverte todo o sentido de letras de dor de cotovelo: 'I'll never love you like her ' (Eu nunca irei amar você como ela). Colocando o eu da canção como o que abandona e não como o abandonado.

A música seguinte é a já citada Back to Black. O instrumental é sombrio como o título sugere e a letra segue pelo mesmo caminho: ' life is like a pipe, And I'm a tiny penny rolling up the walls inside' (A vida é como um cano, e eu sou uma pequena moeda rolando pelas paredes de dentro). É interessante notar como o disco fica cada vez mais melancólico, atingindo o ápice aqui.

Love is a Losing Game continua a introspecção, mas com uma levada mais romântica e uma letra feita com versos curtos mas eficientes. O clima dark é quebrado com Tears Dry On Their Own, ao menos no instrumental, bem mais alegre. A letra continua pessimista, mas vemos aqui uma certa aceitação do abandono, como o refrão mostra bem:

'He walks away

The sun goes down,

He takes the day but I'm grown

And in your way

In this blue shade

My tears dry on their own.'

Ele vai embora

O sol se põe,

ele leva o dia embora, mas eu sou crescida

E do seu jeito

Com uma sombra azul

Minhas lágrimas secam sozinhas.

Dá pra perceber uma mulher sentida pelo abandono, mas disposta a dar a volta por cima. É como um alento em um mar de desesperança, já que a partir daí o disco volta a ser sombrio e desesperançoso. Em Wake Up Alone volta o instrumental lento e sombrio, assim como a letra dolorida. A esperança de se levantar ainda permanece, como podemos ver em:

'I stay up clean the house

At least I'm not drinking

Run around just so I don't have to think about thinking'

Me levanto, limpo a casa

pelo menos não estou bebendo

ando por aí, para não ter que pensar em pensar

No entanto na própria canção, alguns versos adiante, essa esperança desmorona:

'That silent sense of content

That everyone gets

Just disappears soon as the sun sets (...)

Moon spilling in

And I wake up alone'

Aquele silencioso senso de contentamento

que todo mundo tem

simplesmente desaparece assim que o sol se põe (...)

A lua se vai

e eu acordo sozinha

Simplesmente brilhante em sua desconstrução da esperança e construção da imagem de uma mulher completamente derrotada.

Some Unholy War destoa um pouco do tema do abandono que permeia o álbum todo, traçando uma fala de uma mulher questionando o que faria se seu homem fosse lutar em uma 'guerra não santa'. Ela diz que iria sempre atrás dele, sempre o acompanharia. Essa mudança de enfoque sequiria na música final.

O disco fecha com He Can Only Hold Her que tem um arranjo bem mais alegre que o restante do disco. Sua letra fala de uma mulher que não pode se doar à seu homem, pois já teve o coração roubado. Entendo essas duas canções como duas faces da mesma moeda, em uma a mulher que abandonaria tudo, em outra a mulher que não está realmente 'na relação'. Curioso ver como o disco progride até isso, começando com uma canção praticamente auto-biográfica (Rehab), onde o eu teme ser internado e perder seu amor (I'm gonna lose my baby, so I aways keep a bottle near / Eu vou perder meu bem, então eu mantenho sempre uma garrafa por perto), por isso se auto-destrói. Auto-destruição essa que perpassa toda a letra de You Know I'm No Good. A partir daí o disco entra em uma espiral de auto-comiseração, passando por lapsos de felicidade (Tears Dry On Their Own), para depois cair completamente no buraco que o próprio título traça.

Esse tipo de elaboração temática - tão pouco comum na música de hoje em dia - é uma das coisas que torna esse álbum um dos mais perfeitos já gravados.

Cabe dizer que Amy compôs as músicas desse disco quando estava separada de seu marido Blake Fielder-Civil, o que - obviamente - reflete por toda obra, o que faz esse disco figurar ao lado de obras primas emocionais, gravadas por conta de fins de relacionamento, como Here, My Dear de Marvin Gaye. Também é um dos mais poderosos álbuns gravados por uma mulher, coloco-o ao lado de Lady in Satin de Billie Holiday e I Never Loved a Man the Way I Love You de Aretha Franklyn.

É sempre difícil escrever sobre obras de que gostamos muito, e é o caso aqui, mas espero ter conseguido salientar a incrível qualidade desse que considero, sem nenhum medo, o melhor disco da década.

PS: a versão inglesa do álbum contem mais uma música, Addicted, que foi suprimida no lançamento americano e consequentemente no brasileiro, que é o que eu estou resenhando. No entanto devo dizer que é a faixa mais fraca do álbum, ainda que tenha qualidades.

Na próxima semana: Lulu Santos, Acustivo Mtv 2 e o dvd Steve Wonder - Live At Least

Ray Charles, Live at the Olympia (DVD)

2010-10-07T18:28:00.000-03:00

Artista: Ray Charles

DVD: Live At The Olympia
Distribuidora: Som Livre
Ano: 2010

01 - Blues for Big Scotia
02 - The Way You Look Tonight
03 - Route 66
04 - A Song for You
05 - Hallelujah I Love Her So
06 - Georgia on My Mind
07 - Stranger in My Own Home Town
08 - Angelina
09 - I Got a Woman
10 - Hey Girl
11 - Almost Like Bein´ in Love Again
12 - Just for a Thrill
13 - It Had to Be You
14 - What´d I Say

A primeira viagem à Europa de Ray Charles havia sido em 1960, quando realizou um show no lendário Olympia, em Paris. Em 2000, 40 anos depois, no ano em que completaria 70 anos, o Genius voltou à Europa e resolveu coroar a turnê com uma segunda apresentação no Olympia, que seria inclusive gravada em DVD, o primeiro ao vivo do músico. Mas nada é tão simples assim na vida de Ray Charles.

Na noite anterior ao show o Genius se apresentou em Lisboa, e foi pego de surpresa por uma greve da companhia aérea que fazia o trajeto Lisboa-Paris. Os músicos que acompanhavam Ray eram ao todo 32, contando as Raellets, e o empresário do músico conseguiu (em outra empresa) apenas 7 passagens para a França. Embarcaram somente Ray Charles, a base da banda - ou seja baixo, guitarra e bateria - , 2 homens para arrumar o palco e os instrumentos e o empresário de Ray, e foi com essa formação, desfalcada das backing vocals e da Big Band que Ray Charles fez a apresentação resgistrada nesse DVD.

Esse show é uma grande prova de que dificuldades inesperadas podem ser imensamente benéficas à arte. Um show tradicional renderia sem dúvida uma grande gravação, mas perderíamos a imagem de um homem, já em seu ocaso, pleno de suas habilidades e superando obstáculos para entregar uma performance simplesmente brilhante.

Logo que soube que precisaria fazer o show apenas com a banda base, Ray resolveu mudar o setlist para que as músicas se adequassem melhor à formação diminuída e privilegiasse não só os ótimos músicos que o acompanhavam, mas que também desse todo o foco à sua figura.

O show abre com Blues For Big Scottia e logo nessa entrada, juntamente com as subsequentes The Way You Look Tonight e a clássica de Bobby Troup, Route 66, podemos constatar que - sabiamente - o Genius deslocou o foco das músicas, do seu tradicional soul, para uma pegada mais jazzistica, aproveitando assim o que de melhor a sua banda e seu próprio virtuosismo como instrumentista poderiam oferecer. É simplesmente genial. Em especial a instrumental The Way You Look Tonight é soberba, mostrando com detalhes o timming perfeito da banda, que com certeza se sentia mais solta sem todos os metais que 'engrandeciam' o som. Talvez uma das poucas vezes em que Ray Charles gravava sem a Big Band desde que migrou pra Columbia lá na década de 60.

O show segue com A Song For You, agora sim mais próximo do soul, em uma belíssima versão toda focada no vocal e no teclado. Na sequência Ray engata dois grandes sucessos, Hallelujah, I Love Her So, que funciona muito bem e fica bem próxima da gravação original e o hino Georgia On My Mind, com pegada bem distinta da gravação clássica. Ray conta com efeitos do teclado para compensar a falta da Big Band, que é parte integrante da canção. O resultado é uma versão bem mais sofrida desse melancólico standard.

O tom melancólico abusando dos efeitos de teclado segue em Stranger In My On Home Town e Angelina, essa última dando também um belo espaço à guitarra. O sucesso I've Got a Woman começa nesse mesmo teor, mas logo se transforma no soul arrebatador de sempre, produzindo um dos pontos altos do show. A música seguinte, Hey, Girl, da Carole King é curiosa, já que a banda nunca a havia tocado antes. Isso mesmo, Ray Charles colocou uma música inédita em um setlist de um show já cheio de problemas!

Mas incrível mesmo seria a parte final da apresentação. Fora as ótimas versões de Almost Like Being In Love Again, Just For a Thrill e It Had To Be You, o brilho está mesmo no número de encerramento, a revolucionária What'd I Say, que é uma canção inteiramente baseada na interação entre Ray e suas Raellets. Nenhum dos músicos conseguiu entender quando o Genius a escalou no set list, mas ele apostou que a música era tão conhecida que o próprio público poderia fazer o papel das Raellets respondendo ao astro no palco. É até desnecessário dizer o quão brilhante é essa idéia, assim como é desnecessário dizer que deu absolutamente certo, resultando no climax perfeito para um show histórico por diversos motivos, entre eles - o principal deles - a altíssima qualidade musical apresentada.

PS: Devo dizer que Ray Charles me deu toda uma nova impressão sobre como um teclado pode ser um instrumento brilhante, e é realmente interessante vê-lo longe do tradicional piano e usando a diferença dos instrumentos como diferencial para o som.

PS2: O DVD contém uma entrevista com o empresário de Ray, onde ele conta exatamente os acontecimentos que levaram ao show. Seria um ótimo extra, se não fosse o fato de não ter legendas. Sério, realmente não dava para legendar um trecho de 14 minutos?

Supernatural, Primeira Temporada

2010-10-06T08:00:00.001-03:00

O sobrenatural duvidoso

Nos lançamentos anuais de novas séries que buscam conquistar o público, há um espaço cativo para um formato que sempre se mantém em produção sem, exatamente, apresentar um bom nível de qualidade.

Normalmente, situam-se nessa categoria séries que intentam agradar amplamente o público, apresentando situações não muito profundas, mas que deflagram atenção. O enfoque muita vezes juvenil, complementa a amplitude de sua intenção.

A série que reconta a origem de Super Homem, Smallville, traz em sua formula uma produção juvenil, que aproxima-se de elementos novelescos repleto de dramas não profundos. A formula de um super herói em aprendizado vivendo como um humano quase normal, resultou em uma série de grande sucesso, com dez temporada cujo fim está programado para o próximo ano.

Produzida pelo diretor McG, que assina também Chuck, Supernatural apresenta um enredo calcado no sobrenatural sem, necessariamente, valer-se de elementos de terror para conduzir sua história.

Apresenta dois irmãos como investigadores, que voltam a se encontrar para seguir a trilha do pai desaparecido. A obsessão pelo inexplicável encontra-se na infância da família, quando a mãe dos garotos foi assassinada por um demônio, em um incêndio sobrenatural. Desde então, a família Winchester tornou-se um trio não usual que caça e extermina tudo aquilo fora do comum.

Ao contrário de outras séries que valeram-se do sobrenatural como tema, seu desenvolvimento não é profundo. Histórias são apresentadas no início de cada episódio e os irmãos, de maneira burocrática, vão até o local realizar uma investigação.

Como não são profissionais licenciados para realizar tais investigações, valem-se da boa malandragem para conseguir dinheiro para sobreviver. Tal fato entra em conflito com a dinâmica da série em diversos momentos. É evidente que a dupla trabalha com pouco orçamento, o que torna injustificável o fato de, a cada caso, ambos aparecer disfarçados como figuras que mais se adéquam a investigação. Sejam policiais, padres, bombeiros ou simples jornalistas.

A base utilizada pelos irmãos para as investigações é um grosso diário utilizado pelo pai. Que parece conter bem mais informações do que aparenta. Já que a cada episódio, a cada demônio ou espírito que cruza seu caminho, há uma referencia direta nas anotações do pai.

Transformando argumentos que, por tocarem o desconhecido, poderiam ser interessantes em histórias risíveis, sem desenvoltura. Narradas de maneira burocrática e inseridas em uma fórmula juvenil que funciona pouco.

Quando a série começa a perder seu padrão burocrático de narrativa – caso sobrenatural apresentado, irmãos descobrindo o acontecido em um jornal e viajando para investigar – as tramas melhoram. Apresentando no segmento final bons episódios como Fé, sobre um ceifador de Almas e A Família Bender que subjulga o conceito do sobrenatural.

O elemento mais incômodo durante a primeira temporada é a constatação óbvia de que, em seu final, a série se fortalece e apresenta um excelente desenlace.

O retorno do chefe da família, John Winchester, mesmo que temporariamente, traz ritmo a série. Há mais carisma no pai do que em suas crias. Sua figura cativante fundamenta a seqüência de episódios dando mais ação, drama e suspense.

A trama escolhida para fechar a primeira temporada é um grande acerto. A vingança da família contra o suposto demônio que matou a mãe é inserida no momento certo. Não ocorre de maneira abrupta e da completude a outros episódios.

Mesmo com um bom gancho para o próximo ano, é necessário muito desenvolvimento narrativo para que a série conquiste, de fato, um bom andamento. Em seu primeiro ano, há mais falhas do que acertos.

A Semana em Filmes (26 de Setembro a 2 de Outubro)

2010-10-04T00:36:00.005-03:00

Turistas (Turistas)

Dir. John Stockwell

Quando uma das maiores produções animadas americana, Os Simpsons, dedicou um de seus episódios a uma sátira ao Brasil, houve maciça cobertura da imprensa antes mesmo da exibição de tal episódio, tanto por lá quanto em terras brasileiras.
Protestos surgiram de diversas partes, até mesmo de entidades turísticas alegando que tal desenho produzia um efeito difamatório contra nossa mãe gentil. É provável que a maioria dos contestadores não tenha, de fato, assistido tal episódio, muito menos ter breve conhecimento da história da série, cujo enfoque cômico e exagero é um de seus parâmetros.
A produção de Turistas, realizada completamente no Brasil, gerou furor parecido. Ondas de protestos por filmarem um longa de terror, explorando um assassino sádico, em nossas terras. Porém, na verdade crua que estampa notícias de jornais, é fato que tal verdade, ainda que maquiada pela ficção, não esteja tão longe assim de nossa realidade.
A prova de tal afirmação pode ser confirmada com a inserção do Google Street View no Brasil, projeto de mapear as ruas da cidade e que, em menos de três semanas de registro, foi capaz de fotografar dois corpos em duas cidades diferentes.
O espaço para a crítica a violência do país funciona como apontamento para exemplificar que não há nada tão aberrante na produção, muito menos digna de protestos.
Quem vive em cidades litorâneas ou históricas, sabem que muitos estrangeiros vem ao país visitar suas belezas naturais e, eventualmente, caem em armadilhas. O próprio diretor da produção sofreu problema semelhante ao filmar Mergulho Radical, onde foi assaltado por um grupo de garotos no Peru.
A ação desenvolvesse no interior de nosso país, quando um grupo de estrangeiros escapam de um acidente de ônibus. Como a espera por outro ônibus seria longa, os colegas decidem passar seus dias em uma praia próxima, que admiram pela bela paisagem e mulheres bonitas. Depois de uma noitada, todos acordam na praia sem nada além da roupa do corpo. Procurando ajuda, encontram um rapaz local que lhe oferecem uma casa próxima para se hospedarem até a volta do ônibus. Mas, evidente, que tal casa é uma armadilha de um sádico torturador que não tem afeto por estrangeiros.
A exploração midiatica em torno da produção se fez com alto exagero. Não há cenas de extrema violência como muitos jornais noticiaram e muito menos a idéia de que o país é uma corja de assassinos. A trama apresenta um personagem isolado que intenta ferir os turistas mesclando com a realidade comum de nossas cidades, repleta de assaltos.
O desenvolvimento da trama é feito de maneira lenta. Não se entrega rapidamente ao jogo fácil da violência física, optando por trabalhar a tensão. Porém, em sua parte final, não há desenvoltura. Resultando em uma estranha fuga por um rio coberto por pedras, dando a impressão de que, ao mesmo tempo, procurou-se realizar a climática do filme e mostrar as belezas do país, composição que não funcionou.
Por ser, de fato, gravado em terras brasileiras, não há a língua mal falada enrolada com espanhol. E a trilha, que intenta dar mais ênfase ao significado do Brasil apresenta canções de A Procura da Batida Perfeita de Marcelo D2, funks e uma surpreendente Adriana Calcanhotto em Sou Eu Assim Sem Você, que dá a tal cena uma certa ironia, talvez não imaginada.

Capital Inicial, Das Kapital

2010-09-30T21:06:00.009-03:00

Artista: Capital Inicial

Álbum: Das Kapital
Gravadora: Sony Music

Ano: 2010

01. Ressurreição
02. Depois da Meia Noite
03. Como se Sente
04. Eu Quero Ser Como Você
05. A Menina que Não Tem Nada
06. Não Sei Porquê
07. Melhor
08. Vamos Comemorar
09. Eu Sei Quem Eu Sou
10. Marte em Capricórnio
11. Vivendo e Aprendendo

Décimo segundo álbum de estúdio, quinto após sucesso propiciado pelo Acústico Mtv, a longínqua banda Capital Inicial intenta trilhar um caminho diferenciado daquele iniciado com disco homônimo em 1986.

Desde o retorno da banda, primeiro com sua formação original, depois com Yves Passarel assumindo as guitarras que o grupo é capaz de reunir, ainda, fãs das antigas e galgas novos, principalmente com seus hits de formato pop, sempre presente nas rádios.

Apesar de todo sucesso expoente que a banda possui, seus álbuns de estúdio são oscilantes. Rosas e Vinho Tinto, primeiro pós banquinho e violão é o mais coeso do retorno. Possui sonoridade densa, participação de Kiko Zambianchi – parceiro também de acústico – e letras que cultivavam o tradicional apelo pop sem perder a linha dos bons versos.

Gravado apenas com o quarteto, sem banda de apoio, Gigante, manteria a sonoridade calcada no rock´n roll com pitadas de balada sem nenhum brilho. A procura de letras simples de mais, canções tornaram-se vazias.

Eu Nunca Disse Adeus apontava mudanças leves na sonoridade da banda e afirmações de um amadurecimento. Dinho Ouro Preto utiliza seus graves para dar voz à algumas canções em um álbum que inicia bem mas logo perde o fôlego.

A somatória de canções antigas e novas, peneiradas nos lançamentos de estúdio resultam em um registro óbvio mas excelente. Gravado em Brasília Multishow Ao Vivo: Capital Inicial em Brasília, é a banda em seu melhor, tanto na performance energética como pela seleção das melhores composições.

Das Kapital marca o retorno da banda aos estúdios. O título refere-se ao livro mais famoso do filósofo político Karl Marx, e resvala no próprio nome da banda. A provocação comunista já havia sido tema dos cenários do show ao vivo, em que diversos cartazes representando a Rússia comunista simbolizavam a banda.

Na íntegra, o álbum foi posto no site da banda antes de ser lançado, tendo apenas duas faixas trocadas na edição em cd. Faixa que, ironicamente, parece refletir mais do que apenas uma canção.

A produção deste álbum aconteceu antes e depois do acidente de Dinho Ouro Preto em Outubro do ano passado. De modo que a canção que abre o álbum, Ressureição, parece trazer uma simbologia própria. Composta em contradições entre sim e não, destacada pelo verso: Uma vida gloriosa um minuto irrelevante. Profético verso se não escrito pós seu quase fatídico acidente.

Por conta desse fato, banda trabalhou melodias enquanto o cantor se recuperava. E melhor de saúde pôde por voz as canções.

Dentro os álbuns do retorno, é um dos que mais concentra-se em boas canções. De acordo com comentários da própria banda, a produção das novas canções bebeu em diversas fontes, partindo desde bandas clássicas as mais contemporâneas.

A maioria das letras são compostas pelos parceiros Dinho Ouro Preto e Alvin L., parceiro também de Marina Lima. O resultado é um álbum curto, de apenas trinta e cinco minutos, voltados mais ao rock / pop do que para as baladas, cuja boa parte das canções são bem trabalhadas.

A versão lançada inicialmente pela Sony Music é um belo digipack, com um encarte que contem as letras cifradas das canções. Bom elemento escolhido pela banda foi, além das fotos do grupo, fotografar os dois músicos de apoio, responsáveis, muitas vezes, por diversas canções e que, em muitas bandas, são tratados de maneira excusa.

A produção do álbum ficou a cargo de David Corgos, em vez do habitual Marcelo Suskind que trabalhou com a banda desde seu retorno.

O saldo da nova produção é positivo e poderia ser o primeiro marco de um amadurecimento da banda que, mesmo sendo quarentões, seguem a postura eterna de roqueiros que, ainda, vivem sua juventude anacrônica.

Atente-se para as faixas Depois da Meia Noite (primeiro hit radiofônico), a dançante Melhor, com um teclado setentista, e a ritmada – com palmas – Vivendo e Aprendendo que fecha o álbum e mantém o espírito juvenil.

Na próxima semana: Ray Charles - Live At The Olympia

C.S.I - Crime Scene Investigation, Quarta Temporada

2010-09-29T08:00:00.000-03:00

A investigação foresense continua na cidade mais caótica de Nevada

Uma das melhores séries a explorar o universo investigativo e forense, C.S.I – Crime Scene Investigation retoma, em sua quarta temporada, o mesmo estilo que a consagrou e prossegue a história interrompida no final da temporada anterior.

Tendo assistido as três primeiras temporadas em uma seqüência frenética, tive a impressão de uma queda de qualidade na terceira temporada. Mesmo utilizando os elementos tradicionais, a série não causava a mesma impressão de seus dois primeiros – e irretocáveis – anos.

A quarta temporada inova abrindo-se com um episódio duplo e finalizando a – boa – história da surdez de Gil Grissom, um dos destaques da temporada passada. Sem dúvida, sua personagem pode, sem dúvida, ser eleita como um dos melhores líderes de séries televisivas. Não só é um técnico astuto e hábil no que faz, como ao esconder a maioria do passado de sua vida, cria um personagem mais denso.

Decorrendo a temporada, a sensação de um terceiro ano frouxo vai sendo dissipando. O ritmo reaparece. Casos apresentados são bem compostos e bem resolvidos com suas eventuais reviravoltas.

Além dos bons casos, a série sustenta-se por seu hall de bons personagens, aqui em conflito por causa de uma futura promoção no trabalho. Nick Stokes e Sara Sidle, enquanto desempenham seus papéis nas investigações, demonstram sua vontade em ser o preferido do chefe, almejando a promoção. Sabendo que um eventual erro pode ser capaz de estragar tudo.

Mesmo que as personagens apresentem patentes diferentes dentro do universo da série, é evidente ao público a capacidade distinta de cada um. Tanto que, no decorrer da trama, Grissom demonstra que Nick é um melhor C.S.I. que Sara, justamente por ser capaz de trabalhar fora do âmbito comum. Efeito que, para a perita, resultará em um aprofundamento de sua personalidade. Sua frustração apoiada no alcoolismo, movimento que finaliza essa temporada.

Quem ganha destaque nessa temporada é Greg Sanders, o perito de laboratório que sonha ir à campo. Seu desejo é tamanho que, das poucas vezes que é chamado como apoio, trabalha de maneira exaustiva e com esforço. Tanto que pede a Grissom oficialmente para ser escalado a ir a campo e ganha o aval do chefe, contanto que ele seja capaz de treinar, antes, um substituto no laboratório.

Como já composto na temporada passada, a abertura da série foi repaginada, ganhando, não só novas imagens, como uma roupagem mais atual, dando o requinte necessário a fabulosa música da banda The Who que abre a série.

Como costumeira reclamação, fica registrado a divisão péssima da Playarte, que faz de uma série de vinte e poucos episódios um lançamento de três box com oito episódios cada. Aumentando o gasto do consumidor. Uma pena.

A Semana Em Filmes (19 a 25 de Setembro)

2010-09-24T00:22:00.009-03:00

Bem-Vindo a Selva (Welcome To The Jungle)

Dir. Peter Berg

Primeiro filme pós sua estréia nos cinemas, com o papel de Escorpião Rei, tanto em O Retorno da Múmia como no derivado de mesmo nome, Dwayne Johnson, ou simplesmente The Rock dá mais um passo para tentar ser um astro de ação.

Seu porte físico, oriundo das lutas, e um leque expressivo diminuto são boas características para conquistar um posto que não possui um ídolo definitivo desde o fim da década de 90.

Em Bem Vindo a Selva, The Rock é Beck, um coletor de dívidas que, sempre de maneira gentil, expõe aos seus clientes duas opções. O plano A, em que tudo ocorre sem problema e o plano B, onde a força física e bruta é imposta para realizar a missão.

A trama não traça contornos muito profundos, não explicando a razão na qual Beck precisa realizar uma última missão para ter seu restaurante de volta – aparentemente o coletor é um chefe de cozinha. Assim, ele parte para a Amazônia para resgatar Travis, filho de seu chefe, que está nas terras brasileiras procurando um artefato perdido.

A produção do filme tentou filmar em nossas terras, porém, após um assalto, optaram por locações no Havaí. Mesmo com o deslocamento da ação, há certa fidelidade nos cenários, ressaltados por propagandas de cerveja brasileira e traídos pelo sotaque mal feito das personagens que, nitidamente, não conhecem nossa língua. A confusão geográfica resulta em elementos cômicos sobre o país e nossa selva, como a presença indefectível de macacos e uma cena de luta ao som do samba.

Se o enredo da produção é bastante simples, um resgate na selva amazônica por um cobrador e, como pano de fundo, um vilão que escraviza a população por causa de suas riquezas naturais, as cenas de ação são bem engendradas. Utilizando-se de boa coreografia e de uma câmera lenta sem excesso para dar a perfeita idéia de que a personagem de The Rock é excepcionalmente boa no que faz, ainda que não goste de se envolver em brigas.

A contraparte cômica da trama, Sean William Scott, infelizmente não alivia muito a trama, nem lembrando os bons momentos que o ator proporcionou na trilogia American Pie.

O Fada do Dente (Tooth Fairy)

Dir. Michael Lembeck

É provável que em uma lista de exigências para se tornar um astro de ação em Hollywood haja a obrigação de estrelar filmes pipoca de comédia. Com enfoque principal para produções infantis em que o porte físico dos brucutus se tornem uma objeto de riso devido aos seus papéis nada ortodoxos aos costumeiros. Dos astros atuais que buscam essa patente, Vin Diesel estrelou Operação Babá, filme cujo título revela o enfoque humorado e The Rock, além de Treinando o Papai já se encontra em seu segundo papel família.

Em O Fada do Dente, Derek Thompson é um jogador de hockey das antigas cujo único sucesso que ainda permanece é suas faltas brutais que, invariavelmente, machucam seus adversários, fazendo com que eles percam um dente. Assim surge seu apelido, dado pelos fãs, de Fada dos Dentes. Em um dia, ao colocar a filha da namorada para dormir, quase conta a menina que a história de colocar o dente embaixo do travesseiro a espera da fada é uma mentira. Como punição, o jogador é intimado pela fadas e é obrigado a se redimir, se tornando uma Fada do Dente por algumas semanas.

Mesmo que a trama da produção seja construída para ser um filme família, com agrado maior para as crianças, de maneira surpreendente, o filme é bastante fluído. Como é de se esperar, The Rock transforma-se em uma fada esdrúxula e deslocada, o que provoca bons momentos de riso. A história moralizante sempre comum em histórias do tipo não é tão exagerada como de costume, resultando em um filme que, honestamente, me agradou mais do que as duas produções de ação com o ator que vi anteriormente.

Vale destacar a presença de Ashley Judd como namorada do jogador e a eterna noviça rebelde Julie Andrews como a fada madrinha, chefe do departamento das fadas.